MISCELÁNEA CINÉFILA EXISTENCIAL: LADOS B

De las películas oscarizadas que vi creo que la que me pegó como mazo de cavernícola fue 127 horas. Claustrofóbica, difícil e incómoda. No apta para optimistas solapados, gente que dan consejos facilones de: ten paciencia. La película te pone en una situación en la que no hay escape de situaciones sumamente jodidas. Estás sumido en el problema y no hay nadie que te escucha aunque grités hasta romperte la garganta en medio de la nada. Estos sufrimientos no son para nada especiales. Que se tiene que pasar solo, sí y nadie más que uno. ¿Que si te puedo acompañar?, No esto lo tengo que atravesarlo y solo estarás conmigo si tu recuerdo es lo suficientemente fuerte como para encontrar consuelo.

Pero no solamente la mano puede quedar amputada, también puede ser la pierna, el corazón, o algun otro órgano importante. La agonía tarda horas, meses o años. Y lo que intenta Ralston de entretenerse, hacer un show con su cámara y poner al mal tiempo buena cara sirve como paliativo que al momento se olvida. No hay escapatoria. Y son cosas que suceden; la vida es juguetona en ese sentido. No hay explicación, es una etapa que en el mejor de los casos se madura en vez de maldecir a todos. Como dice Ralston en el momento más crítico: "No debo perder la razón". La mayoría huye pero cuando no se tiene a dónde huír; la cosa siempre, siempre se pone peor. Fue tan dura la película que cuando terminó le dí gracias a Dios.

Hereafter

Clint Eastwood lo hace de nuevo. Una película que pasó desapercibida pero que toca el tema de la muerte de una forma normal. No emite juicio y te deja en qué pensar. Personalmente creo que su visión hacia la muerte es con una sonrisa y casi un cortejo. La historia tengo que decirlo me atrapó. Sobre un psíquico que tiene comunicación con los muertos para darles mensajes a los vivos. Conoce el pasado de las personas solo con tocarles las manos para darle el toque dramático al asunto. No es como el psíquico John Edwards que solo ve a la persona y le dice todo su pasado y les dice su futuro.

Hay gente que le da miedo saber mucho del futuro o que les descubran su pasado. Se preocupan mucho por la imagen que proyectan de perfección e idealismo y que cuando otra persona se entera que no lo son los hace miserables. Nadie les ha dicho que sólo somos humanos. Saber sobre el futuro le quita -dicen- la magia a la vida además que les da mucho miedo la muerte. No estoy diciendo que me gustaría saber la fecha de mi muerte creo que es muy sabio no saber, pero con sitios de internet que le calculan la fecha de fallecimiento y con un reloj en cuenta regresiva a manera de chiste, da cierto morbo. Hay que aprovechar la vida y cada segundo ¿no? Como sea, he sabido de casos de gente que tiene la habilidad de Medium que la reniegan y la ven como una maldición. Algunos piensan que este tipo de personas faltan el respeto a su llamado. Hay mediums que se vuelven millonarios. Es como desenredar una tela de araña.

The Rite

Una de las películas sobre exorcismo que me han parecido fascinante es "El exorcismo de Emily Rose"; es la versión romántica del tema. El fracaso fue la evidencia más contundente de la constante lucha entre el bien y el mal y la existencia de ambos. El rito está basada en una experiencia real y toca el tema del exorcismo de forma somera. Pareciera que los demonios que poseen a las personas son tontos e inmaduros. Ahora bien, de las posesiones demoniacas que he visto y digo, en Youtube, o el audio de la verdadera Emily Rose, Annaelise Michel, o incluso en otras películas, The Rite se me hizo muy Hollywood. Emily Rose también, pero se apega más a los hechos. En la caricatura de Spwan hay unos mercenarios benditos que matan demonios o engendros. A veces fantaseo con ser de esos porque usan armas y toda la indumentaria.

Puro Mula

Tuve la oportunidad de verla el domingo pasado. La gente se divertía y se retorcía de la risa. Eso me alegró. La mayoría de mis amigos les encantó y cuando la vieron en la premier en el cine Lux en noviembre se la disfrutaron. Por mi parte, creo que le faltó más humor. Valoré, eso sí, la crítica social de la película a la clase media. Toda esa gente retratada en la película vive aquí en mi colonia. Tanto las puteadas de la película como las que oía que les daban a los incorregibles estos me parecieron aburridas, tediosas y muy reales. La violencia de la clase media es de las más cáusticas y eso pasa en todo el mundo. En Guatemala hacen lo imposible por desaparecerla, la vuelven más ignorante y los que huyen del canasto de cangrejos no los vuelves a ver. Por ese lado la película está muy bien lograda.

El diálogo final entre Joel y su papá me pareció una escena emblemática del cine nacional. Muchas pausas, verdad a martillazo en la cara. Me recordó, salvando las distancias pero con la misma tónica El Padrino cuando Vito le habla a Michael en el patio de su casa. Ese nivel de intimidad. Cuando Joel le pregunta a su papá si no le importaba ser una carga para él y su papá le responde que no, tuve un flashback cuando mi papá me dijo que no le importaba que fuera a estudiar a la universidad porque sabía que de todas formas sería un vago. Te rompe el corazón ese pesimismo. Al final y al menos en mi vida, le estoy demostrando que está equivocado. No deja uno de esperar que Joel, algún día encuentre su camino. Aunque la realidad por lo menos en esta colonia que habito, 2 de cada 10 se convirtieron en profesionales.

127 HOURS: AGONIA INSUFRIBLE DE GRAN FACTURA

Pocas y grandes películas alcanzan un nivel de incomodidad en el espectador donde, por dos horas, se es testigo de una historia difícil, agonizante, agotadora y lacerante como 127 horas que, dicho sea de paso, está basada en una historia real.

Aaron Ralston es un alpinista cuyo espíritu aventurero lo lleva a los desiertos de Utah y en un resbalón nuestro protagonista cae al fondo de una grieta junto con una gran piedra que le deja atrapado el antebrazo. Es así que un título como 127 horas nos provoca hacer cuentas con las dos manos para que luego de 20 minutos de duraciòn, nos enfrentemos a un drama que hace pleitesía a la sobrevivencia. Y sí, para los despistados, 127 horas es lo que se tardó en salir.

Encontramos en nuestros créditos, y como otro tipo de incomodidad, el nombre del director Danny Boyle que, en la propia voz de este autor, ha tenido una carrera para otro tipo de gustos, digamos, poco convencionales y en la última década, poco convincentes. Con Boyle podemos regocijarnos de aciertos mayúsculos, como Shallowgrave, Trainspotting, A Life Less Ordinary, y 28 Days Later, además de descalabros aparatosos como The Beach y Slumdog Millionare que si bien fueron aplaudidas y premiadas seguimos sosteniendo que nadie se sienta a ver éstas últimas en su sano juicio.

Si bien su carrera se maneja al filo de la navaya, Boyle retoma con autoridad ese cine intrépido, arriesgado y cautivador que nos atrapó en la década del 90 y 127 horas es un trabajo sólido que reafirma al gran director del que se seguirá esperando mucho y exigiéndo más. Conviene por parte de las nuevas generaciones revisar el inicio de su carrera pues ahí donde yace el verdadero corazón e integridad de Danny.

No te rindas

Seguimos a Aaron intepretado por un James Franco. Admirable es para cualquier actor cargarse una película a los hombros y que importe la historia que nos cuenta. Franco ha sido famoso por su personaje de Harry Osborn en la trilogìa de Spiderman, las comedias Knocked Up, Pineapple Express y su rol dramático en Milk.

A diferencia de Tom Hanks en The Castaway y con la ventaja de tener a una pelota llamada Wilson como acompañante en el caso de Franco, Ralston en sus 127 horas, debe lidiar con las visiones esquizofrénicas de salvamento, gritos de desesperación, ayuda con su equipo de sobreviviencia además del agotamiento de recursos y la muerte. Como ya conocemos la historia, en la vida real Ralston acaba por amputarse el brazo y está demás decir que la escena de la amputación es para enamorados del cine gore. La experiencia James Franco en 127 horas conmueve y entretiene. Franco transmite con mucha naturalidad y espontaneidad el espíritu de celebración por la vida, a pesar del horrible momento por el que atraviesa el personaje y cuya visión, comparte Boyle ya que si volteamos la mirada cada obra es una celebración a la vida a pesar de las tribulaciones.

