QUEENS OF THE STONE AGE: CON LA PRECISIÓN DE UN RELOJ

Fácil, fácil se puede caer en aquel déja vú de hace como 11 años donde salía el baterista de Nirvana o si se es más exigente, en una caricatura sexual con siluetas sobre un pick up a toda velocidad. Sí, claro un accidente de dos canciones exitosas. 

Josh Homme es un tipo que encuentra música en el chillido del yeso sobre el pizarrón, en el taladro cuando rompe un diente, en el crujir de los huesos, en un hachazo en el cráneo, es decir, si es alguien que en el baño caga humanos o llora petróleo; mucho mejor será la melodía. Depende claro de la inspiración. 

Ciertamente una operación en la rodilla se convirtió en una exageración de grandes proporciones al punto que Homme ya tocaría la guitarra en otro mundo. Todo ese delirio de hace dos años al ver la puerta hacia otra dimensión provocó este otro delirio musical. Homme se despertó zombie. Descansó 4 meses de todo el escenario musical y mierdas personales afloraron agangrenadas. Los otros miembros apoyaban a Homme para que regresara a grabar -¿De verdad quieren grabar un disco conmigo ahora?, preguntaba. No había otra que salir de ese cuarto y así nace Like Clockwork. Puntual aunque no sabemos de quién es el reloj ni quién lo tiene.

Queens of The Stone Age es un frankenstein de miembros. Dave Grohl y Mark Lanegan van y vienen cuál invierno de inspiración y después, quien esté disponible. En esta ocasión Trent Reznor, Alex Turner de los Artic Monkeys y hasta Elton John con el piano; vamos que no es difícil identificarlo. Hasta un tipo de los Scissor Sisters está ahí metido, sospecho que es el talentoso. Like Clockwork es el séptimo disco de QOTSA, sexto de estudio y de los más esperados luego de 6 años. Y es que Homme estuvo de gira con la banda durante mucho tiempo. Con el amargo y enorme Era Vulgaris fueron 3 años. 

Homme es la voz principal en todas las canciones. El disco tiene alma, rocanrol intoxicante, y por supuesto cinismo y veneno en sus letras. Sin embargo, Queens of the Stone Age suena a estado maduro, desde la perspectiva de un crítico de rock. Pero esto, es música para muerto viviente viril y punketo que en algunas canciones caminan 10 pasos cual caballero y después, rompe en zig zag frenético tirando extremidades como regalos. 

Keep your eyes peeled  parece una mirada amenazadora, con un bajo que se levanta un poco el sombrero antes de encender el cigarro. Después la canción hace su magia, escupe el delirio de la agonía con un riff que te eleva como gancho entre la quijada: Fallen leaves realize they are no friend of autumn / The view from Hell is blue sky / So ominously blue / I daydream until all the blue is gone. 

I Sat By The Ocean El despecho con actitud de negación. Las mentiras que nos decimos para engañarnos, engañarse, engañarla, engañarme. La dimensión de la mentira. 

The Vampire Of Time And Memory  Es terminar con todo. Ocupar un espacio solo sin reflejo, abatido y sin corazón. You think the worst of all / Is far behind / The Vampyre of time and memories, has died I've survived, / I speak. I breathe, I'm incomplete.

If I Had a Tail la guitarra es un guiño a Gimme Shelter de los Stones, pero alguien podría romperme los dientes. Es el primer sencillo del disco. Homme pide a gritos ser un animal que engulle carroña a media noche. Ciertamente ésta es la canción para masticar restos.

My God is in the Sun Trepidante ritmo muy característico de QOTSA, podría ser el siguiente sencillo. Buenos riffs para subir y bajar en la guitarra.

Kalopsia Extraño delirio para hacer más bello de lo que realmente es. Aunque, si no estamos enfermos de este desorden, puede sumergirnos en un estado etéreo; mundo Radiohead, sí, Pyramid Song casi. Flotar sin destino. Volar en los últimos 15 minutos de odisea espacial de Kubrick sin la cagada de aterrizar en el cuarto. Fates favour the ones / Who help themselves / The rest feel the sting of the lash / As they run To hell. Tener Kalopsia por siempre.

Fairweather Friends Estridente con solos de alarido. Dedicada a aquellos amigos de fiesta, orgía, droga; de ejemplos poco admirables. A esos a los que Homme les saca el dedo y les dice que se pudran. 

Smooth Saling robusta y con ritmo funky, con mucha actitud. Todo un despilfarro de ego despues de una aventura, digo, sin querer hacer daño a la rola. A puro paso de James Dean al salir de un antro.

I Appear Missing Aquí yace el corazón de Like Clockwork. Es un pedazo de órgano, que deambula y se pierde entre la niebla; un déja vú. El extrañar un miembro amputado. Caminar, caerse y romperse los dientes sin darse cuenta y después reaccionar; 8 horas después.  I go missing / No longer exist / One day / I hope / I’m someone you miss.

Like Clockwork La añoranza de aquel salvamento. Homme evoca fantasmas donde la dura enseñanza es una sabiduría de un fantasma de navidades pasadas.

Like Clockwork es un disco que no viene a salvar a alguien, ni a dejar grandes enseñanzas. Nos recuerda que vivimos y morimos de sueños mientras caemos de un edificio de 1000 pisos.

Suena al mejor disco de QOTSA, grandes instrumentaciones, con fuerza, ritmos de rocanrol, dimensional, inquietante y con la etiqueta de pateahuevos en el zapato. Un gran disco desde el exitosísimo Song for the Deaf, y le gana por muy poco al Era Vulgaris (2007)  y Lullabies to Paralize (2005), por muy poco. 

I APPEAR MISSING

 

CONCIERTO EN LATE SHOW DE DAVID LETTERMAN

MI TOP 5 DE RADIOHEAD

Ha sido complicado. Escoger cinco canciones de Radiohead ha sido un parto. Mi razones creo, que son un tanto políticas. Creo que son las que más reflejan mi personalidad combativa y cínica, por así decirlo. Estas canciones encierran demasiados conceptos en pocas oraciones. Muchos sentimientos y temas dentro de una canción y la mayoría se conectan entre ellas. Cada una está a cuatro grados de la otra como el rompecabezas de Kevin Bacon. Solo que éstas sobresalen porque se paran sobre las pequeñas y golpean más fuerte.

Estoy tan sincero que podría revelar hasta mi top cinco de discos. Creo que dentro de mi forma de pensar, en este tiempo que llevo de vida, hay un disco que continúa susurrándome y es Ok Computer, le tengo mucho cariño a este disco. En un segundo lugar y muy cercano sigue In Rainbows; tercero The Bends, cuarto es Hail to the Thief como un todo y por último Kid A. En cuanto a canciones creo que me quedo con éstas. Mucha gente se encariña con la nostalgia y las ganas de llorar que despierta en cualquiera Radiohead. Tengo pensado hacer una lista. Sin embargo, el aporte musical y lírico que encuentro en estas canciones refleja todo lo que es la banda y mi forma de sentir. Algunas tienen ese juego entre cínicas y sarcásticas con música muy conmovedora. O hacen la conexión con el video y a partir de ahí la convierten en una canción existencial y profunda aunque la letra no diga mucho. Intenté no caer en ese nicho, aunque es parte de lo divertido de la banda y, tengo que decirlo, lo hacen con gran maestría. Creo que hasta cierto punto me tomé muy en serio el top pero puedo desbaratarlo en cualquier momento. Es primera vez que hago esto con un grupo. Mañana puede ser otro y pasado también puede cambiar. Ahora estoy desencantado de todo, así que este es mi top 5.

