FOO FIGHTERS: LA LUZ DEL DESTINO

Dice Bob Dylan: "Todo lo que sueñes o aspires en la vida eventualmente se convertirá en realidad". Y eso lo dice alguien que siempre supo quién iba a ser en el futuro. Pero este futuro, dice Dylan, no era solo llegar a la meta sino permanecer en el tiempo haciendo lo que hace hasta que estuviera frente a Dios. "Ése es el trato", sentenció.

La gente se niega rotundamente a una cosa como el destino. A que tenemos nuestra vida resuelta por una fuerza mayor. A no hacer la voluntad de un ser "Supremo". Los Foos, sin duda hablan de una fe en que todo se cumple, en el karma, en lo que regresa a encontrar al tirar al vacio una mala vibra, un mal de ojo, una maldición a alguien, una mentada vulgar; todo regresa. Todo se cumple, así es la vida parece. Wasting Light es aquella pequeña luz perdida, abandonada por ahí que se busca desesperadamente. Sin duda, el título es para proyectar cualquier vivencia en él; robarle las canciones a Grohl y hacerlas tuyas, y creo, que esa es la puta intención.

Si urgás en Back and Forth, el documental, el disco los reunió con Butch Vig, productor del Nevermind que este año cumple 20 años (por hacer reseña). Colabora Kris Novoselic en I Should Have Known. Wasting Light fue grabado en cinta magnética, la misma que se usaba desde un principio de la humanidad hasta la primera parte de los 90. Vemos el regreso de Pat Smear el gran guitarrista punketo que por... bueno mejor vean el documental. De alguna manera el disco es una encrucijada que reúne a la gente esencial que marcó a los Foos, a lo mejor fue intervención Cobainiana; para discutir en una sobremesa. Lo que sí puedo asegurar es que Wasting Light es el disco que los Foos debieron hacer hace mucho pero hasta ahora vio la luz del día.

Pero no voy a renegar lo que pudo o no pasar. Hoy celebro con oídos sangrantes de alegría un álbum de mucha guitarra, grandes coros y ganchos poperos que se quedan en la mente terminado de oír el disco. Grohl, explicó en algunas entrevistas, escuchaba a los Bee Gees y a Abba antes de empezar a escribir y componer las canciones. Hay pop entre acordes y letras pues qué bueno, no esperaba menos.

Bridges Burning: Entra con una guitarra amarrada a una espigadera y después salen las restantes; entra Taylor con la batería de metralleta y Grohl suelta el primer alarido que araña la misma corteza cerebral. Uf, me alegra, no saben cuánto. Bridge es un espiral de ritmos parece un planeador que recoge sus alas y a picada eleva la adrenalina, el coro es una contemplación de una sodoma quemada. Bello. Your bridges are burning down / They're all coming down / It's all coming round / You're burning them down / It's all coming round / They're all coming down / Your bridges are burning down. Grohl cae como águila justiciera. Los errores al fin pasan factura.

Rope: El primer sencillo del disco. Las tres guitarras de los Foos parecen aleteos de abejas africanas en plena persecución. Las letras es el desvanecimiento de lo que ya teníamos en la bolsa y sin nada en dos platos otra vez. En la esperanza del otro para salvarnos ambos. La cuerda para salvar o ahocar digmaos un "sacrificio".

Dear Rosemary: Rosemary como un nombre de salvación casi virginal. Decirle a alguien que no va a durar sin uno es hasta cierto punto egoísta. Es el moño al rompimiento de algo. El amor no se desvanece, solo se rompen los brazos para llegar al otro y no es lo mismo gritarle al corazón porque no tiene oídos. Muy dentro está todo pero bueno... bla bla bla. Todo se rompre y el recuerdo durará años.

White Limo: Rock de altos decibelios. Grohl es un grito de conciencia. Un pequeño diablito o angelito con guitarra en mano roqueando en el hombro. Una estridente kick-ass-rock-song-Foo's-original. Fuck Yeah.

Arlandria: Es una oda al karma donde por más que se haga lo que se pueda en una relación no es suficiente. La incompatibilidad a veces es un perro abismo. And when you said I couldn't give you enough, / I started giving you up, I started giving you up ..... You are not me, Arlandria, Arlandria. / You and what army, Arlandria, Arlandria? / Oh, God you gotta make it stop. Tratar de pegar el papel mojado. Para estas cosas hay que tener un talento y ganas de resolver las cosas pero aquí ya estoy proyectando.

These Days: Es una rolita que empieza como una nostalgia pero en realidad nos damos cuenta que es la sentencia que llegará. Parece como el abrazo con palabras vacías, como las que se reciben en un funeral. El coro es un aventón del brazo para quien nos consuela. Claro nadie ha muerto más que una relación, seamos claros no es una canción para funeral pero si la decepción de ver como alguien quiere apagar un incendio forestal con un vaso de agua. Easy for you to say / Your heart has never been broken / Your pride has never been stolen / Not yet not yet. El One of these days del final es la mirada de orgullo roto y, si queremos ser más amenazadores, levantamos el brazo con índice incluido y se lo decimos: One of these days.

Back and Forth: Verse cuando se era y se aspiraba a ser como el otro. La fascinación por la pareja reevaluar eso no siempre es bueno. Hacerse las preguntas y escupirse las verdades: I'm lookin' for some back and forth with you / Are you feeling the same as I do now and now and then? / I'm lookin' for some back and forth with you / Are you feeling the same as I do? / Down and out. Vale la pena seguir... Ufff. Buenos riffs. Rock suave y con gran onda.

A matter of time: Todas las señales están dichas, todas las cartas en la mesa. Uno todavía revisa si hay alguna manera de salvarse de pagar o en otras palabras y juegos, evadir el jaque mate. Nos vemos las caras abriendo las cejas. Lo que sigue es lo obvio. Siempre se sabe siempre.

Miss the Misery: Por momentos parece Alice in Chains, un pequeño guiño que no logro descifrar aún. Para esta canción, la adrenalina que trae la banda no se siente como un empacho o que todo suene igual. Cada canción, repito se distingue. La letra es masoquista. Después de tanto tiempo de sentir la angustia y la esclavitud se extrañan las cadenas. Suele suceder muy seguido.

I Should Have Know: Por alguna razón me remitió a Black Keys, como si así sonaría el dúo en el futuro. Los Foos aquí son íntimos y resignados. Grohl canta el título de la canción como un golpe al corazón se lo dice muy en serio y claro el error fue grandísimo. La herida acaba de ser hace 5 o 6 minutos. La sangre aún huele. No I cannot forgive you yet / To leave my heart in debt / No I cannot forgive you yet / No I cannot forgive you yet / To leave my heart in debt / I should have known.

Walk: Grandes las letras; sinceras. Despertar del sueño. Un nuevo comienzo. Gran final para Wasting Light. Volver a ser el mismo, recordarse con todo y aburrida rutina. Poner los pies en las huellas a ver si son las mismas, si cambie algo, si no fue tan dramático todo el asunto. Siempre con los epilépticos recuerdos y deja vús que erizan la piel. Todo eso soy aún. I'm learning to walk again / I believe I've waited long enough / Where do I begin? / I'm learning to talk again / Can't you see I've waited long enough / Where do I begin?.

Wasting Light es el mejor disco de los Foos. Tiene todo en cuanto a rock, ruido, es duro y áspero y un gran viaje salvaje y emocional. Son 11 canciones que no bajan la guardia. Creo que los Foo Fighters son el mejor grupo de rock de los últimos 11 años. Este noveno disco de estudio es un terremoto sonoro de guitarras que junto a la batería y bajo son indestructibles. Chris Shiflett, Nate Mendel, Taylor Hawkins, Pat Smear y Dave Grohl, grabaron el disco en el garaje de Grohl.

El disco lo tocaron en su totalidad en el Late Show con David Letterman, incluso hicieron una gira por todos los Estados Unidos en los garages de algunos de sus seguidores. Búsquenlo en Youtube. El grupo sigue amarrado a sus raíces y a su autenticidad. Pueden tocar en el Estadio de Wembley frente a 85 mil almas o en un garage frente a 40 personas que la energía que recibirán será la misma. Sin efectos y sin maquillaje. Los Foo Fighters son la banda de Rock más importante en estos momentos y este disco es como ya dije, de los más potentes y poderosos. Larga Vida Foo.