127 horas es el retrato cinematográfico muy a lo Relato de un náufrago de García Márquez. Tiene momentos de mucha intensidad con inquietante ironía y risa nerviosa que son interminables. La narración de la película nos nos lleva al pasado, al presente y a futuros posibles con alucinantes escenas que gracias a la técnica cinematográfica y huella digital de su director, somos capaces de explorar mientras nos deja sin respiro. Muy recomendable. Si vamos a estrellas le pondría 4 de 5.

THE FIGHTER: CONTRA TODO Y TODOS

Ganándole la carrera a la ceremonia de los Oscar y a los cines de Guatemala que se tardarán muchísimo antes que les de la gana enseñar las películas, la piratería, gran fuente de cultura, continuará siendo ese acicate vital para los que gustan del cine. Pero entremos en materia. Según una revista de deportes Sport Illustrated que tiene un gran prestigio en EEUU, cataloga a The Fighter como la mejor película sobre deportes de la década. Creo es un poco exagerada la observación.

Una película de deportes tiene por obligación, transmitir la pasión por un deporte. Por otro, tenemos que ser testigos de la lucha personal del protagonista. Para que inspire tiene que haber un escenario complicado. Si tiene humor, es mejor pero regularmente es una lucha trágica con un final, sí, predecible. La mayoría de grandes historias deportivas son tomadas de la vida real y, después son ficcionadas. Y, entre más reales sean las coreografías deportivas, mucho mejor.

Eres mi héroe

Este drama sobre una familia numerosa y dirigida con puño de hierro por la madre, nos presenta a dos hermanastros. El mayor fue una antigua leyenda del boxeo al ser el único que pudo botar en su momento al gran campeón de peso Welter Sugar Ray Leonard; Sugar Ray ganó por decisión unánime pero esa pelea convirtió a Eklund en "The Pride of Lowell". Dicky Eklund, es interpretado impecablemente por un cadavérico Christian Bale.

Ya casi con 31 años y haciéndose un nombre en el deporte del boxeo viene "Irish" Micky Ward interpretado por Mark Wahlberg. A Micky lo maneja su madre Alicia Ward (Melissa Leo). Micky conoce a Charlene (Michelle Adams) y es ahí donde empieza una lucha de poderes "feministas".

Mientras tanto HBO hace un documental a Dicky quien dice que el trabajo fílmico será regreso a su carrera boxística, aunque después conocemos el motivo principal de la filmación. A Micky le consiguen una pelea en Las Vegas y en el último momento, su rival cancela y es emparejado con otro de mayor complexión y peso, y tienen que pelear por dinero. Micky sufre una paliza. Toda la familia se culpa entre ellos y como buenos montoneros culpan a Charlene. Es ahí cuando Micky decide tomar las riendas de su carrera y recibe una oferta para entrenar en Las Vegas con todo pagado. Dicky al conocer la oferta intenta conseguirle lo mismo: un gimnasio profesional y más dinero pero se ve envuelto en problema con la policía y prostitución, y cae preso. Micky por defenderlo acaba con la mano quebrada.

El gran Bale

Sin duda el personaje de la película es el papel de Christian Bale. El perdedor que busca una oportunidad de redimirse y de una vez por todas hacer las cosas bien. Bale tuvo que bajar 30 libras para el papel cosa que a la academia le encanta este tipo de cambios (No así tan dramático como el maquinista donde llegó a pesar 90 libras). La actuación de Bale es tal que de pronto te olvidás que es él.

Tanto Melissa Leo como Michelle Adams enfrentan ese duelo entre mujeres en la búsqueda de lo mejor para Micky y ambas tienen sus momentos de intensidad. Con Wahlberg, bueno, es difícil verlo como alguien más que él mismo, sin embargo es un personaje que lentamente nos conquista.

¿La mejor de boxeo?

Creo que exageran. El drama es real sí, y vemos a lo largo de la película el viaje de Ward de tener que luchar contra todas las personas que "le quieren ver ganador". El boxeo es como un segundo plano, acaso una excusa.

Las coreografías de las peleas quedan un tanto desbalanceados unas funcionan otras, bueno... Es difícil emocionarse con estas peleas si ya se tiene dentro del acerbo cultural a las sangrientas palizas de Raging Bull, Cindirella Man, o Ali.

The Fighter es un drama, entretenido y doloroso, por momentos agotador y extenuante pero te mantiene a la expectativa. Su ritmo no es aburrido y te preocupan los personajes. Realmente queremos que la familia y en especial Micky junto con Dicky sean otra vez los reyes del boxeo. Emocionante relato.

Dirigida por David O'Russell
Escrita por Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson.

EL DISCURSO DEL REY: CINE PRECIOSISTA

Muy poco o casi nada se le puede criticar a The King's Speech. Talvez se le podría echar en cara su brillante técnica de edición y fotografía, sus melifluas actuaciones; aruña, con estilo, la perfección. Si se quiere despreciar una película por el simple hecho de ser una historia sobre la monarquía pues el cinéfilo tiene todo el derecho de destruir con placer este bodrio de gran factura aunque si se atreve a verla, quedará como un vil zopenco, torpe o bruto espectador, es decir como la masa. Dejemos a un lado su embriagante oscarización.

La historia es simple: El Rey George V le pide a su hijo, el Duque de York que pronuncie el discurso de cierre de la exhibición imperial de Wembley en Londres. Alberto Federico Arturo Jorge es tartamudo y como es de esperarse falla enfrente de toda la nación. Su esposa, Isabel Bowles, ha intentado por todos los medios y visto a todos los especialistas para que "Bertie" supere este trastorno. Bertie se frustra porque nada ha funcionado.

Es entonces cuando contratan los servicios del actor Lionel Logue gracias a una referencia de la presidenta de la Sociedad de Fonoaudiólogos. Juntos empiezan por una rutina y muchos ejercicios para que El Duque de York, pueda hablar en público, por fin.

Si algo conquista de The King's Speech, son las actuaciones de Colin Firth quien interpreta al Duque y con el tiempo Jorge VI; Helena Bonham Carter como Elizabeth Bowes-Lyon y Geoffrey Rush como Lionel Logue. Los actores abordan con un garbo irresistible a sus personajes siempre con ese humor inglés seco y sarcástico, y por momentos un poco salvaje. La química entre los tres personajes es un deleite.

Yo tengo una voz

La interpretación de Colin Firth logra transmitir esa empatía con el espectador y sufrimos junto con el personaje lo agobiante que pueden ser las interrupciones involuntarias del habla y la tensión de la cara. En Jorge VI podemos ver esa debilidad del rey humano que según su padre, Bertie será el mejor monarca de Inglaterra gracias a su fuerte espíritu, coraje y desición para enfrentar las situaciones, además de su amor por la corona, la tradición, la política. La línea de desarrollo del personaje de Firth se diluye entre su defecto, autoestima, el nombramiento de ser rey y el inicio de la segunda guerra mundial. La actuación Geoffrey Rush es parecida a la de un director de sinfónica que hace lo imposible para que Bertie se convierta en el gran Rey que es.

Todo este ensamble funciona gracias al guión adaptado de David Siedler y la dirección de Tom Hooper quien tiene entre sus créditos la miniserie de John Adams protagonizada por Paul Giammatti y producida por Tom Hanks.

The King's Speech es un deleite visual y una cátedra de cine que merece la pena disfrutarse. Si se ha ganado todos los premios habidos y por haber es por su redondo resultado. Y es solo hasta que empiezan los créditos del final cuando nos damos cuenta que fuimos parte de un cine edificante. Altamente recomendable.

THE SOCIAL NETWORK: SENSIBILIDAD DE NINTENDO CON 16 BITS

El soundtrack de la película La Red Social hecho por Trent Reznor y Atticus Ross es una compilación de temas atmosféricos que logran transmitir la humanidad del genio Zuckerberg. Y es que Reznor refuerza que los soundtracks también es lo suyo. Ya había sido productor de discos de películas como Natural Born Killers y Lost Highway. Aunque estos trabajos era más enfocados en la recopilación de canciones que se acoplaban al mensaje cinematográfico, es ahora que, con The Social Network, se comprueba que el genio del hombre (acompañado con Atticus) sigue intacto.