5. Pyramid song.

Es apocalíptica. A mi entender es sobre la muerte. El viaje que tendremos que hacer. Todos vamos juntos o por lo menos con las parejas que nos amaron (menos mal), sin miedo que tener y sin dudas que guardar. Es la soledad del viaje. Lo que vi y lo que fui lo tengo aquí conmigo. Al fin creo, soy lo que soy: Mi propia esencia y eso es inmortal. En el final del video se elevan dos luces a jugar. Creo que es la culminación de la búsqueda que hacemos en la vida. El encuentro de las almas, la felicidad última. Las tragedias de la vida sólo son un estorbo. Todos somos luces y somos reales allá. Aquí, un mal chiste. (Ya revisé y parece que vienen todas... Diablos)



4. Optimistic.
Es la crítica a la sociedad. Parece como si dijera que los mortales somos carne para los buitres llamados: la clase poderosa. Divierte la idea del juego infantil de los cerditos con los dedos. Solo unos pocos ganan en el embudo de la vida. Todos se pelean por pasar por el ojo deuna aguja. Lo peor de la civilización. Nos comemos entre todos. Hacé lo que podás igual no vas a ganar. Podés tratar lo mejor que podás dice y parece como si dijera: Los ricos ya estamos cabales aunque te esforcés. Me alegra saber que la vida cambia y que estas reglas escritas en piedra cada vez se llenan de polvo. Cierto, soy optimista.



3. Fake Plastic Tree

Me encantó la primera vez que la escuché. La voz de Yorke es casi mágica. Encierra muchas cosas. La idealización del ser humano que es al final un espejismo enfermo y un espiral de malas decisiones que solo dañan. Que nos convierte en mejor persona. Mmmm prefiero evitar ese tipo de fintas pero siempre se puede caer. Me encanta y me intriga el título. Todo es artificial, hasta yo. Hay etapas, en que somos una masa estática que no cambia, seres inertes y aburridos que no crecen y se dejan llevar por las apariencias. Creo que es el de los mejores párrafos de Radiohead: She looks like the real thing / She tastes like the real thing / My fake plastic love / But I can't help the feeling / I could blow through the ceiling / If I just turn and run.... It wears me out, it wears me out / It wears me out, it wears me out / If I could be who you wanted / If I could be who you wanted all the time. Así talvéz, te quedas conmigo.



2. All I Need

La canción tiene su sentido del amor muy a su modo. Pero dice: Yo soy, soy tu complemento. Tu no lo sabés. Estás encerrada en tu mundo o en tu ideal que no me ves. Se puede pensar que la letra es bastante ordinaria y torpe. Creo que así es uno de hombre. No esperés más. Conquistas o romeos suicidas que profanan corazones equivocados. Tu eres todo lo que necesito, estoy en medio de tu foto, escondido entre arbustos. I only stick with you / Because there are no others.



1. Paranoid Android

Es de las que más me gusta Radiohead. La canción es muy cínica y usa imágenes infantiles para reflejar comportamientos estúpidos como intentar que un robot tenga sentimientos. La canción te mantiene al filo del asiento con los cambios de ritmo. Radiohead se burla de todo aquí. Los solos de guitarra de Jonny Greenwood son fantásticos. El pasaje de Rain Down es sublime y angelical con ese piano con tonos de ecos. La desgracia total en forma de lluvia. Muy conmovedor. Yorke suena a martir. El segundo párrafo es divertido, explícito y cínico e intenta cerrar con un God loves his children como para tomarlo o dejarlo debido al contexto. De pronto, estalla con una explosión instrumental. A lo lejos oímos a un Yorke burlándose de todo. Supremo.

ALTERNATIVA: LA HISTORIA DEL ROCK EN GUATEMALA

Más allá de ser un documental que detalla el movimiento cultural y subversivo que significa formar una banda de rock, tocar una guitarra, dejarse crecer el pelo y cantar frente a un grupo de jóvenes; cuando vemos Alternativa: La Historia del Rock en Guatemala, somos testigos de una sociedad ridícula, estúpida e hipócrita que desprecia el arte.

Sin duda lo más terrorífico que se puede ver en un documental como éste es lo que no se ve, es decir el ambiente en el que estuvo sumido un movimiento que aún hoy, sigue a su suerte y pidiendo limosna por ahí. El Rock Nacional ha sufrido de todo: chantajes y robo de flamantes productores, payolas mediáticas de las estaciones de radios que son fanáticas de migajas y que gustan de rascar excusados y regodearse de solidarios a la(su) causa. Y lo peor es que estos directores de radio que exigían a las bandas exclusividad (esclavitud es la palabra real) defienden sus colmillos y machete con la dignidad de un genocida con la soga al cuello. Y no nos olvidemos a los fanáticos ingratos y las terribles bandas malas, muy malas. (perdón por reincidencia)

Una gran amenaza que advierte el documental, es la perversión y manejo corporativo que lleva las riendas de algunos grupos que les dictan qué deben cantar y qué deben tocar. La ayuda corporativa es un arma de dos filos. Sí, por un lado te dan de comer pero ya no sos un artista integro; ellos son tus jefes y eso es algo que las bandas no se dan cuenta de esa sutil censura que los agobiará al menos hasta que termine el contrato. (Pero como dice el chapín: Me pela.) Por el otro, bueno, los que critican son los que quieren alcanzar ese nivel de estabilidad.

Lloremos sangre

Los músicos de las décadas 60 y 70 fueron extinguidos al adoptar la música como medio de expresión. Y todo lo que sufrieron inicia como si fuera un chiste de Velorio. Es conmovedora e indignante la pérdida de dos generaciones de rockeros que fueron perseguidos, presos o desaparecidos, en el peor de los casos. Fue muy curioso lo sucedido al grupo SOS que hoy por hoy, es un ejemplo de lucha y sobrevivencia del rock nacional. Sus integrantes fueron culpados de un secuestro y conducidos a Pavón, una de las prisiones de "máxima seguridad" en el país. Y sí. como el video de St. Anger (Gracias David) de Metallica, escogen la prisión para realizar una serie de conciertos hasta que salen de la cárcel y se separan. Terrible es pues, ver esos rostros de roqueros que renunciaron a su elección de vida y llamado espiritual al ser sometidos por el torpe y estúpido cangrejismo de estaciones de radio, represión gubernamental y sociedad conservadora. Condenable sin duda. Entramos a la soledad de Alux en los 80. Hasta al general golpista y genocida Efraín Ríos Montt es sacado a bailar en el documental al imponer una curiosa ley que consistía en obligar a las radioas nacionales a incluir grupos guatemaltecos dentro de su programación. Pareciera que este figurín se convierte en un invisible benefactor de la música nacional guatemalteca y años más tarde del rock. (Válgame Dios). Después entramos a los 90 y la llamada década de oro.

El caso más hilarante y patético es el bar Bad Attitude que desde su inauguración en el 2003 tuvo que firmar una cláusula en la que se le prohibía realizar ritos satánicos y sacrificios humanos en favor del rock. Pero la cosa no para ahí, por estos días, libra una batalla con la Municipalidad de Guatemala que sigue con la necedad de cerrar ese templo de rock al apoyar nuevos talentos por el simple hecho de que no encaja en sus planes de un nuevo y rentable centro histórico que nuestro alcalde quiere construir. Si señores hablo de este pais llamado Guatemala. Y aquí pasa esto.

Los rockeros marginados

Algo que no menciona el documental y es criticable desde un punto de vista amplio es que solo se entrevistó a las bandas que lideraron el movimiento noventero como tal. No se mencionó la moda en que se convirtió tener una banda de rock y que muchos músicos hacían sus academia para enseñar a tocar guitarra o algún otro artefacto sonoro. Si, se volvió un negocio. Faltó un poco de autocrítica hacia los grupos pero bueno se entiende: nadie escupe al cielo.

Recuerdo que en 1996 era común escuchar una entrevista diaria con alguna banda nueva que llegaba con una canción bajo el brazo y que dependía de los 3 o 4 fanáticos que tenían para meterla a programación o del resto de radioescuchas que condenaban aquella perdida de tiempo sin ritmo ni lírica. Se olvidó de grupos que alcanzaron la efímera fama en el MTV en programas de videos de bandas latinas en busca del estrellato. Se entiende que en 1 hora y 42 minutos no se puede contar el quijote.

