QUEENS OF THE STONE AGE: CON LA PRECISIÓN DE UN RELOJ

Fácil, fácil se puede caer en aquel déja vú de hace como 11 años donde salía el baterista de Nirvana o si se es más exigente, en una caricatura sexual con siluetas sobre un pick up a toda velocidad. Sí, claro un accidente de dos canciones exitosas. 

Josh Homme es un tipo que encuentra música en el chillido del yeso sobre el pizarrón, en el taladro cuando rompe un diente, en el crujir de los huesos, en un hachazo en el cráneo, es decir, si es alguien que en el baño caga humanos o llora petróleo; mucho mejor será la melodía. Depende claro de la inspiración. 

Ciertamente una operación en la rodilla se convirtió en una exageración de grandes proporciones al punto que Homme ya tocaría la guitarra en otro mundo. Todo ese delirio de hace dos años al ver la puerta hacia otra dimensión provocó este otro delirio musical. Homme se despertó zombie. Descansó 4 meses de todo el escenario musical y mierdas personales afloraron agangrenadas. Los otros miembros apoyaban a Homme para que regresara a grabar -¿De verdad quieren grabar un disco conmigo ahora?, preguntaba. No había otra que salir de ese cuarto y así nace Like Clockwork. Puntual aunque no sabemos de quién es el reloj ni quién lo tiene.

Queens of The Stone Age es un frankenstein de miembros. Dave Grohl y Mark Lanegan van y vienen cuál invierno de inspiración y después, quien esté disponible. En esta ocasión Trent Reznor, Alex Turner de los Artic Monkeys y hasta Elton John con el piano; vamos que no es difícil identificarlo. Hasta un tipo de los Scissor Sisters está ahí metido, sospecho que es el talentoso. Like Clockwork es el séptimo disco de QOTSA, sexto de estudio y de los más esperados luego de 6 años. Y es que Homme estuvo de gira con la banda durante mucho tiempo. Con el amargo y enorme Era Vulgaris fueron 3 años. 

Homme es la voz principal en todas las canciones. El disco tiene alma, rocanrol intoxicante, y por supuesto cinismo y veneno en sus letras. Sin embargo, Queens of the Stone Age suena a estado maduro, desde la perspectiva de un crítico de rock. Pero esto, es música para muerto viviente viril y punketo que en algunas canciones caminan 10 pasos cual caballero y después, rompe en zig zag frenético tirando extremidades como regalos. 

Keep your eyes peeled  parece una mirada amenazadora, con un bajo que se levanta un poco el sombrero antes de encender el cigarro. Después la canción hace su magia, escupe el delirio de la agonía con un riff que te eleva como gancho entre la quijada: Fallen leaves realize they are no friend of autumn / The view from Hell is blue sky / So ominously blue / I daydream until all the blue is gone. 

I Sat By The Ocean El despecho con actitud de negación. Las mentiras que nos decimos para engañarnos, engañarse, engañarla, engañarme. La dimensión de la mentira. 

The Vampire Of Time And Memory  Es terminar con todo. Ocupar un espacio solo sin reflejo, abatido y sin corazón. You think the worst of all / Is far behind / The Vampyre of time and memories, has died I've survived, / I speak. I breathe, I'm incomplete.

If I Had a Tail la guitarra es un guiño a Gimme Shelter de los Stones, pero alguien podría romperme los dientes. Es el primer sencillo del disco. Homme pide a gritos ser un animal que engulle carroña a media noche. Ciertamente ésta es la canción para masticar restos.

My God is in the Sun Trepidante ritmo muy característico de QOTSA, podría ser el siguiente sencillo. Buenos riffs para subir y bajar en la guitarra.

Kalopsia Extraño delirio para hacer más bello de lo que realmente es. Aunque, si no estamos enfermos de este desorden, puede sumergirnos en un estado etéreo; mundo Radiohead, sí, Pyramid Song casi. Flotar sin destino. Volar en los últimos 15 minutos de odisea espacial de Kubrick sin la cagada de aterrizar en el cuarto. Fates favour the ones / Who help themselves / The rest feel the sting of the lash / As they run To hell. Tener Kalopsia por siempre.

Fairweather Friends Estridente con solos de alarido. Dedicada a aquellos amigos de fiesta, orgía, droga; de ejemplos poco admirables. A esos a los que Homme les saca el dedo y les dice que se pudran. 

Smooth Saling robusta y con ritmo funky, con mucha actitud. Todo un despilfarro de ego despues de una aventura, digo, sin querer hacer daño a la rola. A puro paso de James Dean al salir de un antro.

I Appear Missing Aquí yace el corazón de Like Clockwork. Es un pedazo de órgano, que deambula y se pierde entre la niebla; un déja vú. El extrañar un miembro amputado. Caminar, caerse y romperse los dientes sin darse cuenta y después reaccionar; 8 horas después.  I go missing / No longer exist / One day / I hope / I’m someone you miss.

Like Clockwork La añoranza de aquel salvamento. Homme evoca fantasmas donde la dura enseñanza es una sabiduría de un fantasma de navidades pasadas.

Like Clockwork es un disco que no viene a salvar a alguien, ni a dejar grandes enseñanzas. Nos recuerda que vivimos y morimos de sueños mientras caemos de un edificio de 1000 pisos.

Suena al mejor disco de QOTSA, grandes instrumentaciones, con fuerza, ritmos de rocanrol, dimensional, inquietante y con la etiqueta de pateahuevos en el zapato. Un gran disco desde el exitosísimo Song for the Deaf, y le gana por muy poco al Era Vulgaris (2007)  y Lullabies to Paralize (2005), por muy poco. 

I APPEAR MISSING

 

CONCIERTO EN LATE SHOW DE DAVID LETTERMAN

EXORCISMO DOCUMENTADO: LOS MIEDOS PRIMARIOS

Raro es encontrar en Guatemala una película de terror que provoque una moderada expectación. Puede ser que fue un hecho real. O puede ser por lo controversial del tema cuyo pulso entre gigantes espirituales como Dios y el Diablo sigue inquietando. Pero si hay ateos leyendo lo dejamos en el término medio de "La eterna batalla entre el bien y el mal". 

Con un título poco original, "Exorcismo Documentado" fue estrenado el 14 de septiembre en salas del circuito alba, dirigido a un público selecto y escondido de bajo de las piedras como es el fanático del cine de terror, el que por estas fechas, se pierde entre las páginas de tabloides y su ya terrorífica sección de nota roja.

Como dije basada en hechos reales y con la bendición de El Vaticano, "Exorcismo Documentado" nos cuenta la historia de Ana Nicole Méndez quien es diagnosticada con una depresión severa. Luego de pasar por cualquier cantidad de exámenes médicos, el galeno sigue sin encontrar un diagnóstico final que logre curarla. Ante esto, la madre habla con el psiquiatra Pablo Saura. Saura graba todos los encuentros que tiene con la enferma y detecta sonidos y apariciones extrañas en sus grabaciones que son inexplicables científicamente. Como es común en estas historias, un cura es solicitado para que vea a la víctima e interceda por la madre a la arquidiócesis y así, realizar el exorcismo.

"Exorcismo Documentado" sufre de un desequilibrio de mal gusto. Por un lado tenemos, secuencias bien logradas, efectos especiales y maquillaje de alto impacto y por otro, actuaciones histriónicas en unos personajes e inmutables en otros (salvo el papel de Daniela Castillo como Ana Nicole, el cual no está bien desarrollado y del camarógrafo, ambas son las más espontáneas), un guión con rumiantes diálogos que entorpecen el ritmo de la película. Y si somos más minuciosos algunas partes son vulgares robos o grandes homenajes (depende qué tipo de hacker se sea) a películas de terror como El Exorcista, El Aro, El exorcismo de Emily Rose o The Shining,

A pesar del Frankenstein fílmico creado, los aciertos técnicos logran mantener al espectador a la orilla de su asiento durante sus escenas claustrofóbicas cargadas de ambientes densos, oscuridad traicionera, apariciones epilépticas, deformaciones corporales, regurgitaciones y esquizofrenias. El manejo del suspenso aunque vacile en lo trillado siembra en el inconsciente de cualquiera la ocurrencia que al momento de ir al baño a media madrugada u hora nona, la terrible noción de voltear hacia atrás.


Es difícil enojarse con una película que causa tal impacto en un cinéfilo que aunque ha visto cine de terror, tiene tiempo de dejarse manipular y sugestionar por algo tantas veces visto. Sin embargo la película va más allá y se agradece que toque un nervio primario de aquellas primeras experiencias con visiones poco confiables que son sujetas al escrutinio de una conversación larga y tendida luego de salir del cine. Otro valor añadido.

Hay que mencionar que un pequeño porcentaje de personas que van a verla en cada función salen de la sala ante la fuerza y tensión de la película. Los que seguimos, quedamos con un mensaje de esperanza al final. Recomendable.