Y es que dos años de giras con Nine Inch Nails y luego con How To Destroy Angels lo habían agotado. Su reciente casamiento con la cantante filipina Mariqueen Maanding y dos años de gira, Trent estaba listo para un descanso. Mientras tanto Fincher estaba a punto de terminar La Red Social y llamó a Reznor para que le hiciera la música pero Trent le dijo que no se sentía como él. (El tipo quería disfrutar de su casamiento). Al poco tiempo Reznor lo llamó y le dijo que le avisara de otro proyecto. Fincher lo llamó de nuevo para enseñarle los primeros cortes de la película. Junto con Atticus se sentaron en el estudio y al poco tiempo le dieron un disco a Fincher con 18 canciones. A Fincher le pareció fantástico. Otro corte, sin terminar ya con la música le fue mostrado a Reznor y a Atticus; ambos quedaron asombrados de la fuerza que tomó la película con la música.

A Fincher le faltaba una secuencia para terminar la película. Era la secuencia de remo en el Henley Royal Regatta y justo cuando estaba dispuesto a descansar Fincher le sugirió hacer un cover de In The Hall Of The Mountain King compuesta por Edvard Hagerup Grieg en 1876. Esa fue la canción que más se tardaron en arreglar; casi un mes.

El soundtrack tiene una combinación entre industrial y de juego de nintendo la cual asombra y que empuja al espectador a meterse en las secuencias de la película. El producto final para Reznor fue un cortometraje con una profunda oscuridad. Hay un juego entre la densa narración de Fincher que por momentos nos olvidamos de la música y de pronto hay espacios donde la música resurge para darnos más información o un respiro.

El soundtrack no es extraño que gane más premios y es que si se oye de principio a fin nos invita a entrar a otra dimensión que no necesariamente es la película. Uno de los plus del soundtrack es que si jugaste atari o nintendo hay un suspiro profundo por aquella época de juegos simples y música análoga. The Social Network sigue dando de qué hablar y este soundtrack es majestouso.

No es de extrañarse que Reznor siga haciendo este tipo de discos, de hecho, Fincher le dijo que necesita su genialidad para la siguiente película de Fincher que saldrá a finales del 2011, el refrito americano de Los hombres que no amaban a las mujeres y por lo que parece... un disco de NIN podría aparecer para el 2012 y si es cierto que el fin del mundo se acaba el otro año que mejor que terminar esta existencia con una canción de NIN. Pero bueno espero ansioso el otro soundtrack y claro, la película de Fincher. Disfruten de estas canciones. las primeras cuatro salen en la película la última es una joyita que encontré y me encantó.

HEAT: A 15 AÑOS DEL INMORTAL DRAMA POLICIAL

Neil (Robert De Niro) entra al banco con mirada curiosa. De fondo un ritmo de dos tiempos por segundo que elevan la tensión. Michael Mann, director, nos muestra los pasos de Neil un ladrón profesional. Sabemos que se trama algo porque tiene un audífono puesto.

Close up a los ojos. Neil revisa, sereno, es otra caminata rutinaria. Chris Shirheldis (Kilmer) aparece viendo al suelo. Neil entra al lobby del banco. Mann hace el recorrido de toda la sala. Chris inspecciona. Todo bien. Michael (Slick) Cheritto (Tom Sizemore), se pone en posición; espera la señal. Ve al policía detrás de él y sonríe a un cuentahabiente, el muy descarado. Neil se pone la máscara, Cheritto, lo mismo. Shirheldis pone su portafolio en una mesa y rompe al primer policía. Cheritto se deshace del suyo. Neil desenfunda su ametraladora y dicta ordenes. El griterío de la gente empieza. Amarran a los policías. Con el banco bajo control, Neil advierte: "No queremos herir a nadie, su ahorros están protegidos por el gobierno no van a perder ni un céntimo. Piensen en sus familias. No se arriesguen". El primer "gallito", el gerente del banco -¿quién no le quiere romper la cara a uno de estos figurines?- sufre la desobediencia por parte de McCauley al negarse a darle la llave de la bóveda. "Siéntate y dejalo sangrar" ordena. Chris entra a la bóveda, saca un bolsón y se apodera de un fardo de dinero, rompe la bolsa de plástico para que el dinero se disperse. Neil tiene su botín. Y sale. Le da una bolsa a Cheritto. En el cuartel policial un pobre oficial entra a la oficina de robos y narcóticos y avisa al todos los que llevan el caso de McCauley que un asalto se lleva a cabo. Cheritto se saca la máscara y se peina sale del banco. En el auto y punto de llegar, los policías avisan de la localización de los asaltantes y como va el robo. Cheritto entra al auto y se ríe. Celebra tocando la espalda de Don Breedan, (Dennis Haysbert). Luego sale Neil. Ya están saliendo. Hanna ordena precauciones. Se estaciona y se aproxima con su ametralladora. Todos los policías toman sus posiciones. Neil entra al auto. Chris es el último en llegar. Ve a los policías y desenfunda. Asi empieza la ruidosa y emocionante secuencia de acción policial más impactante jamás filmada.

Gracias al brillante guión escrito por Michael Mann la película es un enorme panorama humano sobre dos bandos, tanto el bueno como el malo cuyo deseo es sobrevivir la vida. Por un lado tenemos a Vincent Hanna (Al Pacino en su feroz versión) cuyo tercer matrimonio se diluye en el inodoro gracias a una vida dedicada a perseguir bandas delincuenciales. Tiene una familia con Justine Hanna (Diane Venora) y su hijastra Lauren (Natalie Portman). Hanna empieza la cacería de Neil luego de un asalto a un camión blindado. Le fascina la planeación y lo minucioso del robo. Le emociona el reto de atraparlo. Por el otro lado, Neil es un ladrón profesional, cuyo equipo se deshace emocionalmente pero son unos profesionales en lo que hacen.

"I'm proud of you"

Mann nos muestra cada uno de los retratos de cada personaje. Es tal su logro que con un par de líneas ya sabemos la vida que cada uno tuvo que escoger. El caso más conmovedor sin duda es el Breedan, un delincuente de color que con tal de renunciar a su pasado y rehacer su vida con su novia obtiene un empleo como cocinero, luego de serlo en la prisión, y el jefe del restaurante le ordena que limpie los baños y saque la basura. Al hacer todo esto, su novia le dice: "Estoy orgulloso se tí". Breedan ríe y con ojos a punto de lágrimas le pregunta "¿Por qué estás orgulloso de mí?". "Vámonos a casa", le contesta ella. Una escena que dice millones de cosas y te rompe como espectador.

El encuentro entre Hanna y McCauley en un restaurante es un hito en el cine. Solo la escena entre Pacino y Brando en el Padrino I tiene tal impacto emocional. Ésta, en Heat, podría ser la segunda. Ninguno de los dos se deja intimidar. Si por un momento despertamos y nos damos cuenta que son actores (los mejores actores de su generación), ambos son simplemente duros y magistrales. Vamos otra vez a los diálogos en dos o tres líneas. Se sabe de dónde viene cada uno; su ética, su visión de la vida, su filosofía. Hanna justifica sus acciones con una sonrisa al final. Neil aunque evasivo cierra sus oraciones con una mirada de 9 milímetros. "No te encariñes de algo que no puedas abandonar en 30 segundos si sientes a la poli cerca. Si estás encima de mi y te tienes que mover cuando yo me muevo, - Y lanza el comentario venenoso como para desbaratar la profesión de gendarme- ¿Quién puede conservar un matrimonio así?". Interesante observación -responde Hanna y luego desvaloriza el juicio-, ¿Qué eres un monje". El juego de ping pong entre ambos es una lección de actuación. Ambos se escuchan, se retan se ningunean , se odian. Simplemente genial. Los dos se sonríen a labios fruncidos, sin mostrar dientes. Se admiran. Es para hacer un ensayo.

Dramas familiares

Tanto policías como la banda tienen sus vidas fuera de sus profesiones. Celebran van a comer en familia, se compran regalos, etc. Todos se conocen. Es para llevárselos a todos al Club La Montaña y luego a jugar a policías y bandidos. Todos los personajes son entrañables, sufrimos con ellos, nos invitan a sus casas, los conocemos y simpatizamos con sus causas. Incluso Waingro (Kevin Gage) y Roger Van Zant (William Fitchner) son de los personajes más detestables junto con Hugh Benny (Heny Rollins) nos atraen como fuerzas que no están al alcance de nuestras manos y rompen con la rivalidad entre Hanna y McCauley. La suerte de Trejo también afecta y duele, al igual que el gesto de la novia de Breedan cuando se entera del final de su novio que un par de noches atrás le dijo que estaba orgulloso de él, o incluso el abrazo de consuelo de Hanna a la madre de la niña prostituta que Waingro le rompe la cabeza a puñetazos, o el gesto de abandono de Eady (Anne Brenneman) cuando Neil se va. Y qué decir de la actuación implosiva de Jon Voigth, parco, puntual; práctico. En suma la película afecta emocionalmente y se queda rondando en la cabeza por 15 años y se quedará por mucho tiempo. Dosis de adrenalina con dolor medular.