La Resistencia

El movimiento de los metaleros en el país es otro de los capítulos dignos de contar y encapsular en una cucaracha atómica. Inmortales sin duda, los grupos de metal que siguen en pie y continúan haciendo toques y sacando discos, manteniendo una integridad que es alérgica a los medios de comunicación. Bien por ellos. Metal Requiem, banda que le abrió a Megadeth el año pasado, es de las bandas que lideran el movimiento en la actualidad como nuevo talento.

Haciendo a un lado todo lo malo, el documental explora aquellos grandes momentos que hacen que todo lo que he escrito hasta el momento valga una escuálida sanguijuela. El futuro del rock nacional si bien ahora no goza de ningún apoyo radial se niega a desaparecer en la subversiva y democratizada internet redes sociales y radios en línea que lo apoyan por puro amor a la música y porque vale mucho.

Sin duda los momentos mágicos del documental son los protagonizados por la fanaticada. Rasga el alma ver a todos saltar y bailar como hermanos en puro slamming, coreando canciones y recordando a los caídos como Ricardo Andrade.

Alternativa: La Historia del Rock Nacional es un documental que debe ser visto porque es necesario ingerir esta mentada de madre que nos hacemos nosotros mismos y en el mejor de los casos, inciar un cambio por nuestro propio bien para empezar a perder la piel de sociedad rastrera. Aquí conocemos la poca moral de los empresarios, la desesperanza de la gente y la trascendencia de los músicos que alcanzaron un lugar en la eternidad rockera. Y lo vemos en sus ojos. Sin duda mucha tela que cortar. Así somos me digo pero yo escupo al piso.

Dirigido y producido por Vinizzio Rizzo y Jorge Espaderos.

MISCELANEA 13: EN LA ENCRUCIJADA

Llegué a la encrucijada y según la mitología del blues, puedo invocar al diablo y realizar un pacto con él para conseguir lo que anhelo. Por el momento no estoy usando mi alma pero es muy temprano para condenarse y conseguir todo fácil me suena a que, me voy a aburrir otra vez. Después de tantas cargas emocionales me veo: vacío. Sensible, aunque no lo crean, no estoy para esas corruptelas, ni marchitas moralejas de cómo funciona el mundo. Agatha me enseño una cosa: a empezar de nuevo. Me rehúso a venderme por comodidad. Y en estos momentos estoy inquieto y no sé para dónde empezar a caminar pero tengo ganas de correr. Necesito volver a encontrar: inspiración. Y en esas estoy. Un amigo me lo dijo puntual: "Estás como Tom Hanks en el final de la película, el náufrago". Yo le agregaría una canción de fondo para que haga juego: With no direction home... Like a Rolling Stone.

Del rock y otras cosas:

La temporada de conciertos de rock fue grande. Sigo con esa tremenda decepción de no ver a Guns n' Roses. Me cuesta un poco oir los discos. Aunque si anunciaran su venida, no lo pensaría dos veces. Murió Dio el inventor de la señal de rock. Bono fue operado y casi se va. Se murió Gary Coleman, otro de los íconos de infancia. Murió Dennis Hopper. Gustavo Cerati está entre que se lo llevan a Argentina para seguirlo tratando o se queda en Venezuela. Un escritor de aquel país de nombre Josué Urreola, escribió una crónica en su blog Rostros en el Viento, del último concierto de Cerati que se realizó en el estadio de fútbol Simón Bolivar. Se lee y se mira como algo que escrbiría yo; al hueso, irreverente y con sabor. Échenle un vistazo.

Del Mundial y otras huestes

A pocos días del Mundial, esto está que arde. Dentro de pocos días se va a venir el opio necesario que necesitamos para éstas crisis que nos caen como lluvia. Muchos le echan la culpa al fútbol de todos los problemas del mundo. ¿Qué culpa tiene el deporte? no sé. Creo que uno escoge que quiere para dormirse y no hay mejor morfina que ésta. En el Real Madrid y con Mourinho firmado, ya veo las copas. Vamos a ver, qué crónicas me salen con los partidos de Argentina, Brasil, España y otros que amerite incluirlo en el blog dependiendo del partido y los goles.

No Direction Home

Algo tiene Dylan. Ver otra vez el documental de Martin Scorsese es como encontrar la brújula. Me alivia. Me consuela también, saber que todos pasan por ello y hablamos del asunto, para agarrarnos del pasamanos o empuñar el bastón y volver a pararse. "Ok ladies en getleman... back from the grave... Bob Dylan"... Ésa es la actitud. "Que durar sea, mejor que arder, mejor que arder". Aplausos.

METALIZACION: KILL EM ALL, LA CRUDEZA DEL TRASH

El primer album de Metallica irrumpió la escena musical del underground de San Francisco en 25 de junio de 1983. La viceral visión del trash y del metal expuesta por estos músicos, fue incluida de inmediato como un clásico del género y a la banda como la más imponente de la escena.

El destino empezó cuando Lars Ulrich puso un anuncio en la revista Recycler para formar una banda integrada por mùsicos que reuniera los requisitos o fuerna fanáticos de la nueva onda del rock heavy metal inglés, dentro que los que destacaba Iron Maiden. Casualmente, ese mismo día, James Hetfield, publicó un clasificado con las mismas intenciones. “Sólo éramos él y yo así que porqué no juntarnos”, expresó Hetfield. Lars criticó a James su forma de tocar guitarra y James le parecía fatal su estilo de tocar la batería de Lars. Sin embargo, ambos sentían una química a la hora de componer. Al poco tiempo James les preguntó a sus amigos Rov McGovney y David Mustaine si querían formar parte de la banda. El nombre sale luego que Ron Quintana -amigo de Lars Ulrich-, tenía la intención de publicar un fanzine de metal y tenía dos nombres para ponerle a su publicación: Metalmania y Metallica. Lars le recomendó que usara el primero porque le parecía fantástico el otro para ponérsela a su banda.

Lars, David, y James fueron a San Francisco para un concierto de un grupo llamado Trauma. Los tres quedaron boquiabiertos con la presencia y el talento de Cliff Burton cuando explotaba con sus solos melódicos. Los contactos se hicieron y Burton les dijo que como requisito para unírseles tendrían que mudarse a San Francisco. ¿Y McGovney?. Rov saldría al poco tiempo luego de un incidente que tuvo con Mustaine, luego que éste, le echara cerveza en su bajo dejándolo inservible. David, Lars y James se fueron a la ciudad de la bahía mientras Burton los esperaba.

Grabaron un demo en vivo al que le pusieron Metal Up your Ass donde estrenarían el tema Whiplash. En esa presentación el telonero fue el grupo Exodus donde tocaba el guitarrista Kirk Hammett quien causó una gran impresión en Lars y James. Con el demo grabado, el promotor de conciertos, Johnny Zazula les programa varios conciertos en la costa este luego de escuchar el material. La banda inicia una gira para llegar a Nueva York. Pronto empezarían las peleas ante el abuso de drogas y alcohol de David Mustaine. El guitarrista subía al escenario y tocaba desafinado o se perdía presentaciones por estar bebiendo. Cuando llegaron a Nueva York, Cliff, Lars y James decidieron despertar a David y le dieron un pasaje de vuelta en bus a San Francisco. “El viaje es para que David pensara en su futuro”, dijo Lars. Irónicamente, no sería la última vez que alguno de los integrantes batallaría con el alcohol y con los excesos de la década, Metallica, sucumbió a esa adicción, sin darse cuenta. Rápidamente se ponen en contacto con Kirk Hammett, cuya formación musical fue con Joe Satriani, y quien aportaría a la banda, un sonido más contundente y melódico.

Con la alineación definida empezaron las grabaciones.