FOO FIGHTERS: LA LUZ DEL DESTINO

Dice Bob Dylan: "Todo lo que sueñes o aspires en la vida eventualmente se convertirá en realidad". Y eso lo dice alguien que siempre supo quién iba a ser en el futuro. Pero este futuro, dice Dylan, no era solo llegar a la meta sino permanecer en el tiempo haciendo lo que hace hasta que estuviera frente a Dios. "Ése es el trato", sentenció.

La gente se niega rotundamente a una cosa como el destino. A que tenemos nuestra vida resuelta por una fuerza mayor. A no hacer la voluntad de un ser "Supremo". Los Foos, sin duda hablan de una fe en que todo se cumple, en el karma, en lo que regresa a encontrar al tirar al vacio una mala vibra, un mal de ojo, una maldición a alguien, una mentada vulgar; todo regresa. Todo se cumple, así es la vida parece. Wasting Light es aquella pequeña luz perdida, abandonada por ahí que se busca desesperadamente. Sin duda, el título es para proyectar cualquier vivencia en él; robarle las canciones a Grohl y hacerlas tuyas, y creo, que esa es la puta intención.

Si urgás en Back and Forth, el documental, el disco los reunió con Butch Vig, productor del Nevermind que este año cumple 20 años (por hacer reseña). Colabora Kris Novoselic en I Should Have Known. Wasting Light fue grabado en cinta magnética, la misma que se usaba desde un principio de la humanidad hasta la primera parte de los 90. Vemos el regreso de Pat Smear el gran guitarrista punketo que por... bueno mejor vean el documental. De alguna manera el disco es una encrucijada que reúne a la gente esencial que marcó a los Foos, a lo mejor fue intervención Cobainiana; para discutir en una sobremesa. Lo que sí puedo asegurar es que Wasting Light es el disco que los Foos debieron hacer hace mucho pero hasta ahora vio la luz del día.

Pero no voy a renegar lo que pudo o no pasar. Hoy celebro con oídos sangrantes de alegría un álbum de mucha guitarra, grandes coros y ganchos poperos que se quedan en la mente terminado de oír el disco. Grohl, explicó en algunas entrevistas, escuchaba a los Bee Gees y a Abba antes de empezar a escribir y componer las canciones. Hay pop entre acordes y letras pues qué bueno, no esperaba menos.

Bridges Burning: Entra con una guitarra amarrada a una espigadera y después salen las restantes; entra Taylor con la batería de metralleta y Grohl suelta el primer alarido que araña la misma corteza cerebral. Uf, me alegra, no saben cuánto. Bridge es un espiral de ritmos parece un planeador que recoge sus alas y a picada eleva la adrenalina, el coro es una contemplación de una sodoma quemada. Bello. Your bridges are burning down / They're all coming down / It's all coming round / You're burning them down / It's all coming round / They're all coming down / Your bridges are burning down. Grohl cae como águila justiciera. Los errores al fin pasan factura.

Rope: El primer sencillo del disco. Las tres guitarras de los Foos parecen aleteos de abejas africanas en plena persecución. Las letras es el desvanecimiento de lo que ya teníamos en la bolsa y sin nada en dos platos otra vez. En la esperanza del otro para salvarnos ambos. La cuerda para salvar o ahocar digmaos un "sacrificio".

Dear Rosemary: Rosemary como un nombre de salvación casi virginal. Decirle a alguien que no va a durar sin uno es hasta cierto punto egoísta. Es el moño al rompimiento de algo. El amor no se desvanece, solo se rompen los brazos para llegar al otro y no es lo mismo gritarle al corazón porque no tiene oídos. Muy dentro está todo pero bueno... bla bla bla. Todo se rompre y el recuerdo durará años.

White Limo: Rock de altos decibelios. Grohl es un grito de conciencia. Un pequeño diablito o angelito con guitarra en mano roqueando en el hombro. Una estridente kick-ass-rock-song-Foo's-original. Fuck Yeah.

Arlandria: Es una oda al karma donde por más que se haga lo que se pueda en una relación no es suficiente. La incompatibilidad a veces es un perro abismo. And when you said I couldn't give you enough, / I started giving you up, I started giving you up ..... You are not me, Arlandria, Arlandria. / You and what army, Arlandria, Arlandria? / Oh, God you gotta make it stop. Tratar de pegar el papel mojado. Para estas cosas hay que tener un talento y ganas de resolver las cosas pero aquí ya estoy proyectando.

These Days: Es una rolita que empieza como una nostalgia pero en realidad nos damos cuenta que es la sentencia que llegará. Parece como el abrazo con palabras vacías, como las que se reciben en un funeral. El coro es un aventón del brazo para quien nos consuela. Claro nadie ha muerto más que una relación, seamos claros no es una canción para funeral pero si la decepción de ver como alguien quiere apagar un incendio forestal con un vaso de agua. Easy for you to say / Your heart has never been broken / Your pride has never been stolen / Not yet not yet. El One of these days del final es la mirada de orgullo roto y, si queremos ser más amenazadores, levantamos el brazo con índice incluido y se lo decimos: One of these days.

Back and Forth: Verse cuando se era y se aspiraba a ser como el otro. La fascinación por la pareja reevaluar eso no siempre es bueno. Hacerse las preguntas y escupirse las verdades: I'm lookin' for some back and forth with you / Are you feeling the same as I do now and now and then? / I'm lookin' for some back and forth with you / Are you feeling the same as I do? / Down and out. Vale la pena seguir... Ufff. Buenos riffs. Rock suave y con gran onda.

A matter of time: Todas las señales están dichas, todas las cartas en la mesa. Uno todavía revisa si hay alguna manera de salvarse de pagar o en otras palabras y juegos, evadir el jaque mate. Nos vemos las caras abriendo las cejas. Lo que sigue es lo obvio. Siempre se sabe siempre.

Miss the Misery: Por momentos parece Alice in Chains, un pequeño guiño que no logro descifrar aún. Para esta canción, la adrenalina que trae la banda no se siente como un empacho o que todo suene igual. Cada canción, repito se distingue. La letra es masoquista. Después de tanto tiempo de sentir la angustia y la esclavitud se extrañan las cadenas. Suele suceder muy seguido.

I Should Have Know: Por alguna razón me remitió a Black Keys, como si así sonaría el dúo en el futuro. Los Foos aquí son íntimos y resignados. Grohl canta el título de la canción como un golpe al corazón se lo dice muy en serio y claro el error fue grandísimo. La herida acaba de ser hace 5 o 6 minutos. La sangre aún huele. No I cannot forgive you yet / To leave my heart in debt / No I cannot forgive you yet / No I cannot forgive you yet / To leave my heart in debt / I should have known.

Walk: Grandes las letras; sinceras. Despertar del sueño. Un nuevo comienzo. Gran final para Wasting Light. Volver a ser el mismo, recordarse con todo y aburrida rutina. Poner los pies en las huellas a ver si son las mismas, si cambie algo, si no fue tan dramático todo el asunto. Siempre con los epilépticos recuerdos y deja vús que erizan la piel. Todo eso soy aún. I'm learning to walk again / I believe I've waited long enough / Where do I begin? / I'm learning to talk again / Can't you see I've waited long enough / Where do I begin?.

Wasting Light es el mejor disco de los Foos. Tiene todo en cuanto a rock, ruido, es duro y áspero y un gran viaje salvaje y emocional. Son 11 canciones que no bajan la guardia. Creo que los Foo Fighters son el mejor grupo de rock de los últimos 11 años. Este noveno disco de estudio es un terremoto sonoro de guitarras que junto a la batería y bajo son indestructibles. Chris Shiflett, Nate Mendel, Taylor Hawkins, Pat Smear y Dave Grohl, grabaron el disco en el garaje de Grohl.

El disco lo tocaron en su totalidad en el Late Show con David Letterman, incluso hicieron una gira por todos los Estados Unidos en los garages de algunos de sus seguidores. Búsquenlo en Youtube. El grupo sigue amarrado a sus raíces y a su autenticidad. Pueden tocar en el Estadio de Wembley frente a 85 mil almas o en un garage frente a 40 personas que la energía que recibirán será la misma. Sin efectos y sin maquillaje. Los Foo Fighters son la banda de Rock más importante en estos momentos y este disco es como ya dije, de los más potentes y poderosos. Larga Vida Foo.

127 HOURS: AGONIA INSUFRIBLE DE GRAN FACTURA

Pocas y grandes películas alcanzan un nivel de incomodidad en el espectador donde, por dos horas, se es testigo de una historia difícil, agonizante, agotadora y lacerante como 127 horas que, dicho sea de paso, está basada en una historia real.