Michael Mann venía de series ochenteras como Miami Vice y la precuela Dragón Rojo del Silencio de los Inocentes. Filmó El último de los Mohicanos pero fue HEAT la que lo ubicó entre los realizadores y directores más importantes del urbe. El informante, otra joya, lo encumbraría. Después llegó Alí.

A 15 años de HEAT la seguímos viendo, impávidos, al borde del asiento esperando una resolución alterna, maravillándonos por las actuaciones y celebramos el cine de acción y el drama humano.

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LOS BASTARDOS DE TARANTINO

Siempre pasa lo mismo con las películas de Tarantino aquí en Guatemala. Vienen igual de tarde que el desarrollo, la educación, la salud, etc. Por lo menos al cine llega, lo otro, bueno... Los Bastardos sin Gloria se estrenó el fin de semana pasado. Tengo que decir que tenía mis expectativas acerca de la película, unas se me vinieron al suelo pero surgieron otras que me gustaron. Deshuesémosla.

Los Inglourious Basterds está basada en una película italiana llamada Aquel maldito tren blindado (1978) de Enzo G. Casteralli que al traducirla para aquel público, en aquel tiempo, fue Inglorius Bastards y de allí parte la inspiración de Quentin para hacer su versión, aunque con la pequeña modificación vocal de Bastards a Basterds para diferenciar.

Si se es un apreciador de Tarantino, como me considero yo, ver sus anteriores películas que son un plagio de otras solo que optimizadas, siempre resulta un deleite ver Perros de Reserva. Disfrute mucho Pulp Fiction, Jackie Brown y Kill Bill I y II en especial la segunda parte. Te atraen los diálogos, el humor, la bestialidad de las escenas y empezás, sin querer, a tener cierto fetiche por la sangre.

Sin embargo creo que aquí Quentin resbaló, me dio la impresión que empieza a copiarse. Los diálogos son interminables y agotadores. (Tendré que buscar a los hermanos Coen de ahora en adelante). Y si no hemos visto sus películas anteriores seremos muy fáciles de impresionar. De pronto es un tanto aburrida esa palabrería insustancial disfrazada de tensión, pero en otras escenas es genial. La magia se va diluyendo. El único que sacó esa magia fue Mike Myers. Empiezan los créditos de Kill Bill y Pulp Fiction, y la música de Ennio Morricone; es territorio conocido ya.

La película nos introduce en aquella Francia ocupada por Alemania durante la segunda guerra mundial situándonos en una granja olvidada. De pronto el terruño es invadido por soldados nazis que llegan en sus motos para visitar al dueño. El detective Hans Landa interpretado por Christoph Waltz, el mejor personaje de la película, interroga cándidamente al humilde granjero y le ofrece una salida para salvar a su familia y así, detener el hostigamiento ya que los nazis sospechan que en esa casa hay judíos escondidos. Hasta allí todo bien. Aunque un tanto mareado por los idiomas y el diálogo, y cuyo fin de la escena llega cuando le da la gana.

El discurso del teniente Aldo Raine (Brad Pitt) para reclutar a su fuerza élite es inspirador. Raine en un tono sureño, ingenuo y perverso, exige a sus soldados el cuero cabelludo de 100 nazis. Pitt encarnó al típico gringo idiota de manera convincente. La escena cuando trata de hablar italiano arranca las mejores risas. Algo que me molestó fue no ver a esta fuerza élite de bastardos en acción tanto como quisiéramos. Me recordó a Bill. No sabemos cómo pelea hasta el final del segundo volumen y en una escena escondida en el DVD sabemos que es un verdadero h.d.p. Otra lectura interesante es el Hitler de Tarantino. Tiene la pinta de Shazam con una capa de collar. Un Adolf desquiciado, divertido y torpe.

Si nos internamos un poco más, la escena de la taberna se me hizo eterna, tensa e interesante. Supongo que todos los actores que quieren darse a conocer en una película de Tarantino, pelean por aportar con sus actuaciones la genialidad que el director exige y para esto necesitan un buen metraje que, de pronto, es extenuante. Hasta las voces de Samuel Jackson y Harvey Keitel aparecieron en un breve cameo a fuerza de calzador.

Hay que tenerle paciencia a la película porque es entretenida dentro de lo que ofrece. Depende de uno si entra al juego de Tarantino o no. Los bastardos sin gloria no es una película que responde a la historia real. Es Tarantino's story. "Es mi mejor obra" dice Pitt por Quentin al final. No lo creo pero como dije, hay que armarse de paciencia. Son 2 horas y 33 minutos. Pone en evidencia mis conflictos. Si sigo admirando a Tarantino o de plano quedaré anclado a sus películas anteriores.

MISCELÁNEA CINÉFILA 11

Si hay alguien que merece un remake es Freddy. Es uno de los personajes de terror más entrañables que hay. Olvidémonos de momias como Jason Vorhees, Mike Myers o el cine despiadado de la saga Saw. Tanto empacho gore es extenuante, a veces. Y es que ver cine de terror por éstos días y tomártelo en serio... no hay. Freddy Krueger tenía que ser resucitado. Las muertes de cada joven pelmazo tienen un sabor de humor negro tan genial. Y es que Krugger para matar es un artista. No me queda la menor duda que el hombre sufre por su arte y con la gana de maravillarnos. Aplausos.

Regresa el 30 de abril del 2010 en una versión producida por cabeza de chorilito Michael Bay... aquí si, momento. Este director que cada día se convierte en el-que-no-debe-ser-nombrado, asusta con una puesta filmográfica donde da horror preguntárnos ¿qué va a hacer con el personaje?. Eligió muy bien al actor que lo interpretará Jackie Earle Haley, aquel que era Rorschach en la infame The Watchmen. Earle tiene un halo muy a lo Robert Englund (el actor que interpretó a Krueger en los 80). Sospecho que Michael Bay quedó tan enamorado e intrigado con el personaje de The Joker de Heath que todo apunta por que le va a entrar por ahí. Las esperanzas que inspira son pocas viniendo de la destrucción total de la franquicia de The Transformers y con Pesadilla en Elm Street producida por el-que-no-debe-ser-nombrado este director, ahora productor, me produce tanto pánico sus créditos como si fueran a sacar una tercera parte de los armatostes de Cibertrón. Oh Dios. Persignénomos.



Avatar

Lo que en su momento fue una revelación con The Abyss, James Cameron vuelve con Avatar, que por el trailer de la película promete ser episodio III de Star Wars, con Apocalypto en el 2600 D.G (después de google). No me llama para nada la atención, aunque sí, me despierta serios conflictos ver el trailer. Y es que Cameron ya tiene tiempo de no hacer una buena película. Los Terminator, bueno... y es que el cine de ciencia ficción de Cameron es la perfección del fatuo o sea la necedad en cine. Si vamos a ciencia ficción prefiero Blade Runner y allí sí, reverencia a Ridley Scott. En cuanto a Avatar... mis reservas se aclararán el próximo 18 de diciembre o si no para navidad. Pero desconfio tanto de Avatar como si me dijeran que me van a presentar a la mujer perfecta.



Inglorious Basterds

Va a costar que venga esta película a Guatemala. Recordemos todos Kill Bill Volumen 2. Vino un año después. La ví en DVD original. No me extrañaría si la encuentro en Blockbuster.



This is it

Michael Jackson nos deja el sueño de lo que no pudo ser: el espectáculo más grande del planeta. Creo que como mortales no estábamos preparados para este concierto. Demasiada envidia mediática, paparazzi endiablados, revistas del corazón mostrando la estupidez del "periodismo", en fin creo que nos libramos de mucho. Suficiente con el funeral. Este Behind The Scenes, sirve como un documento de lo que era Jacko. Un perfeccionista. Trabajar para él supone tener mucho talento o mucha paciencia para entenderlo. Me encanta la línea "No estás sonando como debieras y te lo digo con mucho amor, debes darle más ritmo". Y con la vocecita de Jackson o lo hacés o lo hacés. Orianthi Panagaris, la guitarrista de la banda, es soberbia le salió el solo de Beat it hecho por Eddie Van Halen. Michael estaba muy entero para morirse de un día para otro. Se entendía que no bailaba con ganas para así, guardarse en el momento del concierto. Creo que su figura seguirá rondando por una o dos generaciones. This is it nos obliga a revisar sus conciertos en vivo. Spoiler: olvídense del moonwalk... no lo hace. Pinche Jacko.