Metallica empezó a recopilar las canciones grabadas en el demo No Life ‘till Leather al que después le cambiarían el nombre a Metal Up Your Ass. Éste incluiría, además de Whiplash y No Remorse una de las composiciones de Cliff Burton (Anesthesia) Pulling Teeth y la nueva versión The Mechanix rebautizándola como The Four Horsemen.

Les demoró poco más de un mes en terminar el álbum. El título del disco sería llamado como el demo pero la compañía disquera Megaforce Records, rechazó el título. Fue entonces que Cliff dijo: "Las malditas empresas, ya sábes, debes matarlos a todos".

Kill 'em all empieza con Hit The Lights. Es el previo del calentamiento como un inicio de concierto. El espectador se deja llevar por un rasgueo de cuerdas y la velocidad entra en acción, ya no hay tiempo para pensar después. La letra es la máxima del estilo de vida trash. Una banda que se entrega sus fans. Un Metallica dispuesto a tocar acordes hasta que las cuerdas se rompan o los dedos sangren profusamente. You know our fans are insane / We are gonna blow this place away / with volume higher / Than anything today the only way / When we start to rock / We never want to stop again. La habilidad de la banda para los puentes rítmicos y espacios instrumentales rompe cualquier esquema de rapidez furia coordinación, precisión y fuerza. Estamos frente a un monstruo.



The Four Horsemen parece un capítulo del apocalipsis al que le pusieron música de furia bíblica. Un bajo vibrante y nada predecible. Burton es el que se lleva los ritmos de las canciones. El bajo habla más que las guitarras y eso se hará evidente conforme pasen más canciones. Burton se echa la banda a los hombros y se siente muy cómodo. La rapidez de los solos y los riffs de Hetfield y Hammett tienen fuerza propia; son casi truenos y a veces parecen gritos. De pronto Hendrix podría sentirse amenazado, y eso ya es decir mucho.



Mototbreath entra con la batería de Ulrich. Parece una danza de elefantes que matan a una colonia de ratones. La voz de Hetfield está grabada en dos canales y eso es, en casi todas las canciones del disco. Aún no tienen esa crudeza que obtendrá con el tiempo. A veces inseguro y otras veces vocaliza con gran crudeza o compensa con alaridos.



Jump in the Fire en un sencillo de promoción. Trash pop de mejor factura. Jump.. es como la prédica de un profeta endemoniado: Jump by your will or be taken by force / I'll get you either way / Trying to keep the hellfire lit / I am stalking you as prey / Living your life as me I am you you see / There is part of me in everyone / So reach down grab my hand walk with me through the land / Come home where you belong. Hammet termina la canción con un solo imposible.



(Anesthesia) Pulling Teeth. Burton nos restrega su genialidad sin complejos ni empachos. Explaya su habilidad en un bajo gutural que busca explotar con arpegios y riffs sucios, un sentimiento honesto; casi puro, que intenta emerger de una reflexión profunda y depresiva. Intensa. El título puede ser de mal gusto pero queda abierto a la conclusión del oyente. Después de tanta absorción, desemboca en un rock duro de garage.



Whiplash. Metallica mete quinta. Nos sube a un ferrari y en una recta de 100 kilómetros lo recorremos a kilómetro por segundo. Hiperespacio. Vaya furia para tocar. Se puede ver como rolan cabezas en el suelo porque el vaivén de los headbangers no da para más. Muchos no pasan de la primera estrofa decapitados. La letra es un manifiesto del trashero como un ser inmortal que vive en una anarquía supersónica. Los solos parecen gritos. Life out here is raw / But we will never stop / We will never quit / cause we are Metallica. La profecía se cumplió.


Phantom Lord Tiene un espíritu político. Invita a la rebeldía, desobediencia, a levantar el puño. Metallica experimenta con cambios de ritmos por primera vez. El solo de Mustaine antes de irse de la banda, es un preludio de lo que vendría en Megadeath, pero esa es otra historia.


No Remorse La banda se toma su tiempo para bajar la velocidad no así de su guitarra principal que es, la que en un espacio más amplio, le imprime solos estridentes y armónicos. No Remorse también tiene varios ritmos. Esto será muy característico después y aunque puede cansar tanto desvío de ritmos, seamos indulgentes, es su primer disco. La letra también es un manifiesto a morir sin reproches, sin censura, sin nada. Trascender con una sonrisa histérica, la señal del rock en la mano y una cerveza en la otra. La canción termina con un ritmo parecido al Jump in the Fire, que se perdona después de tanto frenesí.



Seek and Destroy Es otro sencillo. No muchos de qué disco esta canción. Metallica la toca mucho en sus conciertos. Es trash metalero clásico. Un ritmo trepidante, la letra es una jerga para destruir todo a cervezas, crudas, puñetazos, cigarros y guitarra en mano. Los bohemios piden un poema romántico para morir en la miseria histriónica y estóica; el metalero quiere inmortalizarse con cañonazos un solo de Hammett y camisa negra; preferiblemente de Metallica.



Metal Militia Es la canción de los soldados de Metallica. ¿Quieres ser uno de ellos?. Su ritmo es hipnotizante con una fuerza enorme. ¿Haríamos todo por la banda, no?. Es interesante que las canciones que experimentan con más ritmos sean las últimas 4. Ya vemos una clara tendencia de la banda y de lo que ocurrirá después. Chained and shadowed to be left behind / nine and one thousand / Metal militia for your sacrifice / iron clad soldiers / Join or be conquered the law of the land / What will befall you / The metallization of your inner soul / twisting and turning. La Metalización es al final lo que nos posee y se aloja en nuestro ADN como un gen que es misión heredar.



Kill ‘em All conserva su aire clásico. Esencial si se quiere entrar en el universo del Heavy Metal y el Trash. Metallica nunca sonará tan estridente y crudo. Sonará mejor eso sí, pero nunca tan descarnado y brutal. Revivir el Kill ‘em All es como encontrar a un grupo que es posible que nunca haya existido y no reconociéramos si no nos dijeran el nombre. Una joya del metal.

HACE 10 AÑOS... REZNOR: EL PRÍNCIPE OSCURO

La gira del Downward Spiral fue extenuante. Todo lo que decía Reznor sobre Política, Rock y la vida incluso, le valieron para que la revista Time, lo colocara dentro de las 25 personas más influyentes del 1997. Reznor salía de la producción de 2 soundtracks de películas Natural Born Killers y The Lost Highway y la composición del track The Perfect Drug, y no olvidemos el malogrado Antichrist Superstar de Marilyn Manson. El escenario musical manejado por el dólar principalmente, lo deprimió. El futuro de NIN estaba en la cuerda floja.

Su compañía de discos Interscope, fanáticos, músicos, medios, le preguntaban ¿bueno... y para cuándo el otro disco? Reznor no decía nada, sufría de un bloqueo y una depresión. En entrevistas posteriores al lanzamiento del disco contestó que se tomó un lustro porque es jodidamente difícil hacer un disco. La gente no sabe lo difícil que es sentarse en un piano o escribir, la mayoría de veces salgo derrotado ¿Es por el miedo? entonces menos escribía. A Trent lo rotularon como el hombre que salvaría el Rock. Y es que recordemos que en 1998 fue el año del pop y por lo tanto, nefasto. Reznor podía seguir los pasos de Cobain. No le interesaba el ser un artista que se destruye por la exposición. En el interín fallece su abuela, una persona muy influyente en la vida de Trent.