RADIOHEAD THE KING OF LIMBS: CONCENTRACIÓN, VEN A MÍ

Pedí auxilio cuando terminé de escucharlo la primera vez. Pensé que, la edad, mi capacidad de entendimiento, ingestión y digestión musical habían desaparecido para siempre. Pero la realidad es que el viernes pasé al frente de la computadora, haciendo mis quehaceres diarios. Así que cuando me pasaron The King Of Limbs, me dolió la cabeza. Me prometí escucharlo tranquilamente en el silencio del fin de semana. El resultado: Belleza a ritmo de máquina de sonidos.

El resultado no dice nada pero al ponerle una atención obsesiva los 37 minutos de duración del disco son casi una farsa; y lo digo en el buen sentido de la palabra, porque me dejó con ganas de más pero creo que es la dosis perfecta. La admiración, agradecimiento y afecto que se le tiene a una banda que, con cada disco que saca, rompe reglas e impone un respeto al ir en contra de las corporaciones, siguiendo así, su espíritu creador es simplemente para colocarlos en un altar divino.

Como dije, me costó asimilar el disco y al ver el video de Lotus Flower en internet cuando apenas tenía 310 visitas pensé que nadie sabía de la noticia. Lo volví a ver hace unos pocos minutos y ya pasó los tres millones cien mil y pico. Vaya, me dije: la integridad tiene un valor.

En esta octava placa nos encontramos una banda que sigue su paso natural. Sin duda The King of Limbs es el más experimental de todos. Me recordó el Eraser de Thom Yorke pero conforme pasan las canciones es Radiohead con todo. Es un escape a otra dimensión. Para que nos entendamos mejor creo que lo que intenta Radiohead es, a manera de genialidad, que ya no se hable más de ellos, que la música no se puede capturar en una palabra, que a veces las palabras son inútiles. Que a veces solo hay que dejarse llevar y ya. Eso sugiere In Bloom.

In Bloom: Es un jazz estelar. Parece que caemos en hoyo de gusano a otra dimensión. So why does it still hurt? / Don’t blow your mind with whys

Mas en: http://barrel.toolzoft.com/rocks-bands/radiohead/radiohead-the-king-of-limbs-lyrics/

. Solo admirá y ya no cuestionés. Creo que después de ocho discos, existosos todos, no es necesario.

Morning Mr Magpie: Parece un episodio epiléptico. Hay un sonido ahí de alta frecuencia previo a la sordera total. O en el episodio del despiertar de las 3 de la mañana. La guitarra y la batería son punzantes. El ritmo es compulsivo. Imposible no dejarse llevar.

Little by Little: es de las canciones que aún no me terminan de convencer. Pero tiene algo, un demonio que no logro descifrar. Puede ser que sea que los sonidos, vayan por un lado a una velocidad, la guitarra a otra y la batería vaya un poco retrasada. ¿Entonces esta bien? Ni idea. Pero es una gran canción. Contradictorio.

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Feral: Instrumental. Parece un Deja Vú. Me recordó a Yorke con su disco Eraser. La canción es un mundo. Hay que escucharla varias veces y en cada una se le encuentra algo nuevo. Siento que me repito mucho cuando escribo sobre Radiohead pero.. ven ya no hay que hablar.

Lotus Flower: Es el primer sencillo del disco y por lo tanto la extremidad más digerible. Extraño gancho ese de los aplausos. Cuando la escucho no logro atinarle al compás que llevan. Creo que con el tiempo. La canción habla sobre la renuncia al ego. A dejar la vida cutre. Abrirse a simplezas y encontrar la inspiración.

Codex: Aquí tuve que sentarme. Codex es encantadora, bella, limpia. El piano es el vehículo al más allá. Con audífonos a tope el mundo no existe. Muy visual. Slide your hand / Jump off the end / The water’s clear / And innocent

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. Es sin duda de mis preferidas. Simple hermosa y humilde. Enorme. Termina con un canto de pájaros como si nos dejaran otra vez aquí en el mundo. Y al caer empieza...

Give up the Ghost: Otra canción que brilla. Es una letanía. Su atmósfera parece un abrazo. Tibia. Don’t haunt me / Don’t hurt me

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. Es una redención. La letra sugiere un final y un comienzo. Majestuosa. Me pareció un guiño a las canciones instrumentales del Atom Heart Mother de Pink Floyd.

Separator: Es un sueño. La liberación sin la muerte. El transporte a otro mundo. Morir y ser uno mismo. Nuestra esencia sigue, pero es un sueño. Encontrarla ahí, si, a ella.

The King Of Limbs es un disco muy adictivo que cuando se encuentra su dirección es muy seductor, de otro modo es una migraña. Es muy celoso requiere contemplarlo a los ojos. Pero cuando se desentierra y desempolva sus orillas, curvas y extremidades es tan Radiohead, que lo normal es darle la mano, un abrazo y ofrecerle un te de bienvenida.

127 HOURS: AGONIA INSUFRIBLE DE GRAN FACTURA

Pocas y grandes películas alcanzan un nivel de incomodidad en el espectador donde, por dos horas, se es testigo de una historia difícil, agonizante, agotadora y lacerante como 127 horas que, dicho sea de paso, está basada en una historia real.

Aaron Ralston es un alpinista cuyo espíritu aventurero lo lleva a los desiertos de Utah y en un resbalón nuestro protagonista cae al fondo de una grieta junto con una gran piedra que le deja atrapado el antebrazo. Es así que un título como 127 horas nos provoca hacer cuentas con las dos manos para que luego de 20 minutos de duraciòn, nos enfrentemos a un drama que hace pleitesía a la sobrevivencia. Y sí, para los despistados, 127 horas es lo que se tardó en salir.

Encontramos en nuestros créditos, y como otro tipo de incomodidad, el nombre del director Danny Boyle que, en la propia voz de este autor, ha tenido una carrera para otro tipo de gustos, digamos, poco convencionales y en la última década, poco convincentes. Con Boyle podemos regocijarnos de aciertos mayúsculos, como Shallowgrave, Trainspotting, A Life Less Ordinary, y 28 Days Later, además de descalabros aparatosos como The Beach y Slumdog Millionare que si bien fueron aplaudidas y premiadas seguimos sosteniendo que nadie se sienta a ver éstas últimas en su sano juicio.

Si bien su carrera se maneja al filo de la navaya, Boyle retoma con autoridad ese cine intrépido, arriesgado y cautivador que nos atrapó en la década del 90 y 127 horas es un trabajo sólido que reafirma al gran director del que se seguirá esperando mucho y exigiéndo más. Conviene por parte de las nuevas generaciones revisar el inicio de su carrera pues ahí donde yace el verdadero corazón e integridad de Danny.

No te rindas

Seguimos a Aaron intepretado por un James Franco. Admirable es para cualquier actor cargarse una película a los hombros y que importe la historia que nos cuenta. Franco ha sido famoso por su personaje de Harry Osborn en la trilogìa de Spiderman, las comedias Knocked Up, Pineapple Express y su rol dramático en Milk.

A diferencia de Tom Hanks en The Castaway y con la ventaja de tener a una pelota llamada Wilson como acompañante en el caso de Franco, Ralston en sus 127 horas, debe lidiar con las visiones esquizofrénicas de salvamento, gritos de desesperación, ayuda con su equipo de sobreviviencia además del agotamiento de recursos y la muerte. Como ya conocemos la historia, en la vida real Ralston acaba por amputarse el brazo y está demás decir que la escena de la amputación es para enamorados del cine gore. La experiencia James Franco en 127 horas conmueve y entretiene. Franco transmite con mucha naturalidad y espontaneidad el espíritu de celebración por la vida, a pesar del horrible momento por el que atraviesa el personaje y cuya visión, comparte Boyle ya que si volteamos la mirada cada obra es una celebración a la vida a pesar de las tribulaciones.