Aaron Ralston es un alpinista cuyo espíritu aventurero lo lleva a los desiertos de Utah y en un resbalón nuestro protagonista cae al fondo de una grieta junto con una gran piedra que le deja atrapado el antebrazo. Es así que un título como 127 horas nos provoca hacer cuentas con las dos manos para que luego de 20 minutos de duraciòn, nos enfrentemos a un drama que hace pleitesía a la sobrevivencia. Y sí, para los despistados, 127 horas es lo que se tardó en salir.

Encontramos en nuestros créditos, y como otro tipo de incomodidad, el nombre del director Danny Boyle que, en la propia voz de este autor, ha tenido una carrera para otro tipo de gustos, digamos, poco convencionales y en la última década, poco convincentes. Con Boyle podemos regocijarnos de aciertos mayúsculos, como Shallowgrave, Trainspotting, A Life Less Ordinary, y 28 Days Later, además de descalabros aparatosos como The Beach y Slumdog Millionare que si bien fueron aplaudidas y premiadas seguimos sosteniendo que nadie se sienta a ver éstas últimas en su sano juicio.

Si bien su carrera se maneja al filo de la navaya, Boyle retoma con autoridad ese cine intrépido, arriesgado y cautivador que nos atrapó en la década del 90 y 127 horas es un trabajo sólido que reafirma al gran director del que se seguirá esperando mucho y exigiéndo más. Conviene por parte de las nuevas generaciones revisar el inicio de su carrera pues ahí donde yace el verdadero corazón e integridad de Danny.

No te rindas

Seguimos a Aaron intepretado por un James Franco. Admirable es para cualquier actor cargarse una película a los hombros y que importe la historia que nos cuenta. Franco ha sido famoso por su personaje de Harry Osborn en la trilogìa de Spiderman, las comedias Knocked Up, Pineapple Express y su rol dramático en Milk.

A diferencia de Tom Hanks en The Castaway y con la ventaja de tener a una pelota llamada Wilson como acompañante en el caso de Franco, Ralston en sus 127 horas, debe lidiar con las visiones esquizofrénicas de salvamento, gritos de desesperación, ayuda con su equipo de sobreviviencia además del agotamiento de recursos y la muerte. Como ya conocemos la historia, en la vida real Ralston acaba por amputarse el brazo y está demás decir que la escena de la amputación es para enamorados del cine gore. La experiencia James Franco en 127 horas conmueve y entretiene. Franco transmite con mucha naturalidad y espontaneidad el espíritu de celebración por la vida, a pesar del horrible momento por el que atraviesa el personaje y cuya visión, comparte Boyle ya que si volteamos la mirada cada obra es una celebración a la vida a pesar de las tribulaciones.

127 horas es el retrato cinematográfico muy a lo Relato de un náufrago de García Márquez. Tiene momentos de mucha intensidad con inquietante ironía y risa nerviosa que son interminables. La narración de la película nos nos lleva al pasado, al presente y a futuros posibles con alucinantes escenas que gracias a la técnica cinematográfica y huella digital de su director, somos capaces de explorar mientras nos deja sin respiro. Muy recomendable. Si vamos a estrellas le pondría 4 de 5.

THE FIGHTER: CONTRA TODO Y TODOS

Ganándole la carrera a la ceremonia de los Oscar y a los cines de Guatemala que se tardarán muchísimo antes que les de la gana enseñar las películas, la piratería, gran fuente de cultura, continuará siendo ese acicate vital para los que gustan del cine. Pero entremos en materia. Según una revista de deportes Sport Illustrated que tiene un gran prestigio en EEUU, cataloga a The Fighter como la mejor película sobre deportes de la década. Creo es un poco exagerada la observación.

Una película de deportes tiene por obligación, transmitir la pasión por un deporte. Por otro, tenemos que ser testigos de la lucha personal del protagonista. Para que inspire tiene que haber un escenario complicado. Si tiene humor, es mejor pero regularmente es una lucha trágica con un final, sí, predecible. La mayoría de grandes historias deportivas son tomadas de la vida real y, después son ficcionadas. Y, entre más reales sean las coreografías deportivas, mucho mejor.

Eres mi héroe

Este drama sobre una familia numerosa y dirigida con puño de hierro por la madre, nos presenta a dos hermanastros. El mayor fue una antigua leyenda del boxeo al ser el único que pudo botar en su momento al gran campeón de peso Welter Sugar Ray Leonard; Sugar Ray ganó por decisión unánime pero esa pelea convirtió a Eklund en "The Pride of Lowell". Dicky Eklund, es interpretado impecablemente por un cadavérico Christian Bale.

Ya casi con 31 años y haciéndose un nombre en el deporte del boxeo viene "Irish" Micky Ward interpretado por Mark Wahlberg. A Micky lo maneja su madre Alicia Ward (Melissa Leo). Micky conoce a Charlene (Michelle Adams) y es ahí donde empieza una lucha de poderes "feministas".

Mientras tanto HBO hace un documental a Dicky quien dice que el trabajo fílmico será regreso a su carrera boxística, aunque después conocemos el motivo principal de la filmación. A Micky le consiguen una pelea en Las Vegas y en el último momento, su rival cancela y es emparejado con otro de mayor complexión y peso, y tienen que pelear por dinero. Micky sufre una paliza. Toda la familia se culpa entre ellos y como buenos montoneros culpan a Charlene. Es ahí cuando Micky decide tomar las riendas de su carrera y recibe una oferta para entrenar en Las Vegas con todo pagado. Dicky al conocer la oferta intenta conseguirle lo mismo: un gimnasio profesional y más dinero pero se ve envuelto en problema con la policía y prostitución, y cae preso. Micky por defenderlo acaba con la mano quebrada.

El gran Bale

Sin duda el personaje de la película es el papel de Christian Bale. El perdedor que busca una oportunidad de redimirse y de una vez por todas hacer las cosas bien. Bale tuvo que bajar 30 libras para el papel cosa que a la academia le encanta este tipo de cambios (No así tan dramático como el maquinista donde llegó a pesar 90 libras). La actuación de Bale es tal que de pronto te olvidás que es él.

Tanto Melissa Leo como Michelle Adams enfrentan ese duelo entre mujeres en la búsqueda de lo mejor para Micky y ambas tienen sus momentos de intensidad. Con Wahlberg, bueno, es difícil verlo como alguien más que él mismo, sin embargo es un personaje que lentamente nos conquista.

¿La mejor de boxeo?

Creo que exageran. El drama es real sí, y vemos a lo largo de la película el viaje de Ward de tener que luchar contra todas las personas que "le quieren ver ganador". El boxeo es como un segundo plano, acaso una excusa.

Las coreografías de las peleas quedan un tanto desbalanceados unas funcionan otras, bueno... Es difícil emocionarse con estas peleas si ya se tiene dentro del acerbo cultural a las sangrientas palizas de Raging Bull, Cindirella Man, o Ali.

The Fighter es un drama, entretenido y doloroso, por momentos agotador y extenuante pero te mantiene a la expectativa. Su ritmo no es aburrido y te preocupan los personajes. Realmente queremos que la familia y en especial Micky junto con Dicky sean otra vez los reyes del boxeo. Emocionante relato.

Dirigida por David O'Russell
Escrita por Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson.

KOЯN: EL TRAUMA IMPLOSIVO

En la quietud de lo limpio y puro, y la fantasía de casitas iguales, colonias y suburbios que albergan sonrisas y estilos de vidas que desbordan inocencia. Allí donde rara vez existe la realidad, donde nunca habrá una lágrima de tristeza, donde todo es plástico y vivo. Pero cuando se cierra las puertas surgen las caricias incómodas, el incesto, el abuso, violaciones alcahuetas. Ahí donde los golpes con cincho, paletas u otros utensilios de cocina laceran infantes. Que cuando llega el amanecer, la niña recuerda con su caminar la penetración paternal, o el niño golpeado fue víctima de una felación maternal y se dispone a ir a la escuela como único oasis de escape. Es ahí donde tiene que enfrentar a los abusadores que se desviven por destruir a golpes y humillaciones lo poco que queda de dignidad. Porque la debilidad debe ser castigada y el castigo entre más hilarante sea mejor hasta desear que suplique la muerte. Todo eso vuelve a la normalidad los fines de semanas de asados y comidas entre vecinos. Allí encontramos la implosión y la destrucción del espíritu. Muñecos pasados por seres humanos.