El diagnóstico de la depresión de Reznor -depresión moderada- le ayudó a no sentirse como un pedazo de mierda, un misántropo que no puede tener una relación con pareja o tener amigos. Ya no me siento como una mala persona, decía. La pérdida de mi abuela, fue un punto de quiebre, era seguir o tirarlo todo. Empecé a desarrollar cierto... no quiero decir positivismo porque ya siento que me devuelven todos los discos. Una vez decidido se sentó a escribir en serio. El resultado fue un disco incomprendido, rabioso, fúrico, con sonidos y atmósferas psicodélicas y pasajes de piano depresivos. Y las letras bueno The Fragile tiene lo suyo. Todos esperaron una secuela del Downward Spiral y por eso le fue mal. Fue criticado duramente por las variaciones musicales (más de lo mismo) que por sus progresiones (algo nuevo). Debutó en el número de la Billboard vendiendo 800 mil copias y a la semana siguiente cayó a la 16 y después se perdió en el fondo de la cloaca de ventas.

El Left irrumpe con Somewhat damage, una canción rota. Todos los instrumentos suenan a somatón de mesa con el puño cerrado de un dictador. La queja es un alarido de desesperación: Poisoned to my rotten core /Too fucked up to care anymore y eso es una probada. Es descarnada. La guitarra nos lleva en el vació de un mundo que agoniza The Day the Whole world went away. El vació como verdad real. The Frail es el primer tentáculo atmosférico. Un piano que anuncia un apocalipsis bíblico esperado, y ya era hora de tocar fondo, si me preguntan. The Wretched es la ira de Dios sobre el humano, dice Reznor. La justicia es equilibrio y si yo sufro todos deben sufrir. Now you know / This is what it feels like. La ira divina: The clouds will part and the sky cracks open / And god himself will reach his fucking arm through /Just to push you down / Just to hold you down / Stuck in this hole with the shit and the piss.

We're in this together fue el primer sencillo. Furia y rabia encapsuladas en un grito de desesperación acompañados de guitarras incendiarias. La perseverancia de lo que no se podrá tener. Romántica, siniestra y masoquista. The farther i fall i'm beside you /As lost as i get i will find you / The deeper the wound i'm inside you / For ever and ever i am a part of.
El segundo sencillo fue The fragile canción cumbre de la idealización. La mujer como el ser de salvación. El drama lírico es conmovedor. She doesn't see her beauty /She tries to kill away / Sometimes It's just that nothing seems worth saving / I can't watch her slip away. Al salvarla, me salvaré. Reznor exuda nobleza. Su presentación en los premios de MTV de 1999 fue la primera vez que los escuché. Quedé en shock.

Just like you imagine. Instrumental, psicodélica y rabiosa. La utilizaron en la película 300. Even Deeper es la exploración y recuento de daños. Do you know how far this has gone? /Just how damaged have i become? / When i think i can overcome / It runs even deeper. Reznor intenta recuperar su cordura dentro de una atmósfera sórdida de drum and base.
Pilgrimage Parece sacada de un comercial nazi con un marcha de victoria donde Hitler en toma cinematográfica preciosista de ser divino, sonrie con sus colmillos ensangrentados mientras Francia arde y sus demonios ocupan el paraíso. Pero esa imagen habita sólo en mi mente. Parece una síntesis del Atom Heart Mother Suite de Pink Floyd.
No you don't. parece un diálogo en un espejo entre Reznor. Muy esquizofrénica. La Mer instrumental. Es también de los pasajes en donde la imaginación vuela. Es el ritmo demo de Into the Void pero nos estamos adelantando. El preludio de The Great Below que al igual que Hurt, The Great Below responde a una autenticidad dramática. Es como leerle un poema de abatimiento frente a un huracán. La aceptación del destino hacia una inmortalidad de dolor. De lo más intenso de Reznor y pasó inadvertida. Para aquellos que la encontramos se convirtió en un himno tenebroso que hela la espelda con esos violines punsantes. I descend from grace / In arms of undertow /I will take my place / In the great below. La canción termina como el último reflejo de un muerto: I can still feel you / Even so far away

Right. La densidad de los temas atmosféricos son unos arañazos al alma. En The Way out is Through la banda despierta de un abismo: Underneath it all / We feel so small / The heavens fall /But still we craw. Majestuosa. Into the void es gráfica y describe sin tapujos el viaje en la canoa de Caronte. Tried to save myself but myself keeps slipping away, se dice Reznor miles de veces. Me recordó DeNiro en Raging Bull y la famosa escena de la celda cuando se rompe la cabeza. Where is everybody? Reznor intenta despertar de esa perdición. Es una reacción con camisa de fuerza refundido en cuatro paredes sin acolchonar. I never wanted to be like you /But for all i aspire / I really am a liar / And i'm running out of things i can. Intenta rectificar y dejar de ser el ser de Somewhat Damage, demasiado tarde. Miserables acordes abundan en tanta sordidez. Insípida canción para recobrar la cordura. Reznor desgarra su garganta hasta expulsar cualquier resto de la femme. The mark has been made un chelo acompaña una brutal realidad. Los acordes de la guitarra solo la refuerzan tanta desolación.

Please Es más de lo mismo. Es un interludio como No you don't o Even Deeper. Starfuckers inc. fue el tercer sencillo. Famosa por su video. Los gringos gracias a sus mojigatería le pusieron Starsuckers, inc. En un video tengo la premier que el programa de Total Request Live le dedicó. Irreverente. I am every fucking thing and just a little more / I sold my soul but don't you dare call me a whore / And when i suck you off not a drop will go to waste / It's really not so bad you know once you get past the taste, yeah / (asskisser). Complication instrumental alaridos, acordes y una batería trepidante. En I'm looking forward to join you, finally, Reznor intenta regresar de ese abismo con cierto dejo de nostalgia. El vacío y desasosiego de no sentir nada luego de la tragedia. A fool's devotion / Swallowed up in empty space / The tears of regret / Frozen to the side of his face.

The big come down parece un reclamo al no terminar la destrucción total. Ahora regreso a mi estado normal de deprimido: There is a hate that burns within / The most desperate place i have ever been / Try to get back to where i'm from / The closer i get the worse it becomes. El disco empieza a diluirse en el tedio emocional sin embargo sigue siendo exitante como el hombre busca sus nuevos demonios. Underneath it all es la suma de todos los ecos emocionales del disco arropados en efectos de sintetizador reventados. Ripe es el final del disco. Los créditos ahogados en otra canción atmosférica.

Reznor decía que estaba encantado con la idea de que la persona inviritera 103 minutos para escuchar y vivir dentro de la densidad emocional del disco. No le importó lo que haría la compañía o lo que haría un fanático si no le gustaba el disco. Las ventas de The Fragile llegaron a 2.3 millones en total (5 millones del anterior), y fue considerado un fracaso mayúsculo. Interscope le quitó todo el apoyo a Reznor. Los costos de la gira And all that could have been salieron de la bolsa de Reznor. La gira es considerada como la mejor del 2001 y fue el mejor DVD de concierto en el 2002. Demás está decir que ganó millones de dólares. Hasta la fecha The Fragile sigue siendo un disco del cual brotan opiniones divididas y a pesar de todo es considerado como la obra maestra de Nine Inch Nails. Suena a NIN y eso es lo que importa, dijo Reznor.

SOMEWHAT DAMAGE



WE'RE IN THIS TOGETHER



STARFUCKERS



INTO THE VOID



LA MER Y THE GREAT BELOW



JUST LIKE YOU IMAGINE

KID A DE RADIOHEAD EL DISCO DE LA DECADA

Kid A es El disco de la década según la revista especializada Rolling Stone y eso se aplaude, pero no quedó allí la cosa. También incluyó los tres discos que el grupo de Oxford regaló y repartió a millones y que al igual que el Kid, son grandes joyas. A Amnesiac lo colocó en el puesto 25 (2001), a In Rainbows en el puesto 30 (2007), y Hail to the Thief en el puesto 89 (2003) .