127 horas es el retrato cinematográfico muy a lo Relato de un náufrago de García Márquez. Tiene momentos de mucha intensidad con inquietante ironía y risa nerviosa que son interminables. La narración de la película nos nos lleva al pasado, al presente y a futuros posibles con alucinantes escenas que gracias a la técnica cinematográfica y huella digital de su director, somos capaces de explorar mientras nos deja sin respiro. Muy recomendable. Si vamos a estrellas le pondría 4 de 5.

THE FIGHTER: CONTRA TODO Y TODOS

Ganándole la carrera a la ceremonia de los Oscar y a los cines de Guatemala que se tardarán muchísimo antes que les de la gana enseñar las películas, la piratería, gran fuente de cultura, continuará siendo ese acicate vital para los que gustan del cine. Pero entremos en materia. Según una revista de deportes Sport Illustrated que tiene un gran prestigio en EEUU, cataloga a The Fighter como la mejor película sobre deportes de la década. Creo es un poco exagerada la observación.

Una película de deportes tiene por obligación, transmitir la pasión por un deporte. Por otro, tenemos que ser testigos de la lucha personal del protagonista. Para que inspire tiene que haber un escenario complicado. Si tiene humor, es mejor pero regularmente es una lucha trágica con un final, sí, predecible. La mayoría de grandes historias deportivas son tomadas de la vida real y, después son ficcionadas. Y, entre más reales sean las coreografías deportivas, mucho mejor.

Eres mi héroe

Este drama sobre una familia numerosa y dirigida con puño de hierro por la madre, nos presenta a dos hermanastros. El mayor fue una antigua leyenda del boxeo al ser el único que pudo botar en su momento al gran campeón de peso Welter Sugar Ray Leonard; Sugar Ray ganó por decisión unánime pero esa pelea convirtió a Eklund en "The Pride of Lowell". Dicky Eklund, es interpretado impecablemente por un cadavérico Christian Bale.

Ya casi con 31 años y haciéndose un nombre en el deporte del boxeo viene "Irish" Micky Ward interpretado por Mark Wahlberg. A Micky lo maneja su madre Alicia Ward (Melissa Leo). Micky conoce a Charlene (Michelle Adams) y es ahí donde empieza una lucha de poderes "feministas".

Mientras tanto HBO hace un documental a Dicky quien dice que el trabajo fílmico será regreso a su carrera boxística, aunque después conocemos el motivo principal de la filmación. A Micky le consiguen una pelea en Las Vegas y en el último momento, su rival cancela y es emparejado con otro de mayor complexión y peso, y tienen que pelear por dinero. Micky sufre una paliza. Toda la familia se culpa entre ellos y como buenos montoneros culpan a Charlene. Es ahí cuando Micky decide tomar las riendas de su carrera y recibe una oferta para entrenar en Las Vegas con todo pagado. Dicky al conocer la oferta intenta conseguirle lo mismo: un gimnasio profesional y más dinero pero se ve envuelto en problema con la policía y prostitución, y cae preso. Micky por defenderlo acaba con la mano quebrada.

El gran Bale

Sin duda el personaje de la película es el papel de Christian Bale. El perdedor que busca una oportunidad de redimirse y de una vez por todas hacer las cosas bien. Bale tuvo que bajar 30 libras para el papel cosa que a la academia le encanta este tipo de cambios (No así tan dramático como el maquinista donde llegó a pesar 90 libras). La actuación de Bale es tal que de pronto te olvidás que es él.

Tanto Melissa Leo como Michelle Adams enfrentan ese duelo entre mujeres en la búsqueda de lo mejor para Micky y ambas tienen sus momentos de intensidad. Con Wahlberg, bueno, es difícil verlo como alguien más que él mismo, sin embargo es un personaje que lentamente nos conquista.

¿La mejor de boxeo?

Creo que exageran. El drama es real sí, y vemos a lo largo de la película el viaje de Ward de tener que luchar contra todas las personas que "le quieren ver ganador". El boxeo es como un segundo plano, acaso una excusa.

Las coreografías de las peleas quedan un tanto desbalanceados unas funcionan otras, bueno... Es difícil emocionarse con estas peleas si ya se tiene dentro del acerbo cultural a las sangrientas palizas de Raging Bull, Cindirella Man, o Ali.

The Fighter es un drama, entretenido y doloroso, por momentos agotador y extenuante pero te mantiene a la expectativa. Su ritmo no es aburrido y te preocupan los personajes. Realmente queremos que la familia y en especial Micky junto con Dicky sean otra vez los reyes del boxeo. Emocionante relato.

Dirigida por David O'Russell
Escrita por Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson.

EL DISCURSO DEL REY: CINE PRECIOSISTA

Muy poco o casi nada se le puede criticar a The King's Speech. Talvez se le podría echar en cara su brillante técnica de edición y fotografía, sus melifluas actuaciones; aruña, con estilo, la perfección. Si se quiere despreciar una película por el simple hecho de ser una historia sobre la monarquía pues el cinéfilo tiene todo el derecho de destruir con placer este bodrio de gran factura aunque si se atreve a verla, quedará como un vil zopenco, torpe o bruto espectador, es decir como la masa. Dejemos a un lado su embriagante oscarización.

La historia es simple: El Rey George V le pide a su hijo, el Duque de York que pronuncie el discurso de cierre de la exhibición imperial de Wembley en Londres. Alberto Federico Arturo Jorge es tartamudo y como es de esperarse falla enfrente de toda la nación. Su esposa, Isabel Bowles, ha intentado por todos los medios y visto a todos los especialistas para que "Bertie" supere este trastorno. Bertie se frustra porque nada ha funcionado.

Es entonces cuando contratan los servicios del actor Lionel Logue gracias a una referencia de la presidenta de la Sociedad de Fonoaudiólogos. Juntos empiezan por una rutina y muchos ejercicios para que El Duque de York, pueda hablar en público, por fin.

Si algo conquista de The King's Speech, son las actuaciones de Colin Firth quien interpreta al Duque y con el tiempo Jorge VI; Helena Bonham Carter como Elizabeth Bowes-Lyon y Geoffrey Rush como Lionel Logue. Los actores abordan con un garbo irresistible a sus personajes siempre con ese humor inglés seco y sarcástico, y por momentos un poco salvaje. La química entre los tres personajes es un deleite.

Yo tengo una voz

La interpretación de Colin Firth logra transmitir esa empatía con el espectador y sufrimos junto con el personaje lo agobiante que pueden ser las interrupciones involuntarias del habla y la tensión de la cara. En Jorge VI podemos ver esa debilidad del rey humano que según su padre, Bertie será el mejor monarca de Inglaterra gracias a su fuerte espíritu, coraje y desición para enfrentar las situaciones, además de su amor por la corona, la tradición, la política. La línea de desarrollo del personaje de Firth se diluye entre su defecto, autoestima, el nombramiento de ser rey y el inicio de la segunda guerra mundial. La actuación Geoffrey Rush es parecida a la de un director de sinfónica que hace lo imposible para que Bertie se convierta en el gran Rey que es.

Todo este ensamble funciona gracias al guión adaptado de David Siedler y la dirección de Tom Hooper quien tiene entre sus créditos la miniserie de John Adams protagonizada por Paul Giammatti y producida por Tom Hanks.

The King's Speech es un deleite visual y una cátedra de cine que merece la pena disfrutarse. Si se ha ganado todos los premios habidos y por haber es por su redondo resultado. Y es solo hasta que empiezan los créditos del final cuando nos damos cuenta que fuimos parte de un cine edificante. Altamente recomendable.

HEAT: A 15 AÑOS DEL INMORTAL DRAMA POLICIAL

Neil (Robert De Niro) entra al banco con mirada curiosa. De fondo un ritmo de dos tiempos por segundo que elevan la tensión. Michael Mann, director, nos muestra los pasos de Neil un ladrón profesional. Sabemos que se trama algo porque tiene un audífono puesto.