James "Munky" Shaffer y Brian "Head" Welch estaban a punto de irse del bar cuando en escenario empezaba a tocar un grupo llamado Sexart. Su vocalista Jonathan Davis empezó a cantar. ¡Oímos a John cantar y yo y Brian nos miramos con la boca abierta! ¡Oh Dios! Así que nos dimos la vuelta, nos sentamos otra vez y vimos la actuación completa", dijo Munky. Al terminar la presentación se acercaron a Jon y le propusieron unirse al grupo. A Davis no le interesó para nada. Al regresar a su casa, Jon habló con una tía que es astróloga y lo convenció que aceptara la oferta. Jon quedó impactado por la profesía y contactó a Munky para hacer una audición. Jonathan Davis por aquellos tiempos, era un asistente forense a quien le fascinaba cortar cadáveres e imaginarse cómo habían muerto las personas. De niño sufrió la separación de sus progenitores. Se quedó a vivir con su padre quien al poco tiempo se volvió a casar. Jonny sufrió el abuso de su madrastra y cuando iba al colegio era víctima de los abusadores. Esto le sirvió de material para sus composiciones.

La placa homónima de la banda sale en 1994. Guitarras de siete cuerdas que al distorsionarlas retratan una atmósfera tétrica y siniestra donde el horror es normal. En Korn hay un clima de desesperación y autodestrucción como catársis, a veces utilizando imágenes perturbadoras y díficiles de imaginar.

Blind: Los metales parece que despiertan el apetito y la guitarra rasga como un serrucho, pero la distorsión la eleva a sierra eléctrica de un asesino sediento. Cuando el compás de la canción entra, estamos atrapados en nuestra cabeza, temblando detrás de la puerta, esperando esa caricia que nos hace querer tomar nuestro cuerpo y destruirlo como un jarrón. Es mejor cerrar los ojos y dejar que todo pase. I stand alone! / How deep can I go in the ground that I lay? / If I don't find a way to see through the gray that clouds my mind. / This time I look to see what's between the lines.

Ball Tongue: Lo impactante no es lo que dice si no cómo lo dice. Ball Tongue suena tan sobría y destructiva. Dispara una traición como una bala atómica pero a una velocidad de ametralladora israelí. Ball Tongue! / -You got the dykes off, I think they'll mind me / Ball Tongue! / The rag I'm on, we are justified / Ball Tongue! / Congrats you just fucked up my make-up and shit / Ball Tongue! / What have you done for me?!

Need to: El retrato de una violación. El niño que busca consuelo en su madre y después el trato sexual. Each day confronted with what I have done / You pull me closer, I push you away / You tell me it's okay, I can't help but fell the pain. El trauma sigue tan explícito. I hate you!
Why are you taken? / I love you! / I feel so helpless / Why is it you? / Ripping my insides each time I'm with you / Why do I try? / Why do I really need to? / Why!! Why!! Why!! Why!! /
Fuck you, bitch!. Impresionante.

Clown: El daño que produce el deseo implosivo de romper cabezas. Los enemigos salen como cucarachas. Los cobardes golpean porque quieren y abusan. Clown you ain't shit. Turn around and get your face split.

Divine: Cuando te pegan y golpean, sólo reflejás lo podrido que hay en el otro. Es divino ver tu sufrimiento, dice Davis: You're gonna waste your time, / Your life will soon be mine, / You're definitely one of a kind, and / You're suffering 'cause of me, it's divine. Cierta dignidad despierta del abusado que resurge como un ser poderoso. You know what, Fuck you! / I'm fed up with you! /I'm not as good as you?! /Fuck no! I'm better than you!

Faget: Dentro de esa aparente fuerza que se proyecta hay una debilidad que inunda y quiebra los sentmientos más nobles para que el odio y el abandono propio tomen su lugar. I sound like I can never seem to escape /all the laughing, all the pain / If you were me, what would you do? /Nothing, probaly. You'd just throw me away. ¿Qué soy si solo soy un objeto?. All my life, who am I? / I'm just a faget! / Faget! / I'm a faget! /Faget!

Shoots and ladders: Canciones infantiles fueron incluídas para darle un aire muy siniestro. Davis dice que los niños cantan ésas cosas y no tienen idea qué significan. Ring Around the Rosie es una canción sobre la peste negra. Shoots se caracteriza por la gaita. Instrumento escocés cuyos ancestros de Davis son honrados cada vez que la toca. En señal de respeto y como un homenaje a sus raíces, Davis viste un kilt en los conciertos. Los ignorantes tachaban esto como la declaración de moda de un gay.

Predictible: El aburrimiento de rumiar los sentimientos todos los días. Should I pray / for all the hate to go away / another day / I can never break free / You wait for me / I call out to you /Another day /I'll live forever!

Fake: Intentamos ponernos en el lugar del abusador y lo asqueroso y falso que es. Davis no se guarda nada y lo pinta exacto. "Si lo que siento yo lo siente el otro cuando me destruye el abusador tiene mucho que perder", dice entre líneas.

Lies: Es retorno a la vida de dolor y masoquismo; para volver a sentirte vivo. Las mentiras como un frágil telón que separa lo doloroso de lo destruído: Do you ever see it [out from] outside your fears / Thinking about your life / Thinking about your inner fears.

Helmet in the bush: La plegaria de un niño que después de ser abusado golpeado y destruído quiere huir en un sueño confortador para que al menos en ese sueño encontrar la libertad y quién sabe encuentre el premio de "nunca despertar". Pide a Dios. ¿Escuchará? Morir en un sueño... es la perfecta huida. Please God let me sleep tonight, / die tonight, / die tonight, / die tonight.

Daddy: Violenta. La violación de un niño por su madre. El escenario es explícito. You raped, I feel dirty / It hurt, I'm not a liar / My God, I saw you watchin' / Tell me why?? your own child.../I scream, no-one hears me / It hurt, I’m not a liar / My God, I saw you watchin' / Mommy, why?? your own child... / You raped, I feel dirty / It hurt, I'm not a liar / My God, I saw you watchin' /Mommy why?? Your own child... / I scream, no-one hears me / It hurt, I'm not a liar / My God, I saw you watchin' / Mommy why??? Davis grita y llora. Escalofriante. I hate you / fuckin' hate you

Korn es un retrato explícito, un triunfo artístico y perturbador. La violencia que encierra es indignante. Un disco emocionalmente honesto a pesar de las consecuencias. Pero su mensaje tiene un eco de tres vidas y llega, mientras escribo, al idiota que reparte golpes sobre un joven débil, o mientras una niña es encerrada en un cuarto y obligada a tocar el pene de un degenerado. La música, más qué un acompañamiento, es una extensión áspera y distorcionada de una realidad sempiterna.

LOS BASTARDOS DE TARANTINO

Siempre pasa lo mismo con las películas de Tarantino aquí en Guatemala. Vienen igual de tarde que el desarrollo, la educación, la salud, etc. Por lo menos al cine llega, lo otro, bueno... Los Bastardos sin Gloria se estrenó el fin de semana pasado. Tengo que decir que tenía mis expectativas acerca de la película, unas se me vinieron al suelo pero surgieron otras que me gustaron. Deshuesémosla.

Los Inglourious Basterds está basada en una película italiana llamada Aquel maldito tren blindado (1978) de Enzo G. Casteralli que al traducirla para aquel público, en aquel tiempo, fue Inglorius Bastards y de allí parte la inspiración de Quentin para hacer su versión, aunque con la pequeña modificación vocal de Bastards a Basterds para diferenciar.

Si se es un apreciador de Tarantino, como me considero yo, ver sus anteriores películas que son un plagio de otras solo que optimizadas, siempre resulta un deleite ver Perros de Reserva. Disfrute mucho Pulp Fiction, Jackie Brown y Kill Bill I y II en especial la segunda parte. Te atraen los diálogos, el humor, la bestialidad de las escenas y empezás, sin querer, a tener cierto fetiche por la sangre.

Sin embargo creo que aquí Quentin resbaló, me dio la impresión que empieza a copiarse. Los diálogos son interminables y agotadores. (Tendré que buscar a los hermanos Coen de ahora en adelante). Y si no hemos visto sus películas anteriores seremos muy fáciles de impresionar. De pronto es un tanto aburrida esa palabrería insustancial disfrazada de tensión, pero en otras escenas es genial. La magia se va diluyendo. El único que sacó esa magia fue Mike Myers. Empiezan los créditos de Kill Bill y Pulp Fiction, y la música de Ennio Morricone; es territorio conocido ya.

La película nos introduce en aquella Francia ocupada por Alemania durante la segunda guerra mundial situándonos en una granja olvidada. De pronto el terruño es invadido por soldados nazis que llegan en sus motos para visitar al dueño. El detective Hans Landa interpretado por Christoph Waltz, el mejor personaje de la película, interroga cándidamente al humilde granjero y le ofrece una salida para salvar a su familia y así, detener el hostigamiento ya que los nazis sospechan que en esa casa hay judíos escondidos. Hasta allí todo bien. Aunque un tanto mareado por los idiomas y el diálogo, y cuyo fin de la escena llega cuando le da la gana.