Éstos 10 años se pasaron volando entre terroismo, las estupideces de Bush, tsunamis y demás, y por otra cosa: El escenario musical fue aburridísimo. Las corporaciones atacaron y colocaron al Nü Metal como la nueva corriente vanguardista que acabaría por vaciarnos los bolsillos y a los emos como el nuevo look. Gracias a la internet se "democratizaron" los medios para conseguir música de todas eras y todos lugares. Se cortó con aires de liberación, el cordón umbilical de las corporaciones de música, y se evitó que nos dieran atol con el dedo. Solo quedaron en pie los mejores. Y es que la osadía de Radiohead fue un halón de pelos para éstos grupejos corporativos y oficinas de mercadeo. (¿Qué putas quiere la gente?). Los integrantes empuñaron sus guitarras, las colgaron en la pared y después, cándidos ellos, se dedicaron a experimentar, a buscar en la música electrónica, en instrumentos extraños y mentalidad de Thom Yorke, incubar en una computadora al Kid A que hoy, con 10 años encima, suena tan delirante y tan humano como en su momento.

Esto provocó que Radiohead fuera relegado por los mass media por no ser un grupo que sigue las reglas y que venda. Lo que prueba una vez más, que la industria musical no sabe nada de su negocio. Éste ejemplo será documentado para que nuevas bandas apuesten por su talento más que por vender. Esto provocó y dejó, en bandeja de plata, la sapiencia e ignorancia del escucha. Se acabó la manipulación. La ecuación cambió.

La anécdota más interesante del disco fue publicada en la revista Alternative Press cuando un joven de 17 años vendió el Kid... en 3 dólares a una tienda, aduciendo que no era lo suficiente inteligente como para entenderlo. El puberto no sabemos dónde estará. Quisiera saber, quién compró el disco de segunda mano y la reacción que tuvo cuando lo encontró. De plano se le abrieron los ojos de la emoción y lo arropó como quien encuentra un niño abandonado (imagen horrorosa).

Si Nevermind de Nirvana borró los 80 en un abrir y cerrar de ojos y revolucionó la música de los 90, Kid A nos dirigió a este presente abierto con un futuro ilimitado que promete, y lo mejor de todo: no causó traumas ni tuvo que morir nadie. Su validación es grata y merecida.


De otras revistas

Como ya dije el segundo lugar fue para This is it de The Strokes. The White Stripes puso dos discos en la lista, Elephant y White Blood Cells. Hasta U2 tiene sus tres discos en la lista all that you can´t leave behind en el puesto 13, No line on the horizon en el 36 y How to desmantle an atomic bomb en el 68. Hasta los consentidos de RS y este servidor entraron en la lista. Modern Times en el puesto 8 y Love and Theft en el 11 de Bob Dylan. "El jefe" Bruce Springsteen aportó con dos discos a la década Magic y el celebrado The Rising. Ver la lista completa aquí.

Revistas como la inglesa NME su lista de los mejores discos de la década y ellos se lo dieron a This is It de The Strokes. y apostó por nuevas bandas un tanto radicales que no dijeron nada nuevo. A cada revista lo suyo. De lo que se rescata: Artic Monkeys, por supuesto, Interpol, The Libertines, Yeah Yeah Yeahs, Death cab for cutie, The Killers, los ultramelosos Coldplay, Franz Ferdinand, etc. Gracias a Dios no apareció en ninguna lista el grupo nefasto ese: Blink 182.

Lo patético

Y es que no me canso de decirlo pero el Nü metal con todo y emos, ni siquiera tuvieron la dignidad de ganarle al glam de los 80. Miles de grupos pubertos con acento y tonadita (mi mami no me entiende mejor me suicido), salieron con esa banderita agitándola como la nueva corriente y no ganaron nada. Bueno, solo la calcomanía de "soy un ridículo" en la espalda. Ssshhh, que aún no lo saben y mejor no se los digan, a lo mejor se suicidan. Pongo 20 quetzales para las balas.

Aquí algunos videos del Kid A. Celebremos pues.



Idioteque



The National Anthem



How to disappear completely

CALIFORNICATION... EL REGRESO DE RHCP... Hace 10 años...

Encerrado en su habitación, se consumía en heroína. Enjuto, postrado en su cama, respiración agónica y esqueleto forrado con 2 milímetros de piel. Estado patibulario. Frusciante estaba por convertirse en otra víctima de la heroína. Muerto como Hillel Slovak primer guitarrista de los Peppers, 10 años antes. John Frusciante solo esperaba y veía en su agonía todo aquel el éxito que lo cegó y destruyó a causa de ser el mejor guitarrista de la banda de funk y punk más grande del planeta. A pesar de todo dejó la heroína de un día para otro pero el alcohol y cocaína lo tenían maniatado. Su casa en Los Ángeles se quemó en un incendio y lo perdió todo. Kiedis le regaló dinero para una guitarra y terminó de grabar su segundo disco en solitario Smile from the Streets You Hold en 1997. Las ventas le servirían para recaudar dinero y pagar su rehabilitación. Tenía pocos dientes y la piel de los brazos infectadas por las inyecciones mal colocadas, tuvieron que hacerle injertos y colocarle una nueva dentadura. Un mes después regresó al mundo real.

Mientras tanto Flea y Anthony Kiedis despedían al guitarrista Dave Navarro. Navarro ingresó a RCHP en el 1995 para One hot minute, pero, simplemente, no hubo química. Kiedis y Flea conocían el estado de Frusciante y su milagrosa rehabilitación. Flea preguntó ¿Y si regresa John?. La pregunta iluminó el rostro de John y lloró como un niño de la alegría. Busquen a Chad ahora. Rick Rubin productor del Blood Sugar Sex and Magic les ofreció ser volverlos a dirigir en el nuevo disco. El verano del 1998 nunca se veía tan prometedor. Así empezó la producción de uno de los mejores álbumes de rock de 1999.

Californication es un canto del ave fénix. Las tragedias que rondaron a la banda desde su formación: la muerte trágica de Hillel y la salida de John en lo más alto de la fama de la banda, las adicciones de Kiedis, lo hacen aún más valioso. Y es que con Californication la magia de los Peppers brilló más que nunca. El disco tiene letras reflexivas, ritmos funk y punketos insuperables. Todo confluye. La sinergía es intensa.

Aronud the world irrumpe el disco con el bajo. Flea estalla. All around the world / We could make time / Rompin and a stompin / Cause Im in my prime. Kiedis se desparrama en juicios e incoherencias y muestra su estado explosivo.



Parallel Universe, parece una canción para oír en carretera. Frusciante distorisiona la guitarra. Deep inside of a parallel universe / Its getting harder and harder / To tell what came first. No deja uno de fantasear qué pasaría si estuvieramos en ese mundo paralelo. ¿Existiría éste disco?. La compasión invade.

Scar Tissue las voces armónicas y el conmovedor solo del final son lo más inteso de la canción. Parece, por momentos, que Under the Bridge, se sentaba en la parte de atrás y veía con orgullo de segundo lugar, la mejor canciòn de los Peppers. Sutil la reflexión del ser. With the birds I'll share this lonely view toca una contemplación natural con altas dosis nostálgicas. Soft spoken with a broken jaw / Step outside but not to brawl / Autumn's sweet we call it fall /I'll make it to the moon if I have to crawl and / With the birds I'll share /This lonely view... El video son cuatro guerreros que se suben de nuevo al carro de la vida por decirlo de una forma tosca y cursi.



Otherside es de las más pegajosas del álbum tanto por su rapeo como su instrumentación. Coros y armonías vuelan, es irresistible. How long how long will I slide / Separate my side I don’t / I don’t believe it’s bad / Slit my throat / It’s all I ever / I heard your voice through a photograph / I thought it up it brought up the past / Once you know you can never go back /
I’ve got to take it on the otherside.



Get on Top funketo puro. Hit me Get on top, get on top / Hit me come get me I bite but she bit me /Go-rilla cunt-illa / Sammy d and salmonella / Come with me ’cause I’m an ass killer /You’re ill but I’m iller.