Ironman 2

La segunda parte ya está lista y saldrá el 7 de mayo del 2010. Aquí el trailer de contrabando.



Sherlock Holmes

También con Robert Downey Jr, saldrá el 25 de diciembre próximo.

TIEMPO DE VALIENTES UNA GAUCHO WESTERN

Lástima que éstas películas no viene con tanta inmiediatez así como las de Hollywood. Tiene que caer un festival cuya iniciativa sea el puro placer de hacernos disfrutar el rito de sentarnos en la butaca y admirar una gran película. La semana del cine argentino trajo una sorpresa recomendable entre su catálogo. Una buddy movie con sabor a western policiaco, cómica y con sus dosis de acción. Las buddy movies son consideradas como un género menor porque es un género que vive dentro de uno o más, es decir, tiene personajes característicos y temáticas que se encuentran por lo regular dentro de distintos géneros: acción, aventura y comedia. Casi siempre son personajes opuestos que tienen una misión que cumplir. Depende del gusto del director si estos personajes trabajan en comunión o a fuerza y en el camino se dan cuenta que son el uno para el otro. Tiempo de valientes cumple con eso y lo hace con un resultado redondo.

Los personajes: un psicólogo, Mariano Silverstein que bajo probatoria debe de cumplir horas de servicio a cambio de no ir a un juicio y Alfredo Díaz, un policía cuya vida matromonial acaba de ser pulverizada por la desgraciada de su ex mujer. El policía con un semblante hecho añicos le es asignado un caso junto con un psicólogo para tenerlo ocupado mentalmente con terapia y trabajo. La película gira en torno al asesinato de dos personas por una célula terrorista y un complot. El psicólogo y el policía se enredan dentro de situaciones absurdas, cómicas y ridículas que nos mantienen en total preocupación bajo una atmósfera de miedo incertidumbre y risa en demasía. Se nota que los personajes no son cómicos y que se mueven por la pura chispa del argentino, aquí su genialidad, es decir, no son chistositos o personajes pendejos, sino que son dos personas en una situación difícil que tienen que ver cómo salen del aprieto. Muy recomendable. La música podría haber sido arreglada por Ennio Morricone el que escribió The good, the bad and the ugly, pero es puro delirio mío. En Magic Place el miércoles 9 a las 19:00 hrs.

Tiempo de valientes
AÑO: 2005
DURACIÓN: 110 min.
DIRECTOR: Damián Szifrón
REPARTO: Diego Peretti, Luis Luque, Oscar Ferreiro, Gabriela Izcovich,

Trailer



Podés ver toda la película aquí

PLAYLIST MUERE LA MUSICA DEL BLOG

Se nos fue y ya no más. Todos los sitios de música están cerrando las puertas a la información de canciones y videos. Habrá que buscar ahora quién de este servicio porque Playlist ya no lo da. Me imagino que van a comprar catálogos, pero va a pasar mucho tiempo antes que podamos incluir nuevamente el servicio en nuestras páginas personales.

No más testimoniales de canciones o música dedicada. Nos queda www.goear.com pero pronto será atacado Playlist propone que incluyamos los videos pero no es lo mismo.

Así es la vida con esto de los derechos de autor. Ni modo. También tienen mucha razón los músicos. Hay que ganarse la vida. No todo es regalado.

MILK Ya la quitaron no dejaron que pasara más de dos semanas. La película basada en hechos reales, es la historia del activista homosexual Harvey Milk, que fuera asesinado por el consejal Dan White y qué además de Milk asesinó al alcalde de San Francisco. Excelente drama, con gran narración y actuaciones. A veces se olvidaba que era Sean Penn y James Franco. Un poco detestable el personaje de Diego Luna y como diría don Sergei Ramírez, insustancial y sin gracia, pero ni modo.

The Hangover Todas las películas de despedidas de soltero o viajes a lugares del "pecado" son casi iguales, depende mucho de la suerte que uno pueda tener lo que las haga disfrutables o un churro de película. En este caso The Hangover habla de la buena suerte que se tiene en casos como estos en donde el humor debe predominar en situaciones extremas. Aunque las temáticas son predecibles y de final feliz esta película cumple con lo que promete.Divertida y entretenida. También los adultos de pasados los 30 años podemos ser unos idiotas con mucha honra.

AL FIN LA VI: THE WRESTLER

Esperaba que llegara a los cines pero de plano, no va a venir. Randy "The Ram" Robinson es un luchador que tuvo sus días de gloria en los 80´s. Dejó a su familia por convertirse en un exitoso luchador. Allí en el cuadrilátero es único, el más fuerte, el gigante, el súperhéroe... un personaje inmortal y más grande que la vida misma. En la vida real, imperfecto, un olvidado de la sociedad, con terribles deudas, un pobre diablo que intenta de alguna manera hacer las cosas bien y emular lo que es en un cuadrilátero. Un héroe.

Seguimos a través del lente de Darren Aronofsky a un búfalo, un Mickey Rourke que encarna a The Ram. Rourke lo interpreta como un enorme mastodonte con respiración de moribundo que sangra a cada paso y que no se rinde aunque tenga los días contados. Pero cuando llega la hora de abrir las cortinas se convierte en "The Ram" un tren a 1000 por hora. La película es un bello poema a la vida, a lo que somos, a lo que no podemos renunciar y a lo que nos hemos convertido sin reprocharnos, sin tirarnos limones por el espejo.

Randy intenta ser normal pero luego de una terrible operación de corazón abierto, los años, la fuerte profesión, las drogas el sexo y rock 'n' roll, lo inevitable sucede y colapsa. Le prohiben volver a luchar y eso lo destruye. El ver a otros luchadores acabados en una exposición de personajes clásicos le toma como gancho al hígado e intentará el resto de la pelicula no convertirse en uno de ellos. En medio de todo intenta retomar la normalidad enamorándose de una desnudista (Pam), interpretada por Marisa Tomei y retomar el contacto con su hija. Éstas escenas son las que más pegan.

La actuación de Rourke es como una punzada que deja en agonía; tan conmovedora como ver aun toro cuando cae después de la estocada final. Nos deja al descubierto lo áspero del diamante y somos nosotros que de alguna manera y al ver el resto de la película, contemplamos lo brillante del personaje. Estupenda.

No te asustés si de pronto sentís la necesidad de tomar aire y dejar la película en pausa. A mi me pasó tres veces.

WATCHMEN: LA FATAL PELÍCULA DE MIS COMPADRES

Es de quedarse con la boca abierta y parpadeando dos veces en señal de admiración y confusión por esta película. No voy a hablar de la novela cómic porque no la leído, por un lado, y por el otro estamos hablando de cine. Empecemos. El despliegue monumental de efectos especiales dentro de una trama confusa y que no acaba de despegar sino hasta dos horas después, acaba por aburrir. La película prometía en los primeros 40 minutos. La secuencia de los créditos seduce con la canción de Bob Dylan The Times They Are A-changin'. Después empieza la intriga con el asesinato del súper héroe "The Comedian" donde Rorschach descubre una conspiración en contra de la primera promoción de Watchmen muy a lo de la caricatura "The Incredibles" para mejor referencia.

Resulta que estos mis compadres "vigilantes" en su primera promoción, han sido vetados por errores cometidos a la humanidad y por lo tanto se les prohiben trabajar a todos los súper héroes debido a una ley promulgada por el presidente Richard Nixon, quien ya lleva su cuarto período en el poder. Por cierto, un maquillaje fatal, parece Pinocho.

Catalogada por el marketing como "la película del 2009" levanta cualquier sospecha en un cinéfilo o visitador de cine común.

Mientras recorremos la película descubrimos que los personajes sufren de baja autoestima, conformismo y son carentes de luchar por sus derechos como súper héroes. Éstos Watchmen victimizados no intentan despertar nuestra empatía y sus poderes, por mucho no inquietan ni acaban de convencer. El caso de Lauri Jupiter que solo golpea y destroza con un espandex soñado para una escena de sexo como una que se me ocurrió en mi cabeza. El otro Nite Owl cuya gracia es fuerza poderosa y tener unos lentes para ver en la noche ¿Y?. Por otro lado el Dr Manhattan que, igual que Hulk, obtiene sus superpoderes por accidente científico y en ningún momento los demuestra espectacularmente como debería. El mejor desarrollado y escrito es Rorschach, un cuate a lo Sherlock Holmes y misántropo (muy a lo Dr. House) cuyas manchas creadas en su máscara son su única reacción. Si sos un piscólogo o estudiaste psicología lo entendés perfectamente. Empezamos escuchando su historia con un tono de vos inquietante pero de pronto es cortada y nos desencanta.