Close up a los ojos. Neil revisa, sereno, es otra caminata rutinaria. Chris Shirheldis (Kilmer) aparece viendo al suelo. Neil entra al lobby del banco. Mann hace el recorrido de toda la sala. Chris inspecciona. Todo bien. Michael (Slick) Cheritto (Tom Sizemore), se pone en posición; espera la señal. Ve al policía detrás de él y sonríe a un cuentahabiente, el muy descarado. Neil se pone la máscara, Cheritto, lo mismo. Shirheldis pone su portafolio en una mesa y rompe al primer policía. Cheritto se deshace del suyo. Neil desenfunda su ametraladora y dicta ordenes. El griterío de la gente empieza. Amarran a los policías. Con el banco bajo control, Neil advierte: "No queremos herir a nadie, su ahorros están protegidos por el gobierno no van a perder ni un céntimo. Piensen en sus familias. No se arriesguen". El primer "gallito", el gerente del banco -¿quién no le quiere romper la cara a uno de estos figurines?- sufre la desobediencia por parte de McCauley al negarse a darle la llave de la bóveda. "Siéntate y dejalo sangrar" ordena. Chris entra a la bóveda, saca un bolsón y se apodera de un fardo de dinero, rompe la bolsa de plástico para que el dinero se disperse. Neil tiene su botín. Y sale. Le da una bolsa a Cheritto. En el cuartel policial un pobre oficial entra a la oficina de robos y narcóticos y avisa al todos los que llevan el caso de McCauley que un asalto se lleva a cabo. Cheritto se saca la máscara y se peina sale del banco. En el auto y punto de llegar, los policías avisan de la localización de los asaltantes y como va el robo. Cheritto entra al auto y se ríe. Celebra tocando la espalda de Don Breedan, (Dennis Haysbert). Luego sale Neil. Ya están saliendo. Hanna ordena precauciones. Se estaciona y se aproxima con su ametralladora. Todos los policías toman sus posiciones. Neil entra al auto. Chris es el último en llegar. Ve a los policías y desenfunda. Asi empieza la ruidosa y emocionante secuencia de acción policial más impactante jamás filmada.

Gracias al brillante guión escrito por Michael Mann la película es un enorme panorama humano sobre dos bandos, tanto el bueno como el malo cuyo deseo es sobrevivir la vida. Por un lado tenemos a Vincent Hanna (Al Pacino en su feroz versión) cuyo tercer matrimonio se diluye en el inodoro gracias a una vida dedicada a perseguir bandas delincuenciales. Tiene una familia con Justine Hanna (Diane Venora) y su hijastra Lauren (Natalie Portman). Hanna empieza la cacería de Neil luego de un asalto a un camión blindado. Le fascina la planeación y lo minucioso del robo. Le emociona el reto de atraparlo. Por el otro lado, Neil es un ladrón profesional, cuyo equipo se deshace emocionalmente pero son unos profesionales en lo que hacen.

"I'm proud of you"

Mann nos muestra cada uno de los retratos de cada personaje. Es tal su logro que con un par de líneas ya sabemos la vida que cada uno tuvo que escoger. El caso más conmovedor sin duda es el Breedan, un delincuente de color que con tal de renunciar a su pasado y rehacer su vida con su novia obtiene un empleo como cocinero, luego de serlo en la prisión, y el jefe del restaurante le ordena que limpie los baños y saque la basura. Al hacer todo esto, su novia le dice: "Estoy orgulloso se tí". Breedan ríe y con ojos a punto de lágrimas le pregunta "¿Por qué estás orgulloso de mí?". "Vámonos a casa", le contesta ella. Una escena que dice millones de cosas y te rompe como espectador.

El encuentro entre Hanna y McCauley en un restaurante es un hito en el cine. Solo la escena entre Pacino y Brando en el Padrino I tiene tal impacto emocional. Ésta, en Heat, podría ser la segunda. Ninguno de los dos se deja intimidar. Si por un momento despertamos y nos damos cuenta que son actores (los mejores actores de su generación), ambos son simplemente duros y magistrales. Vamos otra vez a los diálogos en dos o tres líneas. Se sabe de dónde viene cada uno; su ética, su visión de la vida, su filosofía. Hanna justifica sus acciones con una sonrisa al final. Neil aunque evasivo cierra sus oraciones con una mirada de 9 milímetros. "No te encariñes de algo que no puedas abandonar en 30 segundos si sientes a la poli cerca. Si estás encima de mi y te tienes que mover cuando yo me muevo, - Y lanza el comentario venenoso como para desbaratar la profesión de gendarme- ¿Quién puede conservar un matrimonio así?". Interesante observación -responde Hanna y luego desvaloriza el juicio-, ¿Qué eres un monje". El juego de ping pong entre ambos es una lección de actuación. Ambos se escuchan, se retan se ningunean , se odian. Simplemente genial. Los dos se sonríen a labios fruncidos, sin mostrar dientes. Se admiran. Es para hacer un ensayo.

Dramas familiares

Tanto policías como la banda tienen sus vidas fuera de sus profesiones. Celebran van a comer en familia, se compran regalos, etc. Todos se conocen. Es para llevárselos a todos al Club La Montaña y luego a jugar a policías y bandidos. Todos los personajes son entrañables, sufrimos con ellos, nos invitan a sus casas, los conocemos y simpatizamos con sus causas. Incluso Waingro (Kevin Gage) y Roger Van Zant (William Fitchner) son de los personajes más detestables junto con Hugh Benny (Heny Rollins) nos atraen como fuerzas que no están al alcance de nuestras manos y rompen con la rivalidad entre Hanna y McCauley. La suerte de Trejo también afecta y duele, al igual que el gesto de la novia de Breedan cuando se entera del final de su novio que un par de noches atrás le dijo que estaba orgulloso de él, o incluso el abrazo de consuelo de Hanna a la madre de la niña prostituta que Waingro le rompe la cabeza a puñetazos, o el gesto de abandono de Eady (Anne Brenneman) cuando Neil se va. Y qué decir de la actuación implosiva de Jon Voigth, parco, puntual; práctico. En suma la película afecta emocionalmente y se queda rondando en la cabeza por 15 años y se quedará por mucho tiempo. Dosis de adrenalina con dolor medular.

Michael Mann venía de series ochenteras como Miami Vice y la precuela Dragón Rojo del Silencio de los Inocentes. Filmó El último de los Mohicanos pero fue HEAT la que lo ubicó entre los realizadores y directores más importantes del urbe. El informante, otra joya, lo encumbraría. Después llegó Alí.

A 15 años de HEAT la seguímos viendo, impávidos, al borde del asiento esperando una resolución alterna, maravillándonos por las actuaciones y celebramos el cine de acción y el drama humano.

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DEATH NOTE: LA LIBRETA DE LA MUERTE

De la nada una libreta cae. Aparece en medio de la tercera dimensión como si se rasgara nuestra mirada y de pronto saltara. La libreta negra tiene escrito DEATH NOTE en la portada. Lo abrís... y leés: El nombre del humano que esté escrito en esta libreta, morirá. Luego leés: "Si no se especifica la causa de la muerte el humano, éste morirá de un ataque al corazón 40 segundos después". "Si escribes el nombre del humano debés tener su rostro en tu mente de esta manera personas que comparten el mismo nombre no se verán afectadas". ¿Muy específico para ser tomado como una broma no?.

Solo para salir de la curiosidad agarrás un lapicero... Luego empezás a preguntarte quién merece morir. ¿A quién matarías?. ¿Te convertís en un asesino por matar con un cuaderno? O... le hacés un favor a la humanidad al matar a todos los asesinos, violadores de niñas, ladrones, secuestradores, asaltantes, políticos ladrones, en fin, cuanto idiota ha abusado del débil. ¿Estás listo para impartir justicia de una forma responsable?. ¿Te querés convertir en un Dios de la Muerte? La libreta la encuentra, en el patio de su escuela, Light Yagami un joven estudiante prodigio quien al principio cree que es una broma hasta que decide probarla.

Para mientras en un lugar que no es ni el cielo ni el infierno, aguardan los dioses de la muerte llamados Shinigamis que se encargan de escribir nombres de humanos que morirán por X o Y razón. Ellos deciden a quien apuntar sin ser castigados ya que ese es su trabajo. Ryuk es un Shinigami que está aburrido y deja caer su libreta y al salir a buscarla encuentra a Yagami quien, para sopresa del Shinigami, ha escrito cientos de nombres en la libreta. "Haré un nuevo mundo libre de crimen", le dice con toda convicción ya creyéndose un Dios.