Californication Triste y pegajosa. El culto de californiano a la fornicación o "corrupción" del ser para convertirse en un producto de consumo para los demás. Una sátira definitiva. Nos recuerda las trágicas muertes de actores famosos y no famosos que murieron en busca del sueño. La reinvención de las corporaciones de Hollywood por vendiendo el agua azucarada y presentarlo como elixir eterno y como es obvio; lo compramos. Destruction leads to a very rough road / But it also breeds creation / And earthquakes are to a girl's guitar / They're just another good vibration / And tidal waves couldn't save the world / From Californication. La negación y la contradicción habita en las letras. Los males necesarios para sobrevivir. La falsedad es lo más real.



Porcelain inspirada en una madre alcohólica que Keidis conoció en el YMCA. Intensa. Anthony suena a conciencia: Porcelain / Are you wasting away in your skin / Are you missing the love of your kin / Nodding and melting and fading away.

Emit Remmus o Summer Time y Easely son entretenidas y con sentido del humor; cada una con lo propio. I like dirt sigue esa línea de rap funketo. The Velvet Glove es un anhelo a punto de hacerse realidad. La segunda oportunidad del resucitado. It’s such a waste to be wasted / In the first place / I want to taste the taste of / Being face to face with common grace / To meditate on the warmest dream / And when I walk alone I listen / To our secret theme.



Savior es conmovedora. I would never betray you / Look at me who could raise you / Face in the sand Safe in your hand. Es el manifiesto del círculo inquebrantable de los RHCP. Las alas de fuego del fénix los protegen. Purple Stain es otra receta funketa. Ritmos serpenteantes y líricas contagiosas. Otro ejemplo de la fuerza que tiene esta banda angelina. No digamos Right on Time. Ambas son un deleite de ritmo.



Road Trippin' acústica que termina por enamorar a cualquiera del disco. So much as come before those battles lost and won / This life is shining more forever in the sun / Now let us check our heads / And let us check the surf / Staying high and dry’s / More trouble than it’s worth in the sun. Frusciante explota su virtuosismo. La canción es un escape a un sueño. Simplemente brillante. Nos deja sin respiración.



Californication marca un regreso triunfal. El boleto asegurado en la realeza del Funk. Llama mucho la atención la consolidación de banda, la cual afianza con este álbum. Se lanzaron 6 sencillos pero hay más bajo esa realidad "marketera". Sigue igual de fresco. Nos obliga a revisarlo a concienca porque encontramos más cosas y revivimos nuevas. Grande.

OH MERCY... DYLAN BUSCA A DYLAN... HACE 20 AÑOS

Estaba perdido, tirado en el pavimento. Había una persona que se perdió dentro de mí y necesitaba encontrarla. Usualmente voy a buscarme. A veces estoy en un bote, pescando; intentando escuchar el aullido de un lobo, ver un oso, o un alce. A lo mejor me vieron y me dan una pista para que me digan por donde me fui. En fin, tengo que pensar las cosas. Pero no tenía sentido. Había mucha estática en mi cabeza y no la podía tirar. A donde vaya soy un trovador de los 60's, una reliquia del folk-rock, un erudito del pasado. Me encuentro en el fondo de un pozo de olvido. El estado mental de Dylan en Chronicles Vol. I en el capítulo Oh Mercy era desalentador. En la década de los 80, Dylan no tuvo ninguna relevancia en la cultura pop. Infame como eran los ochenta, no había espacio para rebelión. Sus discos fueron destruidos por la crítica. Bob se ganaba la vida en las giras con Tom Petty and the Heartbreakers, y con los Gratefull Dead's. Dylan no reconocía a sus canciones, no las sentía. ¿Quién era Dylan para Dylan? la búsqueda siguió. Oh Mercy es reconocido como un gran retorno como 14 años antes lo fue el hiriente Blood on tracks. En el futuro la misma suerte tendrían discos como Time out of mind y Modern Times son "regresos gloriosos", dicen. Pero si el hombre no se ha ido. Dylan ha sido asesinado y luego resucitado varias veces en su carrera. Y es que tuvo 6 discos que lo convirtieron en leyenda en los sesentas y la gente espera que cada disco sea la palabra del hombre. Con razón, como explica en su biografía... Hice malos discos para que me olvidaran, estaba harto de todo, pensé muchas veces en tirar la toalla.

Salía de un terrible accidente de motocicleta, otra vez como pasó casi 30 años atrás. Así empieza el capítulo Oh Mercy. Dylan escribía de vez en cuando, no podía tocar guitarra y después de unos meses empezó a usarla como terapia. De esas cenas entre celebridades conoce a Bono, cantante de U2. Bono escucha algunas canciones que Dylan tenía a la mitad y le recomienda al productor Daniel Lanois. Danny trabajaba en New Orleans y le recomendó a Dylan que se conocieran y grabaran unas canciones para ver qué diablos salía. A los tres meses Dylan se muda a New Orleans. En el libro, Dylan trata de justificarse entre la negación y la sequía mental. Ahonda en la descripción de la ciudad y sus circunferencias. Dudas terribles. Lanois le pedía canciones como Masters of War, Girl from the North Country, o With god on our side. Y es que Dylan no quería repetirse, lo único que quería era dejar un testimonio, decir que aún seguía vivo. Miedo... quién sabe pero entre líneas eso pareciera.

El primer corte al ruedo fue Political World. La canción no conectó con nadie. Todos se miraron las caras; gran frustración. Parece que vine tarde al mundo político, ironizó. Ciertamente la canción es un tributo a una ironía filosa. We live in a political world / Under the microscope / You could travel anywhere and hang yourself there / You've always got more than enough rope. La canción parece un corrido blusero.

Where teardrops fall. Una balada de blues con tintes de jazz y un saxo que se rehusa a ser conquistado por el blues. El contraste le da un toque singular.

Everything is Broken un blues de cabaret con aires de country. Un solo de guitarra que se asoma roto. Todo está roto: Broken bottles, broken plates, broken switches, broken gates / Broken dishes, broken parts, streets are filled with broken hearts / Broken words never meant to be spoken / Everything is broken.



Las canciones pasaban disparejas y de pronto monótonas, sin muchos cambios de ritmo. Dylan divaga en la ciudad de New Orleans. Estaba fascinado por la combinación tan extraña de brujería, muerte, cementerios, paisajes, lo turbio y lo hermoso. Y lo recorría en su motocicleta con su esposa.

Huyendo de la postal caemos en Ring them Bells. Ring them bells for the blind and the deaf
Ring them bells for all of us who are left / Ring them bells for the chosen few / Who will judge the many / When the game is through / Ring them bells for the time that flies / For the child that cries / When innocence dies. Solo y con piano, Dylan se diluye con la última nota en un fade out justo.

Man in The Long Black Coat una historia de un hombre que se lleva a su chica y desaparece misteriosamente. Un blues tenebroso. Parece una guiño a Johnny Cash.

No hay mucho sobre la inspiración de Most of the Time, excepto que es la segunda canción que graban y que al igual de Political World no cuaja por más arreglos y efectos para adornarla. La reflexión de Most of the time es tan invisible y se define en una palabra: Fe. A pesar de todo hay que seguir. Aceptarse y continuar. Todo se suma en esa reflexión. Insigne la escena de High Fidelity, el momento cumbre de la película. Para volverla a ver una y otra vez. Esta canción se queda y no te deja jamás. Es así de poderosa. I can survive and I can endure / And I don't even think about her / Most of the time.



Dylan no sabía si sentirse culpable por las canciones. Su inseguridad sobrepasaba cualquier cosa. Al terminar cada sesión siempre le preguntaba a Lanois ¿Todavía somos amigos?

What good am I? Es un reproche doloroso a pesar que la canción es romántica. ¿De qué sirvo si no puedo hacerte feliz?. Una pregunta simple para una respuesta simple. Cómo nos complicamos. What good am I if I know and don't do, / If I see and don't say, if I look right through you, / What good am I while you softly weep / What good am I? / If I turn a deaf ear to the thunderin' sky. Escuchar hasta al espíritu con tal de darte lo que necesitas. O hay conexión o no. And I hear in my head what you say in your sleep, / And I freeze in the moment like the rest who don't try, / If I've had every chance and yet still fail to see. Hay un ambiente irresistible en la canción.