Watchmen es una película para fanáticos y solo fanáticos. Para un simple espectador la historia no conmueve, es demasiado fría, un craso error de dirección y de los guionistas complacer a este minúsculo grupo y otro más aún, el no incluir a la audiencia en su instrucción. Es difícil convencer con personajes de valor fracturado, que sufren como protagonistas de novela de las 5 de la tarde; nos da lo mismo sin viven o mueren. Dr. Manhattan que es el más poderoso falla totalmente en transmitir esa divinidad adquirida, parece un Oscar gigante con genitales. El de Nite Owl es tan torpe que acaba siendo un superhéroe tonto, desechable y poco atrayente, parece un tipo que maneja una fotocopiadora. (Peter Parker tiene la misma personalidad, retraído, saca joroba, tímido pero cuando sabe que es Spiderman hasta Parker mejora como persona).

De la película rescato la música y las escenas de acción porque la resolución para alcanzar a la paz es totalmente fuera de lugar. Se cae en un tedioso y largo final donde no es precisamente exhaltación del superhéroe como tal sino decir que la culpa la tienen los humanos porque no nos dejan trabajar. No profesa el término de sacrificio del superhéroe que grita a los cuatro vientos como Batman, Spiderman o Ironman, donde prevalece la verdad para defender la justicia y la humanidad. Watchmen es todo lo contrario. Solo puedo concluir que fue necedad que junto a un desinterés total sin un ápice de pasión, llevar una película que merecía mejor justicia y otro director. Quitémosle los efectos especiales y nos queda una cosa tan desabrida como Daredevil.

SLUMDOG MILLIONAIRE: ¿NOS DEBE DE GUSTAR?

El triunfo del desvalido es algo que nos gusta a todos. Nos da esperanza al resto de los mortales, somos capaces de ganar todas las batallas, salimos en caballo blanco (porque antes solo recogíamos el excremento), y nos ganamos el corazón de la mujer de nuestros sueños, enfrente de sus casi 1,200 millones de indios.

Slumdog... retrata con crudeza el vivir en los barrios miserables de Mumbai, la violencia incesante, la explotación de niños y demás enfermedades muy de las sociedades enfermas, como la nuestra, en donde la lucha por lo correcto y lo bueno es una total estupidez.

Éste tratado fílmico, así le dicen, toca un nervio popular en ese sentimiento tan aspiracional como es el de convertirse en un millonario y lograr todos tus sueños. Es lo que le pasa a Jamal, un chico de la calle que se hace seleccionar para la versión del programa ¿Who wants to be a millionare? en su versión India. Es entonces que se desarrolla otro paralelo cuando es capturado por la policía y es torturado ya que lo consideran una farsa por saber las respuestas. Por coincidencia las conoce, no por saberlas, sino porque durante su vida ha estado en contacto con esa sabiduría de la calles y las puede responder. Mucha coincidencia y suerte de pronto no hace creíble el resultado final, pero qué importa porque es una fantasía y ya. La historia es soñadora está escrita por Vickas Swarup basada en su novela. Poníendola de una forma que se entienda mejor es una carta de amor a la India. La historia pareciera que está atorada entre una telenovela de las 8 y, una película para televisión que es para cine porque está repleta de clichés. Esto no es prometedor pero ante tal bulla y mercadotecnia nos dejamos llevar.

La Dirección de Danny Boyle aporta otra más de lo mismo: terminar con un nuevo comienzo y bailar de la alegría al final. Con el título ya sabemos que nos dan lo que nos venden. La resolución es muy importante para él, así como escoger la vida, una carrera, un trabajo una esposa y convertirnos a todos en seres equilibrados dentro de un caos impregnado en nuestras venas. Buena vibra que le dicen. La esperanza tiene precio si la comprás y luchás por ella.

Podemos discutir este idilio entre Hollywood y Bollywood a manera de tratado de más películas. Es muy claro que habrán más colaboraciones entre estos gigantes de la industria y muy pronto. El futuro inicia con Slumdog Millionaire.

Lo rescatable de la película son sus actuaciones. Todos lo manejan de forma creíble, incluso los niños, que son el alma a lo largo de la película, nos causan un gran apego; sufrimos por ellos. Es por empatía que queremos que triunfen y que se sientan realizados. Podemos dejar el aliento de la envidia en los vidrios de las ventas del centro comercial con tal de disfrutar plenamente ésta película.

Ahora bien, todos estos juegos o clichés dentro de la película los hemos visto en películas como Ciudad de Dios o Quiz Show. La diferencia radica en la actitud y el humor que queramos verla porque si exigimos realismo la película es un enorme fracaso y aunque su dirección, la fotografía, la edición, la música memorable y demás aspectos técnicos, son dinámicos; no hay otra cosa más que una fantasía y ya. Un comercial o infomercial si queremos ser despectivos.

El alboroto de los Oscar hacia la película no debe causar mayor aspaviento de ir al cines ya que va a sufrir de gran indiferencia como ha pasado con otras películas, que han ganado el premio mayor de la industria y Slumdog no la merecía... tal vez The Curious Case of Bejamin Button. Su destino podría ser como el de "Crash", olvidada totalmente en la rotación de la programación de cable. Podemos pasar la vida sin ver Slumdog.

Parece extraño el rumbo del cine últimamente: La realidad se hace fantasía y la fantasía como los comics, se convierten en algo más fuerte que la realidad y lo que queremos es ver comics. Para pensarlo. En resumen diversión y punto.

Cine: Combo 2 de 3. (Segunda parte final)

Igualmente que el anterior combo, no todas fueron exitosas pero siguen inquietándonos cada vez que las vemos en la tele. En algunos casos la historia ya no daba para más y se quedaron en un par de sustos o un gran recuerdo, nada más. Revisemos

Bill and Ted's Excellent Adventure (1989) y Bogus Journey (1991)

THE MOST EXCELLENTS DUDES. Bill y Ted viajaron en el tiempo en una cabina telefónica para conseguir que las figuras más famosas de la humanidad dieran una plática como parte de su examen final de historia. Chistosa y ridícula hasta cierto punto. La primera es divertida y oprime los botones de fantasía de querer viajar por el tiempo y aprender de la historia misma para ganar la clase. Cuántos exámenes no hubiera querido ganar así, hoy sería un "gran estudiante". Cuenta con las actuaciones de Alex Winter y Keanu Reeves como Bill y Ted, y El señor comediante George Carlin como Rufus. El mote de "DUDES" se vuelve, junto con el acento de surfista tonto, en la moda de principios de los 90's. Ya para la segunda, creo, que no tuvo tanto éxito porque la gente se tomó muy en serio a este par de burros. Bogus Journey tiene sus momentos. Igual divierte. Hasta serie de caricatura hicieron.

Predator (1987) y Predator 2 (1990)

Con Arnold (Muchaletra) como el protagonista de la primera no había pierde de convertirse en un éxito rotundo. La película maneja bien el suspenso y la idea de un extraterreste desollador que en su tiempo libre colecciona cabezas de hombres; las de mujeres son muy pequeñas. Un poco halado pero no olvidemos que es un sci-fi. Ducth o el “Governator” era el alterego de Rambo y es tan hijo de puta que puede acabar con cualquier ejército centroamericano y aquí lo demuestra con creces. Al final Anna y Dutch se quedan solos mientras el extraterrestre lo busca pero Muchaletra lo atrapa y en una carcajada se autodestruye con una bomba. Ya para la segunda... Danny Glover es el "héroe". El morenazo quiere salir de la sombra de Mel Gibson y su Lethal Weapon e iniciar una franquicia por sí solo pero ya sabemos el resultado. No le llegó ni a los talones a la primera y Glover regresó con su salvador

Speed (1994) y Speed 2: Cruise Control (1997)

Salvo unos errores imperdonables de secuencias y bloopers terribles que se ven con el tiempo, Speed es chafa, pero transmitió muy bien esa tensión que nos cautivó una y otra vez. Un bus con una bomba colocada por un policía retirado que se venga con instalar bombas en edificios y camionetas para que le den su pensión. Ésta línea se convirtió en popular: Pop quiz, hotshot. There's a bomb on a bus. Once the bus goes 50 miles an hour, the bomb is armed. If it drops below 50, it blows up. What do you do? What do you do?. En la segunda... mi dios. Sin Keanu ya no la ví. Dicen que es tan mala que no vale la pena. Ví el final y me pareció malísimo. ¿Ahora con botes?. Si alguien la vio pues acepto la mentada aunque creo que no me perdí de nada.