Para mientras las Naciones Unidas deciden investigar los cientos de muertes que inexplicablemente están sucediendo. Para descifrar el misterio, contratan al mejor detective del mundo quien ha sido el único que ha resuelto los casos más difíciles y encontrado a los asesinos más peligrosos. Él se hace llamar L. Es aquí cuando inicia uno de los duelos de genios más intensos.

La serie es una lucha enorme rodeada de un suspenso inteligente y que cuestiona en cada capítulo de qué lado de la justicia se está, de la "divina" o la "humana".

Yo recién hace 3 meses encontré la serie. Me había topado con ella después de ver los intros cuando terminaba Neon Genesis Evangelion pero hasta ahora me encontró. Ya la vi 2 veces y continúa impactándome. Consta de 37 episodios y son dos temporadas. Es interesante ver que ningún episodio es una pérdida de tiempo y en cada uno vemos la deformación de Light que justo cuando creemos que ya deciframos su modo de operación nos sorprende de una forma tan explosiva. No digamos con el excéntrico personaje L quien también es un supergenio. No les digo más porque es perder el tiempo. Mejor los invito la vean por ANIMAX o vean los capítulos para eso entren aquí.

Si están aburridos de las series de televisión y tienen un momento para experimentar una gran serie de ánime. Les recomiendo DEATH NOTE.... no volverán a ser los mismos. Les dejo los intros de las dos temporadas. Después haré un post de los grupos que tocan la música de ésta enorme serie.

INTRO PRIMERA TEMPORADA



OUTRO PRIMERA TEMPORADA



INTRO SEGUNDA TEMPORADA (Un gran death metal)



OUTRO SEGUNDA TEMPORADA



La serie se espera que se convertida en película para el 2011. Los derechos fueron comprados por Warner Bros.

GN'R: EL ROCK ÉPICO DE USE YOUR ILLUSION I

Para 1990, la escena rockera era un producto reciclado, un regalo devuelto y vuelto a regalar sin dar mayor satisfacción. Se necesitaba un cambio urgente. Los excesos de drogas y sexo redujeron al movimiento de rock a un chiste de spray, niños bonitos y vestimenta de cuero rebelde; un aburrido cliché. Las bandas de rock conscientes de esa realidad debían hacer dos cosas 1) Recuperar su integridad y 2) Desobedecer la receta impuesta por las disqueras: un primer sencillo de patada a los testículos y después una segunda balada exprime-ovarios. Los 90 pues, exigieron a las bandas y al movimiento en sí, otro tipo de rockstar. Hay que mencionar que la gente estaba aburrida y harta de los 80. Una década nefasta en cuanto al rock y sus adornos y que ahora, es decir, a éstas alturas del 2010, son descubiertos algunos discos, como cuando se camina por el desierto y en vez de agua se encuentra un vaso. Metallica grababa el Black Album. Y el monstruo del sótano apareció en diciembre de 1991 con un Nirvana que lo cambió todo.

Para septiembre de 1990 nos encontramos a Guns N' Roses despidiendo al batería Steven Adler por su abuso a las drogas. Se contrató a Matt Sorum, batería de la banda The Cult. De los peores baterías, si me preguntan. Toca todas las canciones suenan de igual forma, nótese los cambios de ritmo. (Lo mismo es November Rain que Estranged; por decir algo.) Es válido decir que para cerrar ese nefasto capítulo de glorias y clichés, ambos Use your Illusion, son una salida rimbombante por la puerta celestial; un apocalipsis glorioso donde se rinde pleitesía al exceso de aquella era; acaso una carta de amor. La receta impuesta por Guns: Hasta tres solos de guitarra por canción, orquestas magistrales, sexualidad que roza lo bestial, machismo en su total dimensión y hacer hablar al corazón con rezumo de amor en un día de San Valetín. Claro pero todo esto envuelto y cantado con una sobredosis de testosterona, letras malditas y humor negro. Éste es su mayor logro y por consiguiente, su mayor éxito: un cliché que trascendió. ¿Lección?... Bueno no quiero sonar moralista, pero lo que vino fue producto de esconder y reinventar el cliché.

Dentro de la banda había una atmósfera de disconformidad. Axl quería ser histriónico, digamos Freddy Mercury en vuelo unido con Elton John bailando música clásica. Stradlin y Slash peleaban por la autenticidad del hard rock, versus, el sonido blues y música country. La grabación de ambos trabajos tardó tres años. El UYI I tiene más peso y es un álbum de retorno después del exitoso Appetite for Destruction. Muchas de las canciones de ambos discos fueron escritas entre 1986 y 1989 y no alcanzaron entrar al disco debut. La portada del discoUYI I es una pintura de Rafael llamada "La Escuela de Atenas" con rojo y amarillo en el primero y azul y morado en el segundo. Ambos discos salieron en septiembre de 1991.

Right Next Door to Hell: Entrada violenta. Si no te gusta ¡FUCK YOU BITCH!. Letra muy a lo Bukowski. Another empty house another dead end street / Gonna rest my bones an sit for a spell / This side of heaven this close to Hell. Axl canta rapidísimo y la música va supersónica. Te atrapa. En Dust N' Bones, Guns se gradúa de rock de bar a barra cinco estrellas con un emocionante al final.

Live and let Die: Monstruosa sonoridad alcanzada. La canción de McCartney queda reducida a un ejercicio folclórico. En los coros aparecerá un caído de la era grunge, Shannon Hoon cantante de Blind Melon, quien hace lo propio tanto en ésta como en muchas otras canciones.

Don't Cry en su primera versión. Intensa letra que trata de mostrar empatía en ese momento de partida del amante. Balada insigne. Inspirada en una chica que dejó a Axl por Stradlin. Los "amigos" después se reunieron la noche siguiente y la escribieron en 5 minutos. Perfect Crime buena canción para mosheo violento, saca huesos y amputa-extremidades. You ain't the first un blues en compás de valz cantanda por Izzy.

Bad Obssesion: La canción empieza con una referencia edípica. Madre e hijo huelen cocaína juntos y claro a la madre le dió un mal trip. Rocanrol divertido.

Back off Bitch: Cuando el despecho gana se mencionan las cosas por su nombre. Emotions ripped, gone on a binge / Life lipped, I said you're off the hinge / Tellin' lies of such fame and glory / I don't even wanna hear your story / Back off, back off bitch. Volvemos al rocanrol de bar. Música inclemente y mentada de madre sonora. Todo un himno para el misógino. Double Talkin' Jive escrita y cantada por Izzy.

November Rain: Axel la tenía en pedazos en 1983 y era lo único que podía tocar en piano. Axl le repetía a su amigo Tracii Guns: "Algún día esta canción será muy buena, lo es ahora pero no está terminada". Cada vez que Axl iba a un hotel y veía un piano se sentaba a tocarla sin mayor mejora. Guns le preguntaba-¿cuándo la vas a terminar? Axl respondía -No sé qué hacer con ella-. Para 1986 y con el disco debut a medias. Se grabó una primera versión de 18 minutos de la canción. November Rain desató molestias entre Slash y Rose por la vena sinfónica que exploraban ya que iba en contra de la banda. Axl lo convenció y después de tantas ediciones y solos rockeros de Slash la canción encontró un balance. November Rain posee una letra delicada y honesta que intenta persuadir y convencer con empatías solitarias que el amor debe trascender más que una lluvia de noviembre. Los dolores compartidos deben terminar y la pareja debe encaminarse hacia un final feliz, eterno y real. La música se apodera del que lo escucha por su fuerza orquestral, y los solos inmortales de Slash.

The Garden Alice Cooper, Shannon Hoon y Axl hacen una tripleta vocal intersante. La canción trata de un putero de Nueva York donde todos pierden su virginidad. Garden of Eden. Trepidante sonido. Imparable, no te deja un momento para respirar. Es rocanrol así de simple.

Don't Damn me El juego de los medios amarillos y la prensa de corazón inspiraron a Rose a escribir una canción para contestar a los tabloides: Don't hail me / An don't idolize the ink / Or I've failed in my intentions / Can you find the missing link / Your only validation is living your own life. Bad Apples es una canción explícita sobre el éxito y sus daños colaterales. Talvéz los rockeros son figuras incomprendidas, complejas o seres humanos irresponsables. Axl intenta aclararnos el panorama pero nos deja más confundidos.