Disease of conceit. Es casi una homilía. Podría cantarse con un coro. Es comparable con el Hallelluyah de Leonard Cohen pero con Dylan es sigilosa. Se queda uno esperando el coro. If your delusions of grandeur and an evil eye / Give you the idea that you're too good to die / Then they bury you from your head to your feet / From the disease of conceit.

What was that you want it. Tiene un parecido con Graveyard Train de CCR. Es la más oscura del disco. Un ritmo cadencioso. Mucha tensión.

Shooting Star. Dylan se inspiró en ese enorme actor llamado Mickey Rourke cuando fue al cine a ver Homeboy. Rourke interpreta a un vaquero llamado Johnny Walker. Christopher Walker es su coprotagonista. Dylan se declara fan de Rourke. "Cuando Mickey sale la película se va a la luna. Hay algo en él que con una mirada te rompe el corazón". Seen a shooting star tonight slip away / Tomorrow will be another day / Guess it's too late to say the things to you that you needed to hear me say / Seen a shooting star tonight slip away.



Dylan no tenía idea si había hecho un buen álbum. El disco es reflexivo. Intenso por momentos. No es para huír de pensamientos suaves. Te deja muchas dudas. En cada canción da a conocer muy poco y sin embargo es profundo. A pesar de todo y críticas a favor y en contra, el disco había encontrado a Dylan atrás de una piedra leyendo y viendo al mar. Su alma y espíritu permanecían intactos. Al parecer solo se fue de vacaciones sin avisar. Respiremos profundamente en señal de alivio.

TRENT REZNOR: EL ETERNO NEGATIVO

La negación es la solución más dramática que cualquier persona puede adoptar cuando esa doncella de pedestal huye como el viento. Los métodos para enfrentar ese dolor abundan. Algunos se rompen la mano pegándole a la pared, romper cosas incluso los dientes de alguien o de la hermosa virginal que te dejó. Podés romperte la mano. Ese método ayuda mucho por cierto, es para que el cerebro bloquee el dolor emocional con el físico, así más o menos te alivias pero tiene que ser una buena fractura tres o cuatro huesos, mínimo. Otros más crueles y despiadados usan una gillette o bisturí y se cortan las muñecas, método escándaloso y un tanto religioso. Los débiles recordamos por años y en un momento de desesperación hacemos una estupidez como la anterior. Trent Reznor en cambio compone grandes canciones y crea dimensiones paralelas para enfrentar su dolor en un plano metafísico, al robarle el alma a esa punzada y plasmarla brillantemente en una canción. Le añade rabia, frustración, armagedón, la graba y hace millones de dólares sin romperse un solo hueso. Inteligente.

Eraser: Los estados de negación de Reznor son fúricos juicios de negación universal-reprimida que estalla inclemente ante un riff. Eraser del Downward Spiral es aquella canción de pasos de la A a la Z en una relación amorosa donde todo empieza bien y termina en un eterno alarido, en este caso, un ¡KILL ME! desesperante con un eco que se escucha en el mismo purgatorio. Es como contemplar que se te cae la piel mientras la muerte te observa sin inmutarse.



Somewhat Damage del disco The Fragile es otra punzada a esa fría soledad. Cerramos los ojos fuertemente como evitando la desolación luego de ese romance que inicia soñado y termina en la pesadilla más horrenda conocida por el hombre. La música parece una gigantesca maquinaria obsoleta a punto de estallar. "Try so hard to be like you", completa devoción pero después qué importa. La canción toma un poco de aire y avanza a una intensidad destructiva. Todo lo que dijiste juraste que no iba a cambiar y, todo se desmoronaba y, dijiste que sobreviviríamos y, ¿DONDE PUTAS ESTABAS?



Only: Cada vez me importa menos tu vida. Sos un invento creado por mi inconsciente. Sometimes, I think i can see through myself... Sometimes... some... Nada de esto vale la pena. Me refugio en el vacío como un escudo. Yo te inventé para herirme. There is no you there is ONLY ME... La canción parece un testimonio de un apuñalado que juega con su sangre. La furia cierra todas las heridas mientras te extraño con inútiles lágrimas. Igual no existes. Yo te inventé.



Bonus: A Warm Place... del Downward Spiral... solo disfruten.

SIEMPRE KURT SEMPITERNO COBAIN

Era un viernes de póquer. Pusimos la Metroestéreso para escuchar Revolución Rock. Carlos Anléu Samayoa "el doctor" nos informó de la muert de Kurt Cobain. "El grunge, decía, perdió a su más grande figura". Esa noche y al llegar a mi casa "In Utero" sonaría tres veces en mi grabadora.**

Saturado por las radios con metal y glam rock, mi encuentro con Nirvana fue un osasis entre la corriente de "rocksuperficial" que me parecía aburrida y pestilente. En el colegio nadie escuchaba a este grupo relegado a "freaks". Y mientras todos celebraban a sus fósiles yo guardadba mis gustos musicales ya que mis compañeros no eran dignos de escuchar a Nirvana.


Encuentros cercanos

Alienado como era, sólo que sin títutlo, las letras de Cobainalcanzan la empatía inmediata en cualquier inconforme. Atesoré el "Nevermind" como el único rincón seguro dentro de una juventud artificial. "Lithium" fue un antídoto para todo aquello que no encajaba en mi realidad y en mi entorno y no digamos "Somenthing in the Way". El nihilismo, al parecer, era la única salida para una sociedad vendida a ideologías perdedoras y consumistas como la nuestra.

Un tiempo después me robaron el casette de "Nevermind". A lo mejor por eso se volvieron tan famosos y por mi culpa Kurt no supo soportar la fama, pensé. "In Utero" me lo compré para la navidad del 1993. Es un álbum mucho más oscuro y fuerte. Rápidamente adopté canciones como "Dumb", "PennyRoyal Tea" y "Rape me" como himnos propios.

Como no tenía el MTV gringo, y el latino todavía ni existía, no pude ver el Unplugged, sino hasta dos años después de su muerte y el famoso concierto de año nuevo del 1994 hasta un año nuevo del 1996.

La Sombra del Gigante.

Leer los diarios de Kurt fue extraño. Era como conocer los diarios de tu mejor amigo, con los mismos ideales, sentimientos y gustos musicales favoritos. Pero la fama lo apartó y lo convirtió en inalcanzable, al punto de volverlo irreconocible. Un documento visual que hay que tomar en cuenta es "Kurt y Courtney" de la BBC. Reportaje farandulero y morboso que ventila todas las posibles conspiraciones sobre su muerte. En él, señala a Courtney (una mujer que respeto tanto como un escarabajo de estiércol). como la principal conspiradora de su muerte y que lo llevó al suicidio.

Lo que queda

Diez añois después la figura de Cobain como "La voz de una generación" o "Rey del Grunge" es algo que nadie que se diga "Fan de la Música", toma en cuenta. No valen nada. Yo quedé desilusionado por su debilidad como persona y su cobardía de enfrentar la vida, aunque quedé asombrado por su sensibilidad como ser humano y artista. Vaya contrariedad. Quizá Pearl Jam, tuvo razón de evitar todo contacto con la cortesana "fama", y convertirse en una banda consagrada. Pearl Jam es para los Rolling Stone lo que Nirvana es para los Beatles, estos dos de vida corta y con más genialidad que los anteriores. Ya dice el dicho: "Lo bueno, si breve, des veces bueno".

** Texto que fue publicado para los diez años de la muerte de Kurt Cobain en la Revista Monitor del 16 de abril del 2004. Hoy 5 de abril se cumplen 15 años de su muerte.