Wayne's World (1992) Wayne's world 2 (1993)

Mike Myers llevó al celuloide su exitoso personaje de Wayne Campbell. Se llevó también a ese otro gran comediante Dana Carvey como Garth Algar. La película es ridículamente brillante y es producida por Lorne Michaels, amo y señor de la comedia de "Saturday Night Live". Los chicos de Aurora logran llevar su programa a la televisión abierta y como siempre hay un abusivo "González" de TV abierta que quiere quedarse con todo. Creo que la segunda parte la sacaron muy rápido y le faltó esa frescura de la primera pero es igual de divertida.

Young Guns (1988) Young Guns 2 (1990)

Ambas son glorias. Emilio Estévez llegó a tocar el cielo con Billy the Kid. El joven forajido William H. Bonney que asesinó a 21 personas antes de cumplir 20 años y desapareció para siempre; sigue siendo un misterio. Cuenta con los mejores actores de esa época. Lou Diamond Phillips, Kiefer Sutherland, Charlie Sheen, Dermont Mulroney, Jack Palace y Terence Stamp. The Kid nace como una víctima y se ve en la posición de convertirse en ley para hacer la justicia por su propia mano ya que los hombres de Murphy asesinaron a su benefactor, John Tunstall.
Para la segunda y estirando un poco la historia The Kid, que para ésta secuela se convierte en un producto pop, es perseguido por Pat Garrett, antiguo asesino y parte de la banda de “reguladores”. Garrett es corrompido y se convierte en alguacil para cazar a Billy y colgarlo.
Hay una actriz Jenny Wright, que tiene el papel de prostituta de alta sociedad, cuyas nalgas siguen siendo exquisitas. No supe, hasta hoy que es la actriz que sale de groopie en Pnk Floyd que chupa cada uno de los dedos de Pink, una escena muy erótica y de mis preferidas. Young Guns 2 tiene esa frase pop "I'll make you famous" que junto con su risa psicótica lo vuelven un personaje irresistible.

Créditos finales Blaze of Glory de Bon Jovi.



Pero qué nalgas.

Quantum of Solace: Una clásica de Bond

Empezando 10 minutos después de Casino Royale, James Bond se ve sumergido en una percecución trepidante. La tensión empieza demasiado rápido y no tenemos tiempo ni de saludarnos con el agente secreto. Recordemos que Quantum of Solace es la búsqueda de esa organización terrorista que traicionó a Bond manipulandolo con Vesper la mujer que le robó el corazón y 150 millones de dólares que se ganó en una partida de póker.

Esta misión ahora es más personal que nunca. Bond busca la verdad y quiere revancha. Mr White asesino de Le Chiffre, es apresado por los británicos para ser interrogado. El enigmático terrorista les confiesa que nunca van a saber hasta donde y cuánto está infiltrada su organización en todos los órganismos de inteligencia. La agencia británica descubre una cuenta bancaria de un hombre en Haití que lo liga con un cabecilla de la célula Dominic Greene. Bond conoce a Camille (Olga Kyrulenko), una hermosa agente que también busca su propia venganza y desea asesinar a un golpista que quiere retomar el poder en Bolivia haciendo un pacto con esta célula terrorista. El título Quantum of Solance es traducido como "un pequño confort" que traducido a la película es el consuelo emocional que tiene el super agente y Camille ya que ambos buscan venganza y encuentran en el otro esa unión, confianza y fuerzas para cumplir su cometido. Es una trama básica y solamente la punta del iceberg.

Quantum se desarrolla esta vez en atmósferas más profundas y ambientes políticos de actualidad. Una crónica de acción de un panorama mundial. Las escenas de acción siguen teniendo esa adrenalina que la caracteriza: cruda, real y estrepitosa. Para que sea traducida a palabras cinéfilas y básicas, es como Kill Bill 2. Sin mística claro, solo que aquí la política es la hala las cuerdas.

Vemos un cambio de actitud emocional en Bond. Hay poco humor en la película, la venganza le impone esa ceguera de bestia tras la verdad, sin embargo, vemos cómo se empieza a quitar la chaqueta de ególatra y ahora es un verdadero hijo de puta, asesino calculador, frío, sin humor y menos sarcástico. Todo lo que nos llamó la atención de la primera. ¡Lo que hace el amor de la mujer equivocada!. Como fanático del póker, Casino Royale me fascinó pero pienso que la gente que no le gusta este juego pudo aburrirse con las escenas y no la entendió; ahora me pasó lo opuesto. Es una película que me asombró pero no me cautivó. Las escenas de acción, eso sí, son soberbias. Esta no es un 9 como Casino pero es un 8. Es un Bond clásico en el siglo XXI, disfrutable por ser más cerebral y te intenta atrapar con esos tentáculos invisibles de poderes subrepticios a nivel mundial. ¿Como que ya la vimos?

La canción es interpretada por Alicia Keys y la guitarra de Jack White. Se llama Another way to die.

Película: Lars and the Real Girl

Es una sorpresa agradable toparte con una película que te reta a sentir. Urga con el dedo una herida cerrada buscando el nervio, toca el sentimiento olvidado y este arde como un pinchazo de bisturí. El suelo te abraza y no sabés si te vas a levantar o no. Lars and the Real Girl es una película que aflora tu estado emocional y te pone en evidencia si acaso, tenés esa solidaridad humana.

Lars actuado brillantemente por Ryan Goslin (The Notebook) nos salpica de una sensibilidad cáustica y nos pela el sentimiento fragil de éste chico tímido cuando empieza a desarrollar un delirio mental provocado por sentir una soledad radical. Sin embargo, su hermano y su cuñada se alegran cuando Lars les dice que quiere presentarles a su nueva novia, a quien conoció por internet, y cenar juntos esa noche. Cuando la pareja conoce a la novia se quedan boquiabiertos. Su pareja es una muñeca de tamaño humano.

Fuera de lo macabro y perverso que pueda provocar adquirir una muñeca tamaño real para satisfacer nuestros sentimientos sexuales reprimidos o por falla de interacción con el sexo opuesto, Lars intenta alcanzar esa normalidad comunicativa y de noviazgo tratando a la muñeca con respeto, vistiéndola, sacándola a pasear al bosque o a un lago. Tal atención despierta el interés de Margo, una chica que trabaja con él. El pueblo se entera y todos lo ayudan a lidiar con su enfermedad, claro, también recibe ayuda psicológica.

La película tiene muchas bromas y situaciones cómicas que de pronto te apenan, y no sabés si reír, tirarle un ladrillo al cuate o internarlo en un psiquiátrico. De pronto parece que estuvieras leyendo "El Quijote" hasta la tercera vez ya entendés al Caballero de la triste figura. Eso pasa con Lars, salvando distancias. Deja muchas reflexiones una película así, cada quien verá lo que siente y por lo que atraviesa actualmente. Una historia sencilla y humana como "Lars and the Real Girl" es de verla una y otra vez.

Dirigida por Craig Gillespie
Actúan: Ryan Goslin como Lars, Emily Mortimer como Karin, Paul Shneider como Gus, Kelli Garner como Margo.

Gasolina: crecimiento inflamable

Una historia sencilla. En los extremos más acomodados de la circunferencia citadina se revuelca una clase media regularmente acomodada y claudicada que sufre de un cáncer llamado decadencia familiar. Sí, es esa clase media con delirios de grandeza que reclama una presencia de aspiración feudal en la sociedad guatemalteca cuando en realidad, se deshace a pedazos por su carencia de valores e intenta agarrar unos cuantos quetzales o migajas para pasar sobre todo y todos y recuperar lo que por derechos propio tiene: El poder de humillar al que no tiene y el de servir al que tiene aunque secretamente le desée la muerte. Éste escenario de hastío tan actual y degradante, es el ambiente de 3 jóvenes para robar gasolina y vagar en un carro con rumbo desconocido. El espejo se levanta y el resultado es: Gasolina. El director guatemalteco Julio Hernández nos muestra con un realismo brutal y salvaje, el final de la amistad de tres jóvenes.