Dead Horse. Ya habían pasado 2 años de la salida del disco y recuerdo que la Metroestereo (radio de Guatemala) sacó el último As bajo la manga para no despegarse de Guns. La canción te atrapa. Es rock de gran factura con letras ávidas de sabiduría buscándola en un vaquero o un gurú que señale el camino correcto.

Coma, Épica canción de 10 minutos. Axl cuenta que llevaba un año escribiendo Coma. Llegó al estudio con el ánimo de terminarla pero se desmayó. Despertó dos horas después y terminó la canción. La duración la hace difícil para su interpretación en los conciertos. Sólo la han tocado 4 veces y no hay ninguna intención en volverla a ejecutar. La canción aborda esa delgada línea entre la vida y la muerte. Bastante espiritual o al menos, busca de una postura por parte de Axl.

Las 16 canciones de hardrock del Use Your illusion I, lo hacen un disco enorme. Sinfónico con altas dosis de rock influenciado por el entorno en el que creció Axl, algo que ha dicho en muchas ocasiones, lo influyó de una forma negativa y desmoronó su visión sobre la mujer y la vida. Esta primera entrega es poderosa. Vendió 20.8 millones de discos en todo el mundo. Increíblemente el disco se hizo y se terminó en pocos días en la casa de Slash, luego de meses de ningún ápice de productividad. Enorme álbum de una de las más grandes bandas de rock. Posee muchos clichés pero aquí la regla de la sobredosis de clichés poco importan si lo que se intenta es, al final de cuentas, estremecer tu cabeza.

GN'R: DE LO RÚSTICO A LO FINO

Con el éxito para presumir alcanzado con el Appetite for Destruction, Guns N' Roses decide relanzar Lies. La placa fue puesta en circulación en 1986 bajo el nombre de Live ?!*@ Like a Suicide con un tiraje de 10 mil copias entre viniles y casettes ( si pubertos antes del CD habìa una cosa que se llamaba vinil, y unas cosas cuadradas de plástico con cinta magnética que se metían en las grabadoras para ser reproducidas, esos eran los cassettes).

En su cara A, el disco tenía dos canciones originales y dos convers; las cuatro en vivo. Inicia con la original Reckless life que reúne la actitud de rocanrolero en busca del sueño americano; el dinero, la fama y el éxito. La adicción, el hedonismo, sin remordimientos; es el único vicio. Tengo que conseguirme uno. Nice boys de la banda australiana Rose Tatto. Me remite a Nice Guys Finish Last de Green Day del álbum Nimrod. Sin duda es malo ser bueno. Nice boys es una canción sucia de Bar Harley Davidson en medio del oeste. Move to the City Los títulos de las canciones del demo no van más allá de lo que prometen. Guns es elemental por lo menos en esta cara. Rock de cabaret de puñetazo cervecero, quiebre de silla en la espalda y peperecha de pelos con spray, masca-chicle, colegiala y/o menor de 18 años. Eso es en sí la canción, claro sarcástica y "optimista". Mama Kin de Aerosmith y escrita por Steven Tyler. Parece una versión nueva de Maggie's Farm de Dylan, lo digo por la letra. En cuanto a diferencias, la versión de Guns tiene tamaños. La voz de Tyler asusta. Parece como si la cantara el vendedor de trajes de tu centro comercial más cercano. Axl la canta como que si estuviera insultando.

Aquí empieza Lies. Patience. Escrita por Stradlin. Parece como si inventaran el rock-western (¿existe el término?). El silvido, las guitarras y los acordes de blues. sin embargo, la letra tiene una magia de honestidad que cuesta creer luego de venir oyendo los churros anteriores. Guns encuentra en Patience validez. Y no es que se la haya ganado con el Appetite, lo que sucede es que el aire de Patience resulta ser convincente porque es un grupo que logra capturar con poca instrumentación y atmósfera minimalista, un gancho que atrapa sin llegar a delirios sexuales o pedofilias. Patience es un blues de amor desesperado. Gran diferencia entre una canción de amor y una rosada y ridícula. 5:56 minutos bien invertidos.

I used to lover es una "macha" canción con sentido del humor. Muy típica del oeste o temática country. I used to love her, Mm, yeah / But I had to kill her / She bitched so much, She drove me nuts / And now I'm happier this way... y te deja con una sonrisa a pesar de todo: I had to put her, Oo, six feet under / And I can still hear her complain.

You're crazy del Appetite en su versión unplugged. La canción es mucho más digerible que en su versión ruidosa. Se disfruta mejor. Y por fin le entiendo a Rose.

One in a Million es la controversial. En una entrevista Rose aclaró el sentido de "faggots y niggers" en la letra de la canción, tanto que se le tachó de homofóbico y racista. En el caso de Niggers, Rose recordó que el término ya había sido usado en una canción de Lennon llamada Woman is the Nigger of the World donde se empleó el término dentro de un contexto positivo. También confesó ser fanático del grupo gangsta rap NWA (Niggaz With Attitude). Según se dice, la madre de Slash que es mulata, se ofendió con la canción por la referencia peyorativa y Slash que es, digamos 1/2 de color, se negó a interpretarla en vivo. Rose aclaró todo ese enredo al señalar con insulto a todo aquel mal ser humano que trataba de robarle o aprovecharse de él, expresando de esta manera, su ira y lo sensible y solo que se sentía al toparse con esas situaciones. Sin embargo, Rose no se señala en la letra como un White Trash, digamos, si en este mundo existiera justicia y objetividad, y si queremos emplear un termino racista para definirlo. Al contrario, se describe como un haragán y un pequeño blanquito que trata de sobrevivir utlizando ambos términos como epítetos humorísticos. Te pone en qué pensar. "No es una canción que escribiría hoy", dijo Rose.

Con esa controversia amarillenta termina Lies. Un disco que tiene ese desequilibrio entre demo y música original. Lo que pasa es que el valor de Patience salva, y por mucho la dignidad del álbum. Sin ésta, el disco nunca hubiera salido. Con la magia y atención ocasionada por Appetite for Destruction, los Guns, se dan el lujo de meternos un disco de lados B como nuevo material. Pero Lies tiene momentos acústicos muy bien logrados que demuestran el talento de sus integrantes a pesar que son canciones refritas y cumplen con darles una identidad propia. Lies vendió 13.3 millones de copias en todo el mundo. Nada mal para ocho canciones. A pesar del espaldarazo de autoridad, lo que se viene es puro fenómeno mundial.

GN'R: APETITO POR SEXO DROGAS Y ROCANROL

Esto parece un chiste: Dicen que iba Axl Rose, (también llamado William Bruce Bailey) caminando por la calle, él como todo rockstar, cuando un drogadicto se le acerca y le entierra un cuchillo en el estómago. Desangrándose en el pavimento el drogo le dice: You know where you are?, you're in the jungle baby, and ¡you are gonna die!. Frase memorable para encapsular todo ese odio y desprecio que sentía por la Gomorra de la costa oeste (la Sodoma es Las Vegas) como es Los Ángeles.

Gun's n' Roses es una composición, muy floydiana, de dos bandas: Los Hollywood Rose donde Axl conoce a Izzy Stradlin y después se va a otra banda llamada L. A. Guns donde conoce a Slash. El sonido en sus principios era como escuchar a Aerosmith. Slash un blusero de sepa llega a L.A. Guns con el corazón roto luego de ser rechazado por la banda Poison (por no ser lo suficientemente lindo). Duff McKagan respondió a un anuncio de prensa. Mientras tanto muchos cambios y peleas dentro de la banda. Steven Adler sería el último en entrar en 1985. Empiezan las giras y demás. David Geffen el pobre multimillonario que por aquellos tiempos era un ser con bastante dinero y dueño de Geffen Records, los firma para su disquera. Geffen era amigo de la familia de Slash y gracias a las existosas presentaciones de la banda en lugares legendarios como el Whisky A Go-Go fueron suficientes para firmalos. El sexo vende y el rock igual. Nadie se puede resistir a una gran orgía de rock and roll.