El discurso del teniente Aldo Raine (Brad Pitt) para reclutar a su fuerza élite es inspirador. Raine en un tono sureño, ingenuo y perverso, exige a sus soldados el cuero cabelludo de 100 nazis. Pitt encarnó al típico gringo idiota de manera convincente. La escena cuando trata de hablar italiano arranca las mejores risas. Algo que me molestó fue no ver a esta fuerza élite de bastardos en acción tanto como quisiéramos. Me recordó a Bill. No sabemos cómo pelea hasta el final del segundo volumen y en una escena escondida en el DVD sabemos que es un verdadero h.d.p. Otra lectura interesante es el Hitler de Tarantino. Tiene la pinta de Shazam con una capa de collar. Un Adolf desquiciado, divertido y torpe.

Si nos internamos un poco más, la escena de la taberna se me hizo eterna, tensa e interesante. Supongo que todos los actores que quieren darse a conocer en una película de Tarantino, pelean por aportar con sus actuaciones la genialidad que el director exige y para esto necesitan un buen metraje que, de pronto, es extenuante. Hasta las voces de Samuel Jackson y Harvey Keitel aparecieron en un breve cameo a fuerza de calzador.

Hay que tenerle paciencia a la película porque es entretenida dentro de lo que ofrece. Depende de uno si entra al juego de Tarantino o no. Los bastardos sin gloria no es una película que responde a la historia real. Es Tarantino's story. "Es mi mejor obra" dice Pitt por Quentin al final. No lo creo pero como dije, hay que armarse de paciencia. Son 2 horas y 33 minutos. Pone en evidencia mis conflictos. Si sigo admirando a Tarantino o de plano quedaré anclado a sus películas anteriores.

SENCILLAMENTE BOHEMIA SUBURBANA

Seamos honestos. Hay pocas bandas en Guatemala que valen la pena. La saturación en medios del rock nacional no necesariamente es lo mejor. Hay cientos de bandas que tocan en centros nocturnos y de allí hay una flojera crónica de escribir música con significado. El país se cae a pedazos y poco es lo que hace la música nacional, no digamos el rock, para reflejarnos. Después no hay mucho qué ofrecer más que grupos de toques. Musicalmente hay pocas bandas que ofrezcan un solo de guitarra digno y eso cada vez se convierte en un mito. Gracias Dios hay bandas que existieron hace 20 años que hay otros países, sino... Como digo, es una flojera, tanto de pensamiento como musical, que si hoy muriéramos y pidieran cuentas, nos vamos fritos. Los mejores guitarristas no tienen grupo, por ser divos, obviamente. Tocan por ahí, ocasionalmente y como sobrepasan a sus colegas... el ego otro factor. Y los que se atreven no tienen el talento requerido. Son, en simples términos: cargadores de instrumentos. Ni hablemos de la honestidad de los músicos. Nadie habla mal del otro, todos los grupos se creen The Beatles o los Rolling Stones y escriben como Bono, James Hetfield, Mick Jagger, o sea, ni a Rigo Tovar llegamos pues. Pero todos, eso sí, se ven como titanes. Y ni hablemos del público nacional, esos son otros 100 pesos, bailan lo que les pongan sea bueno o no. Lo mismo da reggaeton que "Oye traicionera". El reggae es el idioma dominante y no hay de dónde sacar uno bueno. En cuanto al rock hay excepciones y no necesariamente son nostálgicas o de consuelo.

Vomitado el cólico ya nos podemos meter a Bohemia Suburbana. Este cuarto disco de estudio es una propuesta cuya clave es: la sencillez. De pronto hay guiños a otros grupos como Coldplay o Interpol. Sin embargo Bohemia ha tenido un sonido muy a brit pop desde siempre. Es una referencia para que nos ubiquemos. Rocanrol de 4x4 dijo Giovanni Pinzón, vocalista de BS, que es este disco. Ciertamente.

El disco abre con Serenidad. Llorando penas / tragando alcohol / mismo bar / misma esquina, misma silla y mismo actor. El tedio nuestro diario vivir. Somos una sociedad patética, pero Pinzón no se queda en la superficie. No fui yo / algún demonio me transformó / alimentado por rencor en una bestia salvaje / porqué no es fácil ignorar / dificil es perdonar. La solución en sí es la última palabra. ¿podremos nosotros?. Todo se consigue con: Serenidad todo lo que sube tiene que bajar / Serenidad todo lo que quieres lo podrás tomar. Sencillo no?.

El Diablo comienza como The Hives en the Idiot, del primer disco de los suecos. Sigamos. La letra va gancho tras gancho, pegadiza. Si algo se le da a Giovani es que sabe que lo que nos gusta. La lucha entre el bien y el mal / Qué puedo hacer si lo que Dios me apaga / el diablo me lo enciende. Un sencillo de promoción atinado. 3:05 minutos bien invertidos.



Noche y día. Bajo (Piolly), batería (Duque) y Pinzón suenan a como reto que hay que responder. Cuando llegamos al coro: He sido y sigo por amor. Todo se vence con eso. Hay una catársis que se lava con la palabra de cuatro letras. Aunque la canción sigue con la cruz de todos los días de sobrevivir, está claro que sin amor no hay nada a pesar de la catarsis. Todo lo cura, todo lo puede. Parece una máxima alcanzable. Querer es la cuestión.

Quiero decir es una balada. Lo que no se pudo decir, lo roto. Extrañar los viejos olores y viejos amores. Una mirada más / tan sólo para contemplarte / una ventana al sueño que se esfuma con la espuma del mar. Cursi, si, pero la pedrada duele. Auténtica y otra vez, perdón por la necedad, pero es sencilla.

Cuando me hablas, es coldplay de X&Y sigamos. Entrañable la letra. Aquí se nota la química de la banda todos aportan más al sentimiento transmitido por Giovani que en explotar sus habilidades. Hay una integridad y sinergía que hacen que la canción sea orgánica y por lo tanto te eleve. Sigue siendo Bohemia. Hace tiempos cargo en tu mirada y siento nada, nada Hace tiempos que te busco y me rebusco sin poderte encontrar / pensando en el asesnsor pescando en ríos de agua oscura y rara / Voy a pedirte que no llames más / Voy a decirte que me duele cuando me hablas. Y así la canción escarba más.



Las canciones no pasan de 4 minutos y no producen bostezo, eso se agradece. Nos mantienen hipnotizados. No vale el olvido sigue esa línea de despecho pero es de otra dimensión. Dice más desde otro punto de vista. Cuesta respirar, es el fin de las cosas y el eterno estado de negación al que nos sumergimos. Siguen los ganchos. Giovani tiene eso que cualquier frase la hace pop. Uno a veces no se explica que de pronto hasta las muletillas suena puntuales, esto puede ser un problema y a veces no lo es. Esto no quiere decir que no se deje de mencionar.



Bestias de acero. Es rápida y pegajosa de 4X4. Sobrevolar tiene la misma tónica. Relájate mujer parece una canción para la defensa de los derechos de la mujer. El apego puede ser tan destructivo. Todo cambia, reitera. Rejájate mujer nada es eterno / Ni el fracaso, la victoria, ni el verano y el invierno. La voz de Pinzón suena a conciencia. Relájate mujer busca tu brecha / te cuesta comprender la soledad. Claro, conocernos a través de la soledad, pero llegar a ese entendimiento... (trueno de labios) estamos lejos.

Una Plegaria para terminar el disco es de ritmo lento. De pronto nos envuelven coros y aires celestiales, es decir, órgano de iglesia, voces angelicales. Para cantarla después que dan la comunión, casi. Retomando la tónica, la letras buscan lo inalcanzable por medio de la fe. Enfrentar las cosas como son a pesar de las consecuencias, sobre todo el no huir de las situaciones. Ya no /renunciaré a este vuelo /quizás me parta un rayo / ya no percudiré mis alas / con este mal. Lo que se pide es la paz necesaria pero eso cuesta también.

En la actualidad hay muy poco que suene creíble sin utilizar máximas de agendas para rellenar conceptos. Esto es altamente ofensivo y una condena infernal para alguien que sabe de música. Apoyar al rock nacional a ojos cerrados es negarse el conocimiento propio. A eso estoy en contra rotundamente. Después cae un disco que te lo dice todo con sencillez de otra forma, sin ser pretencioso y con un sonido limpio. El disco es un triunfo. No es mentira cuando, los exigentes como yo, dicen que el rock nacional revive con un disco de Bohemia. Aquí hay un trabajo concreto y sólido de cuando se quieren hacer las cosas bien sale un producto redondo.

Fotos del sitio de Bohemia en Facebook.