El sentido familiar que tenía la generación anterior terminó. Familias gigantescas y numerosas son ya una estadística histórica. La amistad tiene un valor pobre dentro de la juventud actual; es más una complicidad vandálica para combatir el tedio. Humillar como un poder para conseguir algo o robarlo si no se consigue por las buenas. Es un sí o sí. Si se puede engañar para alcanzar el objetivo, el triunfo es grandioso. Celebremos la impunidad. La película cuenta ese ambiente de colonia o zona residencial donde en apariencia solo amanece y anochece. Pero es la noche que tres ratones salen para cometer sus terribles travesuras. Hernández nos abre la ventana y solamente somos testigos de situaciones que rayan el colmo y la estupidez. ¿Así hemos sido siempre? Pero claro que sí.

La crítica social de Julio Hernández Cordón es ruidosa y brutalmente honesta. Todos somos degollados. La familia, la amistad, el respeto, los valores, etc. Y es que lo que nos transmite el director es que es jodidamente difícil crecer. Se siguen a los amigos más "experimentados", los abusadores y se adoptan costumbres e influencias poco recomendables. El ciego que ayuda al ciego. Se prefiere la soledad del sufrimiento al sufrimiento acompañado. Incluso sufrir es una debilidad que no se acepta en una tribu. La traición es la única forma de ser felices y lentamente en los rostros de los protagonistas y se ve que no lo sienten así, pero deben jugar con esas reglas para mantenerse unidos. Incluso, el consejo de una madre es un sermón que intenta avisarnos que va a pasar lo contrario pero la situación rebasa la estupidez y pasa a convertirse en pena ajena. La película se debe ver con mente abierta y ojos desorbitados aunque de pronto los queramos cerrar. Gasolina te deja con más preguntas que respuestas. Ese reto de cineasta fue cumplido por Hernández. Muy recomendable, un triunfo.

DE BLOGGERS, AMIGOS Y HELLBOY 2

Fue bien raro. Yo nunca me atrevería a ir, en mi sano juicio de amargado, a una junta de pizza 'n' blogs. Alejos dijo que iba a ir. Después Gabriel me dijo que iba. Por el último convencí al Pato a que fuéramos. Fue extraño conocerlos a todos y bueno... les hablamos a algunos. Fue interesante saber que otros, como nosotros, que se expresan y quieren trascender en este basto mundo del internet con una página personal. Fue tremendo. Comimos Pizza, hablamos del movimiento de bloggers. Igual que los rockeros, los teatreros, los artistas, nosotros SOMOS BLOGGERS. Fue divertido y absurdo... pero emocionante. Salud amigos. Espero que nos volvamos a ver pronto.

En el Cine

Fuimos con el Pato a ver Hellboy 2 y el ejército de oro. Estoy de acuerdo con la crítica de Gabriel pero difiero en varias cosas. Creo que él esperó algo más espeso y seamos honestos, yo también. Creo que le faltó una historia más sustancial que circunstancial, aunque como secuela, era normal esperar tanta acción y nada más. A pesar de esto Hellboy es una película que tiene sus momentos divertidos. En cuanto al conflicto entre Liz Sherman y Hellboy era normal que eso pasara. El caos dentro del buró de investigación paranormal sería así, desde el padre de Red fuera asesinado. Creo que el chiste ahora fue la de unos mutantes teniendo problemas humanos.

El dueto entre Abe y Red es divertido. Me recuerda cuando Rain drops keep fallin on my head fue puesta en Spiderman 2 y la cosa se volvió un comercial de los 70 cuando mezclaban ese tipo de música AM en comerciales con textura onírica. Varios se molestaron pero el chiste era ese. Con Hellboy igual, toman a Barry Manilow y encaja. Creo que si Hellboy y Abe estuvieran en México hubieran puesto mujeres divinas de Chente. Hellboy 2 pretende divertirte y nada más, se agradece que lo cumpla. Dominguera pasable... Creo que tendrá la misma suerte que la primera. Todos la miraremos más seguido cuando la pongan en la tele.

Encuentro de amigos

Algo pasa cuando hay una reunión con amigos que nos conocemos desde hace tiempo. Ya no se puede mentir. Nos conocemos demasiado. O decimos la verdad, en vez de evadir nuestros problemas con negativas, y corremos el riesgo de nunca más ser invitados, o intentamos afrontar nuestros problemas con éstos espejos humanos y nos pasamos un rato alegre, de confort y seguros enfrentando la situación, juntos. Éstas pláticas mensuales o quincenales, según sea la necesidad, ayudan mucho a despejar la mente de los conflictos que tenemos a diario. Los consejos siempre nos ayudan y que mejor de alguien que genuinamente te aprecia por lo que sos para echarte una mano. Parecíamos traidas... salimos de shooping que te traigo... que te llevo... que te invito... que pedimos comida juntos... Excelente. Pero de eso se trata, convivir y hacernos mejor la vida. Todos regresamos con menos equipaje, con más películas y ganas de volvernos a ver. Gracias muchachos... de verdad Gracias.

Foto de flicker

Algo pasa con Will Smith y George Lucas

Hancock es un hasta aquí. Basta ya. No sabemos si es la fiebre de superhéroes o la necedad de buscar un ser sobrenatural de color lo que condujo a Smith a realizar tal película. La razón que haya sido es necesario reflexionarla.
No es que sólo sea un actor de blockbusters como ID, el hombre puede actuar. En Six Degrees of Separation, Willard dio una sobresaliente de actuación. Sabemos que al oriundo de Filadelfia es un "Enterteiner" de por sí y que no es un actor que dé para dramas espesos aunque tenga potencial. De pronto aburrió en "The Legend of Bagger Vance" con Matt Damon, el papel era para un viejo como... Morgan Freeman o algun otro actor más experimentado que proyecte esa sabiduría. La franquicia de Men in Black es divertida, sobre todo la segunda parte donde, a pesar de las líneas un poco torpes o sacásticas por momentos endulza y divierte ante la cara dura de Tommy Lee Jones.

Las últimas entregas de Smith han sido flojas. Bad Boys II para recuperar la carrera de Martin Lawrence. I, Robot, una versión moderna de Blade Runner, donde no bastó un guión aburrido sino que encima de todo, nos restregaron un tono mesiánico que no llegó a convencer a nadie. Hitch es fatal. Aunque nos ganó el morbo de saber qué se le puede decir a una mujer y en el camino nos tragamos tamaño ladrillo. I, Legend, igual. Me quedé esperando por algo mejor, esta versión de hollywood de 28 días fue tan seca y porosa como una piedra pómez. Muy relegadas quedan actuaciones memorables como Alí donde encarna al boxeador y deportista del siglo XX Cassius Clay, aka Mohammed Alí y The Persuit of Happiness su interpretación es simplemente desgarradora y un triunfo indiscutible al encarnar al multimillonario Chris Garner.

Hasta cae mal. En Hancock bacila entre el pseudodrama y pseudocomedia para acabar en una pseudopelícula de superhéroe de mal gusto con un twist poco creíble. Hancock no tiene mayor enemigo que la delincuencia común y su enemigo es una mujer. De pronto se resbala en un romance de hombre y mujer fatal, o sea, no hay una amenaza real de que se acabe el mundo o que estalle una bomba atómica o un psicópata que aterrorice la ciudad, sino que es una mujer desequilibrada que era su antigua esposa. (El despecho es tremendo) Hancock ni siquiera es una pelicula para comentarla pero es de preocuparse las elecciones que está tomando Smith al despreciar su potencial como un actor navegando entre un cómico desmeritado y un actor de drama poco consistente que a diferencia de, por ejemplo, Jim Carrey ha logrado actuaciones interesantes tanto en comedia como en drama logrado tener un éxito en ambos campos.

The Clone Wars: El target de Lucas cambia. Y es que ahora Lucas educará a nuestros hijos. La película es un semillero y no es apta para manejar equipo pesado. Aunque tiene animaciones bien logradas, el cambio de una película de carne y hueso a animación sufre alarmantemente. Otras franquicias de caricaturas como GI JOE o Transformers, en su versión 80, donde Optimus Prime es asesinado, el largo metraje sirvió para hacer una película más violenta y con más sustancia que la serie diaria.

El target de Clone Wars es distinto, sin embargo no vale hacer películas donde su trama, sea basada en un incidente infantil, sabiendo que la serie de películas de carne y hueso es más violenta. No es la primera vez que Lucas hace éstas cosas. Intentó con The Ewok Adventure de 1984 con una trama similar y soñolienta. Es película para niños pero si va alguien adulto le recomiendo una almohada. Ok... Star Wars for Dummies and Children... I got it.