Las grabaciones empezaron. El Appetite for Destruction no es otra cosa más que ACDC y Aerosmith embotellados con grandes dosis de esteroides, testosterona y cocaína. El Appetite... está saturado del machismo de mal gusto, que a veces lo abarata y que por momentos es su mejor fortaleza. Esa combinación es tremenda y el producto tuvo como resultado: El mejor disco de hardrock. El símbolo sexual en que se convirtió Axl dejó que las féminas se arrodillaran con hambre sexual y lo contemplaran de rodillas como: El Dios de la Defloración (Término utilizado por los pornógrafos ilustrados).

Mi primer contacto con Welcome to the Jungle fue en la película de Harry el Sucio. En algún momento de nuestra vida todos quisimos ser Harry Callahan y tener una Magnum .44, el arma más poderosa del mundo. Extraño es ver a Jim Carrey como el rockero drogadicto que está oliendo cocaína mientras Welcome to the Jungle suena en el fondo. El grito de Axl es una sirena. Quizá como el que escuchó en su letargo agónico en aquel ataque.
El riff atrapa desde el primer momento. Con un humor sarcástico casi letal, hedonista y con un rocanrol intoxicante. La letra igual de trepidante que la canción. Es como besar a una serpiente.

It's so Easy Machismo a morir. Turn around bitch I got a use for you / Besides you ain't got nothin' better to do / And I'm bored. La música tiene un ritmo a coito violento de sometimiento en doggy style con halón de pelo y el susurro: You like it bitch? HUH?. Después, el baño del semental.

Nightrain. Es una canción de pordiosero de cantina, dedicada a un vino de bajo costo que daba una gran patada de cruda. La canción se explica po sí sola. Out ta get me es un guiño a ACDC. Rose imita muy bien a Bon Scott.

Mr Brownstone escrita por Izzy Stradlin. Una oda a la heroína. Escrita cuando Axl y Slash utilizaban la droga con mucha frecuencia. Letras pegajosas.

Paradise City ¿Quién no quiere ir? De las canciones más insignes de la banda. Riffs y cambios de ritmo suficientes para hacer bailar a una serpiente. El coro no digamos. Take me down To the paradise city / Where the grass is green / And the girls are pretty / Take me home. El video grabado en el estado de los Giants de New York en una gira cuando los gunners le habrían a Aerosmith.

My Michelle una canción dedicada a una amiga de la banda Michelle Young. Axl siendo el idiota que es, se la escribió con el ánimo de ofenderla utilizando datos sobre su vida. Rose pensó que se sentiría ofendida pero a la chica en cuestión le encantó la roleja, por honesta. Thinking about you. Romántica y cursi. Axl a veces puede ser tan flojo y rosado que desconcierta.

Sweet Child o'mine. Slash jugaba con distintos riffs y le salió este churro circense. Adler descansaba y al oírla le dijo que la tocara otra vez mientras empuñaba las baquetas. McKagan cogió el bajo. Axl tenía una letra que se la había escrito a su entonces novia y después esposa Even Everly. Axl encuentra en este himno rosa otro sencillo que los hizo inmortales. "Es de esas canciones que se escribieron en 5 minutos y la utilizaríamos como relleno del disco, este no era un sencillo", dijo Mckagan en una entrevista. Talvéz uno de los ejercicios románticos y dramáticos más interesantes es November Rain pero ya llegaremos ahí. La letra igual se explica sola. Slash despreció por mucho tiempo la canción; entiendo porqué. El solo es de los mejores. Las versiones grabadas por otros artistas causan pena ajena pero es la percepción de cada quien que tuvo la osadía de regenerarla.

You're Crazy. Rocanrolera a morir. Anything goes. Es de esas canciones cachondas para proponer a una pareja que le encante el sexo y le guste experimentar. Divertida. Rocket Queen. Es intencionalmente morbosa dice la leyenda urbana. Axl quería incluir en la canción sonidos de sexo, así que trajo a una mujer y cogieron en el estudio. El productor Steve Thompson grabó la sesión de 30 minutos de intenso sexo. La revista Rolling Stone derribó la leyenda cuando publicó que una mujer llamada Adriana Smith ex novia del batería Steve Adler grabó los gemidos. Ni modo.

Appetite for Destruction es hardrock de pinga izada, baños de semen regados en tetas vírginales con grandes solos y ritmos serpenteantes. Nada más. Si esto parece poco las credenciales de ventas del disco llegaron a 33.5 millones en todo el mundo. Se dice que vendió por mucho tiempo 10 mil copias al día. La portada fue cambiada porque Axl quería la imagen del robot violador que en los cds está en el centro. Geffen se negó rotundamente al capricho y tampoco le gustó la portada de las calaveras, pero tuvo que ceder. Igual el disco y portada son memorables. Aquí se cumple el cliché de Sexo, Drogas y Rock' n' roll. Todos ganamos.

METALLICA BLACK ALBUM.... EL MEJOR DISCO DE ROCK

Lo primero que recuerdo del Metallica/Metallica... es caminar por la sexta avenida de la zona 1 de la ciudad de Guatemala y escuchar en cada puesto pirata una canción del rebautizado Black Album. Entrar a la Plaza Vivar y bajar por esas escaleras de caracol y encaminarse a la iglesia de rock que era ese local llamado Rock Shop, era como un regreso a casa. Un templo al rock, al Metal, que tenía ídolos en las paredes, Ozzy, Alice Cooper, Slayer, Sepultura, Pantera, Anthrax y claro Metallica. Los que entramos, ésa vez, a Rock Shop a contemplar aquellos discos, camisetas, llaveros quedamos impávidos cuando empezaron los acordes duros de Sad But True. Todos sacudimos la cabeza, coreámos las letras y sacamos nuestra guitarra de aire. Juro ver en los rostros de esos fanaticos, a Hetfield, Hammet, Lars y Newsted. El volumen subió de música de fondo a decibelios de avión. HATE... I'M YOUR HATE WHEN YOU WANT LOVE, gritaba Hetfield. I'M YOURS, SAAAD BUUT TRUUEEE.

El album negro tuvo 12 sencillos, todos supremos. Las estaciones de rock de aquellos tiempos tardaron más de dos años en digerir todo el disco. La Metroestereo pasó 91, 92 y 93 con los sencillos de Metallica entre los primeros lugares en su programa Las Metrodiez. El trash pasó de subersivo a lo pop. Los "metrovisores" porque en aquellos tiempos la música provocaba imágenes mentales, decía el promocional, -al menos ése era el concepto-, saturaron las ondas radiales de estos acordes inmortales. Algunas radios que no sucumbieron al metal, por su alto contenido satánico, decían ellos, después de tres canciones a regañadientes, nunca más volvieron a poner una canción del álbum en referencia. Hubieran preferido que no existiera, pero así era la 95 y la Doble SS. La metro siguió hasta la saciedad.

El fenómeno del Black Album llegó hasta un concierto en Rusia cuando Metallica inclinó 2 grados la rotación de la tierra con su rock pesado y cerca de un millón de rusos golpearon la tierra más que las bombas atómicas de Japón y todos los tanques dispararon durante el régimen comunista al mismo tiempo. No miento. La gente en ese concierto es lo más cercano a contemplar un mar. Los integrantes de Metallica podían ver la curvatura de la tierra.

Si recordamos las sesiones de grabación, el proceso fue tedioso. Irrespeto entre los integrantes y el productor Bob Rock. Cansados de sus largas canciones y problemas de amnesia musical en los conciertos, Metallica quiso hacerlo simple. "Cortes (comer)musicales con altas dosis de rock, compactos y pesados". Fue otra dirección y el Metallica, me refiero al disco, fue un parte aguas para la banda.

Enter Sandman: Criticada por la plegaria infantil. Sandman es una especie de ironía tenebrosa con mucho humor al estilo de Black Sabbath. Un niño que reza para que el Coco no se lo coma.



Sad But True: Retumba, suena como la caida un peñazco. Hetfield es la personificación de la actitud. Los espacios de tiempo entre cada compás le dan la oportunidad a Lars de usar la batería como un campo de tiro especial para escopetas. Las guitarras bufan y el bajo suena como el grito de apareamiento de un cocodrilo. Las letras responden a una esquizofrenia, o entidad malévola dentro de uno mismo; una posesión. I'm your dream, make you real / I'm your eyes when you must steal / I'm your pain when you can't feel / Sad but true... I'm You sentencia Hetfield.