WATCHMEN: LA FATAL PELÍCULA DE MIS COMPADRES

Es de quedarse con la boca abierta y parpadeando dos veces en señal de admiración y confusión por esta película. No voy a hablar de la novela cómic porque no la leído, por un lado, y por el otro estamos hablando de cine. Empecemos. El despliegue monumental de efectos especiales dentro de una trama confusa y que no acaba de despegar sino hasta dos horas después, acaba por aburrir. La película prometía en los primeros 40 minutos. La secuencia de los créditos seduce con la canción de Bob Dylan The Times They Are A-changin'. Después empieza la intriga con el asesinato del súper héroe "The Comedian" donde Rorschach descubre una conspiración en contra de la primera promoción de Watchmen muy a lo de la caricatura "The Incredibles" para mejor referencia.

Resulta que estos mis compadres "vigilantes" en su primera promoción, han sido vetados por errores cometidos a la humanidad y por lo tanto se les prohiben trabajar a todos los súper héroes debido a una ley promulgada por el presidente Richard Nixon, quien ya lleva su cuarto período en el poder. Por cierto, un maquillaje fatal, parece Pinocho.

Catalogada por el marketing como "la película del 2009" levanta cualquier sospecha en un cinéfilo o visitador de cine común.

Mientras recorremos la película descubrimos que los personajes sufren de baja autoestima, conformismo y son carentes de luchar por sus derechos como súper héroes. Éstos Watchmen victimizados no intentan despertar nuestra empatía y sus poderes, por mucho no inquietan ni acaban de convencer. El caso de Lauri Jupiter que solo golpea y destroza con un espandex soñado para una escena de sexo como una que se me ocurrió en mi cabeza. El otro Nite Owl cuya gracia es fuerza poderosa y tener unos lentes para ver en la noche ¿Y?. Por otro lado el Dr Manhattan que, igual que Hulk, obtiene sus superpoderes por accidente científico y en ningún momento los demuestra espectacularmente como debería. El mejor desarrollado y escrito es Rorschach, un cuate a lo Sherlock Holmes y misántropo (muy a lo Dr. House) cuyas manchas creadas en su máscara son su única reacción. Si sos un piscólogo o estudiaste psicología lo entendés perfectamente. Empezamos escuchando su historia con un tono de vos inquietante pero de pronto es cortada y nos desencanta.

Watchmen es una película para fanáticos y solo fanáticos. Para un simple espectador la historia no conmueve, es demasiado fría, un craso error de dirección y de los guionistas complacer a este minúsculo grupo y otro más aún, el no incluir a la audiencia en su instrucción. Es difícil convencer con personajes de valor fracturado, que sufren como protagonistas de novela de las 5 de la tarde; nos da lo mismo sin viven o mueren. Dr. Manhattan que es el más poderoso falla totalmente en transmitir esa divinidad adquirida, parece un Oscar gigante con genitales. El de Nite Owl es tan torpe que acaba siendo un superhéroe tonto, desechable y poco atrayente, parece un tipo que maneja una fotocopiadora. (Peter Parker tiene la misma personalidad, retraído, saca joroba, tímido pero cuando sabe que es Spiderman hasta Parker mejora como persona).

De la película rescato la música y las escenas de acción porque la resolución para alcanzar a la paz es totalmente fuera de lugar. Se cae en un tedioso y largo final donde no es precisamente exhaltación del superhéroe como tal sino decir que la culpa la tienen los humanos porque no nos dejan trabajar. No profesa el término de sacrificio del superhéroe que grita a los cuatro vientos como Batman, Spiderman o Ironman, donde prevalece la verdad para defender la justicia y la humanidad. Watchmen es todo lo contrario. Solo puedo concluir que fue necedad que junto a un desinterés total sin un ápice de pasión, llevar una película que merecía mejor justicia y otro director. Quitémosle los efectos especiales y nos queda una cosa tan desabrida como Daredevil.

SLUMDOG MILLIONAIRE: ¿NOS DEBE DE GUSTAR?

El triunfo del desvalido es algo que nos gusta a todos. Nos da esperanza al resto de los mortales, somos capaces de ganar todas las batallas, salimos en caballo blanco (porque antes solo recogíamos el excremento), y nos ganamos el corazón de la mujer de nuestros sueños, enfrente de sus casi 1,200 millones de indios.

Slumdog... retrata con crudeza el vivir en los barrios miserables de Mumbai, la violencia incesante, la explotación de niños y demás enfermedades muy de las sociedades enfermas, como la nuestra, en donde la lucha por lo correcto y lo bueno es una total estupidez.

Éste tratado fílmico, así le dicen, toca un nervio popular en ese sentimiento tan aspiracional como es el de convertirse en un millonario y lograr todos tus sueños. Es lo que le pasa a Jamal, un chico de la calle que se hace seleccionar para la versión del programa ¿Who wants to be a millionare? en su versión India. Es entonces que se desarrolla otro paralelo cuando es capturado por la policía y es torturado ya que lo consideran una farsa por saber las respuestas. Por coincidencia las conoce, no por saberlas, sino porque durante su vida ha estado en contacto con esa sabiduría de la calles y las puede responder. Mucha coincidencia y suerte de pronto no hace creíble el resultado final, pero qué importa porque es una fantasía y ya. La historia es soñadora está escrita por Vickas Swarup basada en su novela. Poníendola de una forma que se entienda mejor es una carta de amor a la India. La historia pareciera que está atorada entre una telenovela de las 8 y, una película para televisión que es para cine porque está repleta de clichés. Esto no es prometedor pero ante tal bulla y mercadotecnia nos dejamos llevar.

La Dirección de Danny Boyle aporta otra más de lo mismo: terminar con un nuevo comienzo y bailar de la alegría al final. Con el título ya sabemos que nos dan lo que nos venden. La resolución es muy importante para él, así como escoger la vida, una carrera, un trabajo una esposa y convertirnos a todos en seres equilibrados dentro de un caos impregnado en nuestras venas. Buena vibra que le dicen. La esperanza tiene precio si la comprás y luchás por ella.

Podemos discutir este idilio entre Hollywood y Bollywood a manera de tratado de más películas. Es muy claro que habrán más colaboraciones entre estos gigantes de la industria y muy pronto. El futuro inicia con Slumdog Millionaire.

Lo rescatable de la película son sus actuaciones. Todos lo manejan de forma creíble, incluso los niños, que son el alma a lo largo de la película, nos causan un gran apego; sufrimos por ellos. Es por empatía que queremos que triunfen y que se sientan realizados. Podemos dejar el aliento de la envidia en los vidrios de las ventas del centro comercial con tal de disfrutar plenamente ésta película.

Ahora bien, todos estos juegos o clichés dentro de la película los hemos visto en películas como Ciudad de Dios o Quiz Show. La diferencia radica en la actitud y el humor que queramos verla porque si exigimos realismo la película es un enorme fracaso y aunque su dirección, la fotografía, la edición, la música memorable y demás aspectos técnicos, son dinámicos; no hay otra cosa más que una fantasía y ya. Un comercial o infomercial si queremos ser despectivos.

El alboroto de los Oscar hacia la película no debe causar mayor aspaviento de ir al cines ya que va a sufrir de gran indiferencia como ha pasado con otras películas, que han ganado el premio mayor de la industria y Slumdog no la merecía... tal vez The Curious Case of Bejamin Button. Su destino podría ser como el de "Crash", olvidada totalmente en la rotación de la programación de cable. Podemos pasar la vida sin ver Slumdog.

Parece extraño el rumbo del cine últimamente: La realidad se hace fantasía y la fantasía como los comics, se convierten en algo más fuerte que la realidad y lo que queremos es ver comics. Para pensarlo. En resumen diversión y punto.

Quantum of Solace: Una clásica de Bond

Empezando 10 minutos después de Casino Royale, James Bond se ve sumergido en una percecución trepidante. La tensión empieza demasiado rápido y no tenemos tiempo ni de saludarnos con el agente secreto. Recordemos que Quantum of Solace es la búsqueda de esa organización terrorista que traicionó a Bond manipulandolo con Vesper la mujer que le robó el corazón y 150 millones de dólares que se ganó en una partida de póker.

Esta misión ahora es más personal que nunca. Bond busca la verdad y quiere revancha. Mr White asesino de Le Chiffre, es apresado por los británicos para ser interrogado. El enigmático terrorista les confiesa que nunca van a saber hasta donde y cuánto está infiltrada su organización en todos los órganismos de inteligencia. La agencia británica descubre una cuenta bancaria de un hombre en Haití que lo liga con un cabecilla de la célula Dominic Greene. Bond conoce a Camille (Olga Kyrulenko), una hermosa agente que también busca su propia venganza y desea asesinar a un golpista que quiere retomar el poder en Bolivia haciendo un pacto con esta célula terrorista. El título Quantum of Solance es traducido como "un pequño confort" que traducido a la película es el consuelo emocional que tiene el super agente y Camille ya que ambos buscan venganza y encuentran en el otro esa unión, confianza y fuerzas para cumplir su cometido. Es una trama básica y solamente la punta del iceberg.

Quantum se desarrolla esta vez en atmósferas más profundas y ambientes políticos de actualidad. Una crónica de acción de un panorama mundial. Las escenas de acción siguen teniendo esa adrenalina que la caracteriza: cruda, real y estrepitosa. Para que sea traducida a palabras cinéfilas y básicas, es como Kill Bill 2. Sin mística claro, solo que aquí la política es la hala las cuerdas.

Vemos un cambio de actitud emocional en Bond. Hay poco humor en la película, la venganza le impone esa ceguera de bestia tras la verdad, sin embargo, vemos cómo se empieza a quitar la chaqueta de ególatra y ahora es un verdadero hijo de puta, asesino calculador, frío, sin humor y menos sarcástico. Todo lo que nos llamó la atención de la primera. ¡Lo que hace el amor de la mujer equivocada!. Como fanático del póker, Casino Royale me fascinó pero pienso que la gente que no le gusta este juego pudo aburrirse con las escenas y no la entendió; ahora me pasó lo opuesto. Es una película que me asombró pero no me cautivó. Las escenas de acción, eso sí, son soberbias. Esta no es un 9 como Casino pero es un 8. Es un Bond clásico en el siglo XXI, disfrutable por ser más cerebral y te intenta atrapar con esos tentáculos invisibles de poderes subrepticios a nivel mundial. ¿Como que ya la vimos?

La canción es interpretada por Alicia Keys y la guitarra de Jack White. Se llama Another way to die.

Película: Lars and the Real Girl

Es una sorpresa agradable toparte con una película que te reta a sentir. Urga con el dedo una herida cerrada buscando el nervio, toca el sentimiento olvidado y este arde como un pinchazo de bisturí. El suelo te abraza y no sabés si te vas a levantar o no. Lars and the Real Girl es una película que aflora tu estado emocional y te pone en evidencia si acaso, tenés esa solidaridad humana.

Lars actuado brillantemente por Ryan Goslin (The Notebook) nos salpica de una sensibilidad cáustica y nos pela el sentimiento fragil de éste chico tímido cuando empieza a desarrollar un delirio mental provocado por sentir una soledad radical. Sin embargo, su hermano y su cuñada se alegran cuando Lars les dice que quiere presentarles a su nueva novia, a quien conoció por internet, y cenar juntos esa noche. Cuando la pareja conoce a la novia se quedan boquiabiertos. Su pareja es una muñeca de tamaño humano.

Fuera de lo macabro y perverso que pueda provocar adquirir una muñeca tamaño real para satisfacer nuestros sentimientos sexuales reprimidos o por falla de interacción con el sexo opuesto, Lars intenta alcanzar esa normalidad comunicativa y de noviazgo tratando a la muñeca con respeto, vistiéndola, sacándola a pasear al bosque o a un lago. Tal atención despierta el interés de Margo, una chica que trabaja con él. El pueblo se entera y todos lo ayudan a lidiar con su enfermedad, claro, también recibe ayuda psicológica.

La película tiene muchas bromas y situaciones cómicas que de pronto te apenan, y no sabés si reír, tirarle un ladrillo al cuate o internarlo en un psiquiátrico. De pronto parece que estuvieras leyendo "El Quijote" hasta la tercera vez ya entendés al Caballero de la triste figura. Eso pasa con Lars, salvando distancias. Deja muchas reflexiones una película así, cada quien verá lo que siente y por lo que atraviesa actualmente. Una historia sencilla y humana como "Lars and the Real Girl" es de verla una y otra vez.

Dirigida por Craig Gillespie
Actúan: Ryan Goslin como Lars, Emily Mortimer como Karin, Paul Shneider como Gus, Kelli Garner como Margo.

Gasolina: crecimiento inflamable

Una historia sencilla. En los extremos más acomodados de la circunferencia citadina se revuelca una clase media regularmente acomodada y claudicada que sufre de un cáncer llamado decadencia familiar. Sí, es esa clase media con delirios de grandeza que reclama una presencia de aspiración feudal en la sociedad guatemalteca cuando en realidad, se deshace a pedazos por su carencia de valores e intenta agarrar unos cuantos quetzales o migajas para pasar sobre todo y todos y recuperar lo que por derechos propio tiene: El poder de humillar al que no tiene y el de servir al que tiene aunque secretamente le desée la muerte. Éste escenario de hastío tan actual y degradante, es el ambiente de 3 jóvenes para robar gasolina y vagar en un carro con rumbo desconocido. El espejo se levanta y el resultado es: Gasolina. El director guatemalteco Julio Hernández nos muestra con un realismo brutal y salvaje, el final de la amistad de tres jóvenes.

El sentido familiar que tenía la generación anterior terminó. Familias gigantescas y numerosas son ya una estadística histórica. La amistad tiene un valor pobre dentro de la juventud actual; es más una complicidad vandálica para combatir el tedio. Humillar como un poder para conseguir algo o robarlo si no se consigue por las buenas. Es un sí o sí. Si se puede engañar para alcanzar el objetivo, el triunfo es grandioso. Celebremos la impunidad. La película cuenta ese ambiente de colonia o zona residencial donde en apariencia solo amanece y anochece. Pero es la noche que tres ratones salen para cometer sus terribles travesuras. Hernández nos abre la ventana y solamente somos testigos de situaciones que rayan el colmo y la estupidez. ¿Así hemos sido siempre? Pero claro que sí.

La crítica social de Julio Hernández Cordón es ruidosa y brutalmente honesta. Todos somos degollados. La familia, la amistad, el respeto, los valores, etc. Y es que lo que nos transmite el director es que es jodidamente difícil crecer. Se siguen a los amigos más "experimentados", los abusadores y se adoptan costumbres e influencias poco recomendables. El ciego que ayuda al ciego. Se prefiere la soledad del sufrimiento al sufrimiento acompañado. Incluso sufrir es una debilidad que no se acepta en una tribu. La traición es la única forma de ser felices y lentamente en los rostros de los protagonistas y se ve que no lo sienten así, pero deben jugar con esas reglas para mantenerse unidos. Incluso, el consejo de una madre es un sermón que intenta avisarnos que va a pasar lo contrario pero la situación rebasa la estupidez y pasa a convertirse en pena ajena. La película se debe ver con mente abierta y ojos desorbitados aunque de pronto los queramos cerrar. Gasolina te deja con más preguntas que respuestas. Ese reto de cineasta fue cumplido por Hernández. Muy recomendable, un triunfo.

Libertad de Censura

Me tomó tiempo pensarlo. El ángel y el demonio. Libertad de expresión y libertad de censura. Hace ya unas 2 semanas, un conjunto de amigos El Pato, El Paranoide otro amigo que no tiene un blog (Sergio) y yo, nos juntamos a platicar. Comentamos nuestros posteos y salió a colación el post del paranoide: El peor programa de Guatemala (léelo aquí) donde Gabriel hace una comparación muy divertida y caústica sobre el programa de Elizabeth y Domingo Valladares, sí Cuestión de Minutos.

Yo, a son de broma y mala taza, le dije: Mirá, se te olvidó agregar que Elizabeth le lleva la ventaja a Valladares porque Elizabeth es bisexual, así que más para ella. Valladares es Gay con complejo de Edipo porque vive con su mamá. Gabriel me preguntó: ¿Por qué no lo comentaste en el post?, -No sé-, le contesté. ¿Te estás autocensurando?. No me pareció relevante el cuetionamiento ni el comentario por lo que comenté que: No lo puse porque no tiene nada que ver con el post. No soy de la revista Hola o tv y novelas para andar como chucho oliéndole el culo a la gente. De qué sirven esos datos?... de nada. No es mi ambición ser farandulero ni verdulero. Y siempre hay un momento en que uno se entera de esas muladas.

Debo reconocer que el comentario de autocensura quedó resonando en mi cabeza. Pasaron los días y ayer, por la noche, mi amigo Sergio, me cuestionó del post de baladistas esenciales de latinoamérica. Me preguntó que porqué no había incluído a Leo Dan en el conteo y porqué sí a Raphael. Mi respuesta fue categorica: Leo Dan no tiene un buen timbre de voz. Soberbia. La contestación sardónica: Tranquilo juez de la Academia. Le expliqué cuáles eran mis motivos para no escogerlo pero ya habían cerraron las puertas del cielo y yo me quedé afuera. Me estrelló en mi pantalla que Dan es un cantante de pueblo, más de la mara y más cercano a la sociedad e igualmente importante. No lo niego, pero yo escogí a Raphael por ser un cantante tremendo a pesar de sus amaneramientos y porque ha vendido muchos discos. A mi manera de ver Leo Dan canta como mi papá en una fiesta de 15 años. Un plato de soberbia con chile, por favor. Me las llevo de juez. Igual intenté convencer que mi opinión se basa por conocimiento de causa y porque es, también, un gusto personal?. Postre de soberbia con helado de chocolate y galletas, para llevar y la cuenta por favor, gracias.