Holier than Thou: Es una rimbombante canción donde confluye todo; solos acrobáticos, metales duros y bajos guturales.



The Unforgiven: Una balada memorable. El solo de Hammet fue diseñado en microscopio. El sentimiento de la voz de Hetfield es duro al principio y absolutorio en el coro. Una mirada al futuro de un viejo que se consume y que no logró su sueño americano, de allí su odio propio. ¿Puedes juzgar al que se odia?



Wherever I May Roam: Una entrada pesada y después un ritmo frenético. El bajo y la batería parecen un ensayo nuclear en el subuselo. Las ondas atómicas se expanden lentamente mientras Hetfield sentencia y declama soledad violenta. Where I lay my head is home Los efectos de sonido de Wherever I May Roam son de gran factura. Un universo de poder en 6 minutos con 44 segundos.



Don't tread on me: No provocar a la Bestia. Metallica navega por aguas rockeras explayándose en lo que sabe hacer mejor.



Through the never: Rapidez y actitud rebalsan en esta canción. Parece un guiño de lo que sería Fuel. Una búsqueda interminable para animar una canción.



Nothing Else Matters: "Estaba hablando con un amigo cuando empecé a tocar la guitarra y salieron las primeras notas de la canción le tuve que decir que lo llamaba luego y le colgué rápido" (claro que Hetfield lo cuenta más chistoso). Beth de Kiss es una canción de rockeros para sus esposas y decirles: No te preocupes cariño, estaré con los chicos tocando en la noche". Metallica eleva el drama de la soledad de estar en gira con una carta de amor a nadie, a la novia que se fue. Una realidad dura para un éxito casi maldito. Lo que importa es lo que tengo y nada más. Never opened myself this way / Life is ours, we live it our way / All these words I don't just say / And nothing else matters. El solo de Hetfield no tiene precio. La instrumentación casi invisible de Michael Kamen es la guinda, pero éste, sólo es percibido al escuchar el corazón de la canción.



Of Wolf and Man: La transformación del humano a un animal. El despertar a colmillo y hambriento por víceras y sangre. Tiene una atmósfera y al escuchar la frase I feel I change... parece la voz de Mustaine. ¿Sufriré de culpa porque David no está?



The God that Failed: El bajo dirige ésta canción. Pesada y densa. El headbagging hasta que la cabeza se desprenda. Antireligiosa, Dios es un debilucho: I see faith in your eyes / Never your hear the discouraging lies / I hear faith in your cries / Broken is the promise, betrayal / The healing hand held back by the deepened nail /Follow the god that failed. Un coro pegón y headbangguero.



My Friend of Misery: Un canción de rock duro e intenso. Increíblemente optimista a pesar de su densidad. El arpegio del bajo parece lo que un ángel oscuro tocaría para guiar al tormento eterno de la nada. La letra escupe al sentimiento del noble sacrificio que nadie valora. / You still stood there screaming / No one caring about these words you tell / My friend before your voice is goneOne man's fun is another's hell. Esta canción se queda en uno por mucho tiempo.



The Struggle Within Un pequeño trash pop para terminar el disco. Rapidita sin mucha presión. Un coro a lo que va. No pierde el tiempo.



El Metallica/Metallica ganó todos los records de ventas. Hasta la fecha ha vendido casi 20 millones de discos en todo el mundo. Le dio una dirección más popera a la banda, que buscó en los años siguientes canciones más apropiadas para la radio. De pronto una banda que era de culto explotó como la presión de una gaseosa y se extendió por todos lados. Hasta los piratas de la música que por aquellos tiempos, eran férreos adictos a la lambada, se cambiaron al Metal y lo volvieron moda. El rock nunca fue tan fuerte. El Black Album, les ganó a todos.

*AND JUSTICE FOR ALL... EL MONSTRUO DEL TRASH

Aunque resulte denigrante llamarlo el mejor álbum trash, no se le compara con decir el mejor Álbum de Metallica de los 80's y el más importante del Heavy Metal hasta ahora. Complicado y sobreproducido, si sonar despectivo, el Justice es el disco más ambicioso que la banda ha hecho hasta la fecha y suena tan actual. El mensaje político no ha envejecido ni un ápice. Volvamos la mirada sobre el hombro un momento. El genio murió. Y la depresión cayó en los integrantes, no digamos los fanáticos, al morir Cliff Burton en una gira por Europa, específicamente en Suecia fue demoledora. La suerte se lo llevó cuando en un juego de cartas, Burton le ganó la cama del bus a Hammet, quien tuvo que dormir en un asiento. El accidente provocó que Burton no abriera los ojos jamás. El conductor del bus perdió el control. Solo podía decir que un peñasco en medio de la carretera lo hizo volcar. Todos buscaban a Cliff y un James fúrico fue a estrangular al chofer para preguntarle por la suerte de su amigo. ¿cuál fue la piedra con la que chocamos?, gritaba James

Con el futuro pendiendo de un hilo contrataron a Jason Newsted bajista del grupo Flotsam and Jetsam. Éste intruso tenía grandes zapatos que llenar y solo porque tocaba el bajo no sería lo suficiente para ser bienvenido al círculo más que una simple cortesía. Su bautismo fue terrible. Le cargaban las cuentas de alcohol de la banda, que por aquellos tiempos tenían el mote de Alcohólica por razones obvias y decían que era un homosexual. En todo el disco Newsted es casi invisible. Sus ideas fueron ignoradas y en las sesiones de grabación fue reducido a músico suplente. Mi primera impresión fue preguntar si Metallica tenía bajista. Aún así empezaron las grabaciones.

Blackened es bestial, imponente, con un estribillo que va acompañado de dos partes instrumentales donde Hetfield vomita depresión y desolación sin clemencia.



And Justice for all... Una canción de casi 10 minutos. Muy complicada con numerosos cambios de ritmos y letras corrosivas que señalan con dedo medio al sistema de justicia de EEUU. A Metallica se le hacía muy difícil interpretar ésta canción en conciertos, se perdían. Hammet dijo que nunca volverían a tocar esa "mierda" de canción.



Eye of the Beholder es la venida de un gigante. Beholder delimita y reprime la libertad más no para el que la puede comprar. Mientras haya dinero la justicia funciona. Un mensaje aberrante a todas luces.



ONE es terrorífica, magistral, dolorosa y potente. Sus letras son lacerantes y los solos de guitarra hacen temblar hasta al guitarrista más experimentado; una parte instrumental que pone eriza la piel. Hetfield sentencia, lapida y la música obedece. Hammet despega con solos imposibles. Korn sacó la tarea de convertirla en una canción de radio con una presentación en el tributo a Metallica de MTV. Metallica tuvo que poner su mejor cara para no reír. Hacer el video representó para la banda trashera una escupida a sus fans más hardcore. "Se vendieron" gritaban al mismo tiempo que se rasgaban las vestiduras y aplaudían el video.



Para The Shortest Straw el hambre de fuertes acordes no puede pararse. Y es que todavía falta lo mejor. Metallica viaja con más speed metal de gran factura. Ulrich nunca sonará mejor que en cualquier disco. No le alcanzaron las extremidades para cada canción.



Havester of Sorrow es una canción que sirve para violentar nuestra nuca, levantar la mano y gritar las letras. Harvester suena imponete. Lo mismo para The Frayed Ends of Sanity.





To live is to die, es sin duda, la canción más conmovedora de metálica. Intensa. Tiene la letra de la lápida de Burton: When a Man Lies He Murders / Some Part of the World / These Are the Pale Deaths Which / Men Miscall Their Lives / All this I Cannot Bear / to Witness Any Longer / Cannot the Kingdom of Salvation / Take Me Home. Su epílogo



Terminamos Dyers Eve el último vómito. Y es que en Justice... nadie se salva. Familia, justicia, el sueño americano vuelve a morir una y otra vez.



Metallica firma con letras de oro el disco más importante de su historia. El Metal es inmortalizado en este disco y gracias a él nunca morirá. Sigue haciendo justicia para todos aún.
*Post realizado para los 20 años del disco.