Como bloguero que intenta escribir y transmitir su opinión se enfrenta a muchas puyas. "La gente te lee porque tenés un criterio más o menos aceptable y agradece consejos o porque no tiene ni mierda que hacer". "El que puede lo hace y el que no escribe". Sos eunoco o crítico. Ignorante o culto. Soberbio o humilde. Muco o fresa. Siempre se sale mal parado al momento de expresar una opinión. A veces no importa si tenés la razón o no. Otros blogueros se autocensuran para caer bien o porque simplemente no piensan o no tienen nada que decir. Eso, es válido también. ¿Cuál es el motivo de pensar y expresarte entonces si siempre hay álguien que, sin miramientos, te censura? ¿Qué se busca al tener un blog y qué tipo de información se consume?

Disfrutar el escribir por escribir. El tener la elección de escoger lo que leés y lo que no. El de cerrar una ventana porque querés. El de CENSURAR a alguien porque no tiene nada bueno qué decir. Esa libertad de censura y expresión. Ángel o demonio. Excelente libertad. Al final... álguien te leerá por las razones que quiera. Insisto tremenda libertad esa. Se forma una opinión y el tiempo le da a uno la razón, y te la dan volviéndote a visitar por cualquier razón que sea o de plano te mandan por un tubo. Qué bueno es ser libre jugando con esas reglas, dandote a conocer, promoviéndote o, simplemente matar el aburrimiento publicando muladas. Anarquía lírica y pensante bienvenida. Dictador de mi propio espacio. Salud¡¡¡¡¡¡

METALLICA: ALIVE MAGNETIC

Buena salud y recuperación es lo que muestra Death Magnetic. Viene tarde, aunque tiene una explicación: Metallica ha pasado por etapas de sequedad donde no tuvieron mayor cosa que decir y sirvieron nada más para probar que se podía hacer discos de fácil digestión y con letras pegonas. Load, Reaload y St Anger, fueron álbumes que salieron con una cucharada de Linasa o Metamusil que no ofrecían nada bueno para el fanático o, incluso, un apreciador musical. Los críticos les dieron la espalda y parecía que la cosa no mejoraba. Luego, ese berrinche de Lars de matar Napster echando la culpa al gigante de internet que los discos de Metallica no se vendieran. Para el geek melómano esa dichosa cruzada solo sirvió para destruir más a una banda que se merecía que no les compraran sus discos por ser lo más cercano a un excremento anémico. Imperdonable.

La contratación de Rubin fue lo más acertado. Bob Rock los estupidizó. Rubin les recordó quiénes eran. Demasiado talvez. Injusto es, pues, que Metallica no quiera volver a ser como antes. Músicos de vanguardia. Aquí Hetfield cuidó más sus letras, aunque de pronto canta aburridos refranes como: What Don’t Kill You Will Make You More Strong; pero, vaya pues, se perdona. Volvió a aquel inconforme rebelde que bañaba de mierda al mundo con tal de sanar.

Magnetic no es nuevo en su fórmula musical y por momentos parece que Metallica se copia a ella misma. Incluso hay pasajes que recuerdan a Judas Priest o Iron Maiden. Pero la copia no quiere decir que Metallica no imponga su rúbrica al incluir esa bateria demoladora y los solos bestiales que tanto invocan al trash y que hoy hacen mucha, mucha falta. La comunión alcanzada en Magnetic es el resultado de una sinergía que ya roza los 30 años y Metallica muestra que en esos 17 años en que alienaron a la mitad de sus fanáticos, es cosa del pasado. Sería injusto tratar al Death Magnetic como una firma de paz. El disco vale lo suficiente como para comprarlo, y eso ya es decir mucho. Aunque con la resequedad musical de esta década el "Magnetic", cae bien.

Cada canción tiene un encanto especial y cada una satisface. All Nightmare Long conjuga trepidantes ritmos y acordes fortícismos, ofreciendo solos sin empacho e imposibles. Cynade se impone con un bajo que hace temblar y que se convierte en la columna vertebral de la canción. Hetfield pide suicidio y la presencia de la muerte. Cyanide, living dead inside / Break this empty shell forevermore. Es el canto de muerte de un inválido y se pide con mucha premura, pero ella llegará puntual.

The Unforgiven III es la tercera parte de la trilogía del mismo nombre. Y el tipo aún no se perdona. Hetfield sugiere un mea culpa se ve a él mismo; la canción deja mucho desasosiego. Su tinte fatalista es grandioso. Forgive me, why can't I forgive me?, reza.

The Day that never comes viene respaldada con un video en Youtube y es el primer sencillo del disco en donde es evidente esa paranoia de vivir o morir, primero yo y después yo. También hay una canción instrumental Suicide and Redemption que recuerda mucho a fórmulas pasadas. La canción tiene muchos pasajes y cambios de ritmo.

Los 7 minutos por dosis de canción no se sienten. Death Magnetic tiene un ritmos imponentes y trepidantes, letras tortuosas y poderosas que se traduce es un trinfo a pesar de la repetición de fórmula. Es un regreso muy importante como para no escucharlo. Es alguien enfermo que se cura y Metallica está vivo y curado.

...And Justice For All. Metallica hace 20 años

Aunque resulte denigrante llamarlo el mejor álbum trash, no se le compara con decir el mejor Álbum de Metallica de los 80's y el más importante del Heavy Metal hasta ahora. Complicado y sobreproducido, si sonar despectivo, El Justice es el disco más ambicioso que la banda ha hecho hasta la fecha. Recordemos que venían de una depresión personal al perder a su bajista Cliff Burton en una gira por Europa específicamente en Suecia cuando en un juego de cartas, Burton le ganó la cama del bus a Hammet, quien tuvo que dormir en una banca. El accidente provocó que Burton no abriera los ojos jamás. Acabaron contratando a Jason Newsted que en todo el disco es invisible. Sus ideas fueron ignoradas en las grabaciones y fue reducido a músico suplente. Mi primera impresión fue preguntar si Metallica tenía bajista.

Blackened es bestial, imponente, con un estribillo que va acompañado de dos partes instrumentales donde Hetfield vomita depresión y desolación inclemente. Después viene And Justice for all... Una canción de casi 10 minutos muy complicada con numerosos cambios de ritmos y letras corrosivas que señalan con dedo medio al sistema de justicia de EEUU. A Metallica se le hacía muy difícil interpretar ésta canción en conciertos, se perdían. Hammet dijo que nunca volverían a tocar esa mierda de canción. Eye of the Beholder es la venida de un gigante. Beholder delimita y reprime la libertad más no para el que la puede comprar. Mientras haya dinero la justicia funciona. Aberrante. Salimos con ONE en la cara A del vinyl... Sip yo lo compré. Se rayó y tuve que conseguir el casstte, hasta que lo arruiné. Fue un disco que sonó durante 3 meses todos los días.

ONE es terrorífica, magistral, dolorosa y poderosa. Sus letras son lacerantes y los solos de guitarra hacen temblar hasta al guitarrista más experimentado; una parte instrumental que pone a eriza la piel Hetfield sentencia, lapida y la música estalla. Hammet despega con solos imposibles. Korn sacó la tarea de convertirla en una canción de radio con una presentación en el tributo a Metallica de MTV que fue un insulto para cualquiera. Metallica tuvo que poner su mejor cara para no reír, yo me ofendí. Hacer el video representó para Metallica una escupida a sus fans más hardcore. "Se vendieron" gritaban al mismo tiempo que se rasgaban las vestiduras y aplaudían el video.

Para The Shortest Straw el hambre de fuertes acordes no puede pararse. Y es que todavía falta lo mejor. Metallica viaja con más speed metal. Ulrich nunca sonará mejor que en cualquier disco. No le alcanzaron las extremidades para cada canción. Es increíble. Havester of Sorrow es una canción que sirve para violentar nuestra nuca, levantar la mano y gritar las letras. Harvester suena imponete. Lo mismo para The Fayed Ends of Sanity.

To live is to Die, es sin duda, la canción más conmovedora de metálica. Tremendamente imponente. Tiene la letra de la lápida de Burton: When a Man Lies He Murders / Some Part of the World / These Are the Pale Deaths Which / Men Miscall Their Lives / All this I Cannot Bear / to Witness Any Longer / Cannot the Kingdom of Salvation / Take Me Home. Su epílogo

Terminamos Dyers Eve el último vómito. Y es que en Justice... nadie se salva. Familia, justicia, el sueño americano vuelve a morir una y otra vez. Metallica firma con letras de oro el disco más importante de su historia. El Metal es inmortalizado en este disco y gracias a él nunca morirá. Se hace justicia... aún.

ONE


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